Princesas (2005)

Sexto filme del cineasta madrileño Fernando León de Aranoa. Cuenta la historia de dos prostitutas, Caye (Candela Peña) y Zulema (Micaela Narváez), que sobreviven en las calles de Madrid realizando el trabajo más antiguo que se conoce; luchando contra los estereotipos, contra los hombres, contra ellas mismas… en un mundo irrespetuoso, oscuro, peligroso. Nuestras dos protagonistas, irán uniéndose cada vez más, desarrollando una fuerte e inquebrantable amistad que les llevará a apoyarse entre ellas para salir adelante, superar obstáculos y seguir viviendo con la dignidad que todo ser humano merece.

Llum Barrera y una magnífica María Ballesteros les acompañan en una película que estuvo nominada a numerosos premios, entre ellos, 9 Goyas, de los que ganó 3 -Candela Peña como mejor actriz, Micaela Narváez mejor actriz revelacin y mejor canción original para Manu Chao por “Me llaman Calle”-.

El Bola (2000)

Gran obra la que rodó Achero Mañas contándonos una cruda historia de maltratos de un padre hacia su hijo. Película que nos descubrió a uno de los actores con mayor futuro y proyección del cine español, Juan José Ballesta (Madrid, 1987), quien con tan solo 12 años, nos regaló una increíble, dura, dramática, espeluznante y conmovedora actuación, unida a una historia que no le iba a la zaga. Un visionado que todavía me hace contener las lágrimas, a la vez que me llena de rabia al presentarnos un mundo tan injusto y aterrados como es el del maltrato infantil.

Nominada a 5 goyas, se llevó 4 estatuillas: mejor película, mejor director novel (Achero Mañas), mejor actor revelación (Juan José Ballesta) y mejor guión original.

El otro lado de la cama (2002)

Ernesto Alterio, Paz Vega, Guillermo Toledo, Natalia Verbeke, Albero Sanjuan, María Esteve, Nathalie Poza, Secun de la Rosa y Leticia Dolera entre otros, se unen en esta divertidísima película de Emilio Martínez Lázaro donde se mezclan musical y comedia para contarnos los entresijos, líos y convivencias de tres parejas de novios y amigos que viven momentos muy diferentes, pero, a lo largo de la película, irán acercándose más entre sí y cambiando sus relaciones. La banda sonora es de lo mejor del film, con grandes clásicos cantados íntegramente por el reparto, donde sacan a relucir no sólo una gran capacidad para hacer reír, sino también para aplicarse, con buen resultado, en cada canción.

La película estuvo nominada a 6 Goyas aunque finalmente sólo logro llevarse el de mejor sonido.

Te doy mis ojos (2003)

“Donde dice hogar se lee infierno. Donde dice amor hay dolor.” Desgarradora historia de un matrimonio que va desmoronándose de manera cruda y ruda, debido a los continuos maltratos que Pilar (Laia Marrull) recibe a cargo de su marido Antonio (Luis Tosar). Nos va mostrando cómo la pareja, va recorriendo un camino que no hace más que llenarse de espinas, dolor, sufrimiento, desconfianza, falta de comprensión, brutalidad y violencia: Pilar, desbordada por el miedo cada vez que tiene que encontrarse con su marido, mientras éste, pese a saberse descontrolado al estar maltratando a su pareja, va cayendo cada vez con mayor brutalidad en los abismos de la locura. Grandiosas interpretaciones las de ambos actores en esta sobrecogedora historia, tan actual y difícil hoy en día.

Nominada a 9 Goyas, fue capaz de alzarse con 7 estatuillas; Mejor actriz principal (Laia Marrull), mejor actor principal (Luis Tosar), mejor actriz de reparto (Candela Peña), mejor dirección (Icíar Bollaín), mejor película, mejor guión original y mejor sonido.

Mar Adentro (2004)

Basada en hechos reales, nos cuenta la historia de Ramón Sampedro (Javier Bardem), un hombre que sufrió un desafortunado accidente 30 años atrás y que ahora, postrado en una cama y necesitado de los cuidados de su familia para realizar su vida cotidiana, decide que ha llegado el momento de acabar con su sufrimiento. El resto del reparto lo completan sus familiares, su hermano José (Celso Bugallo), su cuñada Manuela (Mabel Rivera) y su nieto Javi (Tamar Novas), del que siempre se han hecho, así como con Julia (Belén Rueda), una abogada que respaldará su caso y Rosa (Lola Dueñas) una mujer del pueblo que le visita frecuentemente para hacerle compañía e intentar hacerle ver que merece la pena vivir la vida. Una compleja historia de pensamientos encontrados,  bien llevada a cabo desde la realización y bordada por los papeles de todos sus personajes.

Ganadora de múltiples premios entre los que destacan los siguientes: un Oscar a la mejor película extranjera de habla no inglesa, además de una nominación por maquillaje; Globo de oro a la mejor película extranjera de habla no inglesa, además de una nominación al mejor actor para Javier Bardem;  Catorce Goyas, de quince nominaciones; mejor película, mejor dirección (Alejandro Amenábar), mejor actor principal (Javier Bardem), Mejor actriz principal (Lola Dueñas), mejor actor revelación (Tamar Novas), mejor actriz revelación (Belén Rueda), mejor actor de reparto (Celso Bugallo), mejor actriz de reparto (Mabel Rivera), mejor música original, mejor maquillaje, mejor director de producción, mejor guión original, mejor fotografía y mejor sonido.

Los Lunes al Sol (2002)

Fernando León de Aranoa dirige este filme donde nos habla de la vida de unos operarios del puerto de Vigo después de que se queden sin trabajo; de sus inquietudes, sus esperanzas, sus dudas, y cómo el desempleo afecta a sus vidas. Película dramática, con grandes momentos de comedia, que nos muestra que ante las dificultades siempre es bueno tener cerca a gente en quien confiar y apoyarse para no decaer y lograr salir adelante. Javier Bardem, Luis Tosar, José Angel Egido, Nieve de Medina, Celso Bugallo, Aida Folch, Enrique Villen y Fernando Tejero son algunos de los destacados actores de esta película.

Nominada a ocho Goyas, fue ganadora de cinco de ellos; Mejor película, mejor dirección, mejor actor principal (Javier Bardem), mejor actor de reparto (Luis Tosar), mejor actor revelación (José Angel Egido).

Los Otros (2001)

En el año 2001, tras el éxito de Tesis (1996) y Abre los ojos (1998), Alejandro Amenábar iba a contar con un casting internacional para dirigir esta película de terror que, al más puro estilo de El sexto sentido (M. Night Shyamalan, 1998), lograría unas muy buenas cifras de taquilla y público, tanto en nuestro país como en el extranjero, para narrarnos la historia de una madre Grace Stewart (Nicole Kidman) que vive juntos a sus hijos y el servicio en una mansión de Jersey, a la espera de que su marido regrese de la Segunda Guerra Mundial. La historia se centra en contarnos como la madre cuida de sus niños con gran amor, pero también con gran precaución, muchas reglas y severidad, obsesionada por la salud de ellos, cuando empiezan a tener lugar sucesos fuera de lo normal dentro de la gigantesca casa: presencias extrañas, espíritus, un servicio malvado… todo tipo de dudas se instalarán en la cabeza del espectador por ver qué es lo que realmente pasa en la casa de los Stewart.

Nominada Nicole Kidman al Globo de Oro como mejor actriz principal por su intensa actuación en este papel. También fue nominada a quince Goyas de los que ganó ocho; Mejor película, mejor director (Alejandro Amenábar), mejor guión original, mejor montaje, mejor fotografía, mejor dirección artística, mejor dirección de producción y mejor sonido.

Celda 211 (2009)

La gran triunfadora de este año en la gala de los Goya fue esta cinta dirigida por Daniel Monzón, en el que es su cuarto filme hasta la fecha y que nos cuenta la historia de un motín de presos en una cárcel española. La trama se centra en un funcionario de la prisión que se ve sorprendido por los acontecimientos cuando se encuentra entre los presos y tiene que optar por hacerse pasar por uno de ellos si no quiere pasar a ser preso e incluso para evitar la muerte. Poco a poco, según avanza la trama, todo irá complicándose: los roles se entrecruzaran y comenzarán las traiciones, manteniéndonos sin saber quién está de qué lado. Los buenos son los malos, los malos los buenos o ¿todo era lo que parecía?, solo cuando el motín llegue a su fin sabremos las respuestas.

Sublime papel de Luis Tosar, dando vida a Malamadre, el preso más peligroso y carismático que se encuentra entre los amotinados. A veces las palabras no expresan lo que se puede explicar sobre algo, así que lo suyo es ver la película y disfrutar de su espectáculo interpretativo.

Nominada a dieciseis Goyas -incomprensiblemente no representó a España en la candidatura a los Oscar- se hizo con ocho; Mejor película, mejor director (Daniel Monzón), mejor actor principal (Luis Tosar), mejor actor revelación (Alberto Ammann), mejor actriz de reparto (Marta Etura), mejor guión adaptado, mejor sonido y mejor montaje.

Hoy quisiera hablaros de una de las mejores películas de uno de los grandes en la historia del cine español, Luis García Berlanga. Me refiero a El Verdugo, una maravillosa comedia negra del año 63 en cuyo guión, el cineasta contó con la colaboración del escritor Rafael Azcona.

La película es, ante todo, una radiografía de la España de los años 60; una España plagada de miedos (a quedarse soltera, al qué dirán los vecinos), ilusiones (como viajar al extranjero para aprender un oficio, ver el mar o llegar a poseer los signos del progreso, que en el caso de nuestros protagonistas no es más que la aspiración a poder tener un colchón de muelles o fotografiarse junto a un avión), insolidaridad (lo vemos claramente en el momento en que la pareja, que ha ido a comer al campo, comienza a bailar al son de la música de sus vecinos, y éstos se marchan llevándose la radio: “si queiren bailar que se traigan su propia música”) y frustraciones (la idea de que cuando todo va bien, siempre hay algo que lo fastidia: está la pareja disfrutando del espectáculo de las cuevas del Drac y aparece la Guardi Civil para lleverse a José Luis)

Argumento

La película nos cuenta la historia de José Luis, interpretado por Nino Manfredi (ya que se trata de una coproducción con Italia), un joven que trabaja en una funeraria, aunque su ilusión es marcharse a Alemania a aprender mecánica. Debido a su profesión, le es muy complicado encontrar pareja (el oficio de enterrador, provoca cierto “rechazo” entre las jóvenes), hasta que conoce a Carmen, (encarnada por una jovencísima Emma Penella), la hija del verdugo. Carmen se encuentra en la misma situación: la profesión de su padre hace que, al final, todos sus novios la terminen abandonando. Los dos jóvenes descubrirán que son almas gemelas y deciden casarse, más para seguir gozando de las prebendas que el Estado proporciona a los ejecutores (el verdugo y su familia gozaban de una paga considerable, además de un piso oficial), al jubilarse Amadeo (padre de Carmen), José Luis se verá obligado a suceder a su suegro.

La película no constituye un reproche a la pena de muerte. Lo que está planteando es lo siguiente: ¿qué clase de país es este en el que uno tiene que matar para poder salir adelante? Una crítica, en mi opinión, bastante más dura. La víctima no es, pues, el reo, sino el verdugo, ya que se verá obligado a matar para sobrevivir, contando, además, con el rechazo de la propia sociedad en la que vive. Concretamente, hay dos pasajes de la película que refrendan con nitidez esta tesis:

1. Cuando José Luis tiene que ejecutar al reo y le ponen la corbata lanzándosela como una soga (parece que le fueran a ahorcar)
2. En el momento en que el verdugo es escoltado hasta la cárcel por la Guardia Civil (da la impresión de que el detenido es él)

La historia

La película está basada en un hecho real. Berlanga se inspiró en la historia que un abogado amigo suyo le facilitó. En el 59, tuvo que asistir a un juicio en el que se acusaba a una sirvienta por haber envenenado, producto de los celos, a su señora y compañera de trabajo. La mujer fue condenada a garrote vil y el abogado, que asistió a la ejecución, explicó al cineasta como, en el fatal momento, ponía los pelos de punta ver que la reclusa no daba muestras de intranquilidad, mientras que el verdugo era presa de la desperación: gritaba, forcejeaba, se desvanecía…en un intento vano de evitar su tarea.

Repercusión

Fue una película muy polémica desde el principio. Las disputas surgieron en el Festival de Cine Internacional de Venecia (1963), ya que nadie estaba de acuerdo con ella. Por un lado, la izquierda no podía tolerar que un film que hablaba de la pena de muerte, no condenase al franquismo (y más que el caudillo contaba entre la plebe con el sobrenombre de “el Verdugo”); y, por otro, la derecha lo consideró un exabrupto inadmisible.

La solución: agregar a los 16 cortes con los que la película se presentó al festival 14  más

Advierto a los detractores de nuestro cine que, con este post, es muy posible que tan solo vean confirmadas sus sospechas pues, aunque dudo se dignaran a la visualización del film, en el hipotético caso de que esto ocurriera, no encontrarán en él los fastuosos efectos especiales que ya por esta fecha comenzaban a fraguarse en el mundillo hollywoodiense, ni una trama excitante y ramplona, con final al gusto de todos, como a las que suelen estar acostumbrados.

Arrebato es una película sorprendente, rompedora, vanguardista; algo que sólo podía tener cabida en aquellos años del destape español tras el fallecimiento de Franco y que, por desgracia, no tendrá continuación (Zulueta tuvo serios problemas con las drogas, desapareciendo durante largo tiempo del mundo cinematográfico)

La película, protagonizada por unos jovencísimos Eusebio Poncela y Cecilia Roth, constituye una reflexión del propio cine y una apología de la creación artística y su poder “arrebatador”. Zulueta lleva a cabo, para ello, un experimento visual, combinando distintos formatos, que van desde el profesional al amateur (súper 8), llegando incluso a agujerear la película, logrando que se perciban una suerte de círculos luminosos en movimiento durante la proyección. Se sirve de imágenes insólitas, delirantes, próximas a la hipnosis, con las que consigue atrapar al espectador, arrebatarlo, hacerlo formar parte de su propia creación.

Sinopsis Arrebato

La película narra la historia de José Sirgado (Eusebio Poncela), un director de películas de Serie B, profundamente decepcionado con la industria y con su propia vida. El coqueteo con la heroína y su reciente ruptura amorosa con Ana (Cecilia Roth), lo han sumido en la más profunda de las desidias. Una tarde, al volver a casa, se encuentra con un misterioso paquete con una cinta de vídeo y una grabación, que vendrán a sacar al protagonista de la anomia en la que ha sumido su vida, situándolo en un punto límite.

Ficha técnica

Título original: Arrebato

País: España

Año: 1979

Género: Drama

Director: Iván Zulueta

Guión: Iván Zulueta

Reparto: Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Helena Fernán-Gómez, Luis Ciges, Marta Fernández Muro, Carmen Giralt y Will Moore

Productor: Nicolás Astiarraga

Fotografía: Ángel Luis Fernández

Música: Grupo Negativo

Montaje: José Luis Peláez, José Pérez Luna y María Elena Sáinz de Rozas

Del director Michel Franco y producida por Alameda films Daniel y Ana es un film que relata la historia de dos hermanos que durante su adolescencia son secuestrados y obligados a mantener relaciones sexuales entre ellos mientras son grabados. A partir de entonces, nada en sus vidas volvería a ser como antes.

 Por un lado está Ana (Marimar Vega) ,la mayor de los dos, que esta a punto de contraer matrimonio y por el otro se encuentra Daniel (Darío Yazbek Bernal), un jóven que aún esta descubriendo su identidad sexual. Hermanos y mejores amigos, ven sus vidas cambiar repentinamente cuando son secuestrados en la ciudad de México.

 Durante su secuestro la pareja de hermanos es grabada por sus secuestradores mientras son forzados a mantener relaciones sexuales. Posteriormente son dejados en libertad y deciden no denunciar los hechos.

 Tras la pesadilla por la que tuvieron que pasar, Daniel y Ana tienen que lidiar con las diferentes secuelas producidas tanto en ella como en él. Ana busca ayuda profesional para superar el trauma pasado a lo y Daniel desencadena un sentimiento de ira y posesión hacia su hermana a la que viola en una escena de la película. A raíz de que los celos posesivos por el novio de Ana van creciendo, Daniel termina por presentarse en mitad de la boda de su hermana portando un cuchillo .

La parte central del argumento de ‘Daniel y Ana‘ es el secreto mejor guardado por su director y su elenco. Como sea, esta película promete buenas actuaciones, una historia álgida y polémicas tipo juego de escrúpulos, que se traducirá en muchos cafés discutidores, cuando ya se pueda ver la película.

Foto de: www.fotogramas.es

Pedro Almodóvar es uno de los directores favoritos del público mundial. Desde la década del ´80 del pasado siglo XX títulos como “¿Qué hecho yo para merecer esto?”, “La ley del deseo” o “Átame” daban comienzo a un estilo autoral muy particular que se iría refinando y afilando con el tiempo. Muy discutido en sus comienzos y tachado de escandaloso fue poco a poco instalándose en la industria ganando seguidores en todo el mundo y recibiendo premios internacionales de todo tipo.

Luego de estrenar “Volver” en el año 2006, filme que dirigió y escribió, pasaron tres años hasta que se estreno un nuevo y esperado filme de este director. Aquella le había valido un Oscar como mejor actriz a Penélope Cruz y cuatro Goyas, incluyendo la categoría “mejor película” y “mejor director”.

Sin lugar a dudas semejante resonancia mundial no es sencilla de superar o volver a alcanzar. Con “Los abrazos rotos” Almodóvar entrega al público una película con un estilo muy refinado de sí mismo, con citas intertextuales con su propia filmografía y una calidad impecable en cada una de las imágenes y los planos.

¿Cuál es el argumento de “Los abrazos rotos”?

Esta película es, en el fondo, una dura historia de amor o, más bien, de desamor. Divida en dos tiempos un hombre ya algo mayor, guionista y director de cine, recuerda y reconstruye una historia de amor que vivió en el pasado. Esta lo dejo herido, física y emocionalmente.

Con un presente que lo muestra ciego y algo melancólico, revive un pasado repleto de pasión, de un amor algo incorrecto, trágico, que había vivido con una de sus actrices (Penélope Cruz).

Intertextualidades almodovarianas

En “Los abrazos rotos” nos encontramos con una gran cantidad de citas al cine como arte, a directores de renombre como Rosellini y a si mismo director.
En principio hay una trama dentro de la trama que es la del filme (ya de por sí referente al propio cine) que están rodando los protagonistas bajo el nombre de “Chicas y maletas” que es una recreación de “Mujeres al borde de un ataque de nervios”.

Este recurso es ya conocido en la filmografía de director. Si prestamos atención en “La mala educación” podemos ver, en la oficina que es recibido el personaje de Gael Garcia Bernal con su libreto, un afiche titulado “La abuela fantasma” lo que constituye un guiño con el personaje que interpretaría Carmen Maura en “Volver”.

Foto: loscondenados.es

La película ha recibido el Galardón De La Crítica Internacional (FIPRESCI) tras su participación en la Sección Oficial a concurso del 57 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Un argumento que resulta duro, pero que sobre todo demuestra la capacidad que tiene el hombre de adaptarse a las diferentes situaciones por las que tiene que pasar durante toda su vida y la manera en la que estas circunstancias pueden hacerle cambiar completamente.

Sinopsis

Martín, es un antiguo militante que lleva más de treinta años exiliado en España, y que sin esperarlo recibe la llamada de un antiguo camarada, Raúl, que le solicita que regrese.

El objetivo es que le eche una mano en los trabajos de excavación que Raúl ha comenzado en la selva, para hallar los restos de un compañero de ambos, Ezequiel, desaparecido después de un combate contra los militares.

La excavación organizada por Raúl es ilegal, organizada sin que el gobierno tenga noticia alguna sobre ella, de esa forma tendrán la posibilidad de hacerlo todo “a su manera”.

Raúl conseguido reunir a un grupo de personas, las más allegadas a Ezequiel en una casa cerca del lugar donde se está llevando a cabo la excavación: Andrea, su viuda y antigua amiga común que odia a Martín reprochándole el abandono al marcharse a Europa en plena lucha; Luisa, su anciana madre; Vicky, compañera de encarcelamiento de Andrea en un centro de detención, y Pablo, hijo de ésta, que ayuda en los trabajos como excavador.

Pero hay alguien que se niega a acompañarles: esa persona es Silvia, la hija de Ezequiel y Andrea, que desde hace años no tiene relación con su madre, y que además está convencida de que la lucha armada fue un terrible error que jamás debió llevarse a cabo.

Convivir durante tantos días bajo el mismo techo, hará comprender a todos los que allí se han dado cita que ya no son los mismos, sus vidas han cambiado y que además todos y cada uno de ellos se han encargado de ocultar ciertos detalles que el resto desconoce. Esta situación hará que se produzcan numerosos enfrentamientos y tensiones entre ellos lo que no hará más que complicar la vida de los amigos de Ezequiel.

El director en un encuentro con estudiantes cineastas

Así iniciaba Miguel Ángel Jiménez, el director de la película, su narración sobre la creación de la película. En el Kutxa Andía de San Sebastián, en el marco del Festival Internacional de Cine, este realizador madrileño compartió con el público su experiencia personal sobre esta aventura. Cabe mencionar que el público estaba especialmente hipnotizado por su intervención, al tratarse de jóvenes estudiantes (y no tan jóvenes) de distintas escuelas de cine internacionales que presentaban sus cortos en el Festival.

Ori: españoles, georgianos y una Red One

A pesar de todo, el director y Luís Moya, el guionista de la película, estaban empeñados en hacer…algo. Habían hecho el viaje, tenían el equipo técnico preparado y no estaban dispuestos a renunciar. La solución a la que llegaron fue hacer una película de ficción. Estaban allí, en Georgia, con localizaciones magníficas, extras locales y mucho entusiasmo y energía. El único problema es que tenían menos de dos semanas para escribir un guión, encontrar las localizaciones adecuadas, conseguir actores, contactar con alguna productora local que estuviera dispuesta a echarles una mano y ponerse a rodar.

Inmediatamente, claro, se pusieron manos a la obra. Se encerraron unos días en un hotel y pensaron una historia. A partir de ahí, Luís se puso a escribir y Miguel Ángel a buscar. “Tenía que llamarle cada tanto para que me contara lo que había escrito y encontrar la localización”, dice el director.

El siguiente paso fue encontrar a un actor. No fue demasiado complicado al principio, salvo por el hecho de que se trataba de un monje haciendo penitencia en un monasterio. Pocos días antes de empezar el rodaje, el monje superior le denegó el permiso para hacer la película (estaba de penitencia, por lo que no podía hacer de actor). Ya no tenían protagonista.

Casi desesperados, llegaron al Sindicato de Cineastas Georgianos. Debido a la guerra, no había prácticamente ninguna producción ni de cine ni de teatro. “Había un montón de gente esperando a que les propusieran algo, mientras fumaban un pitillo tras otro”. Así dieron con un actor georgiano, con el que ya podían hacer el filme

Ori: un rodaje salvaje

Finalmente, empezaron a rodar. Con una cámara Red One y un equipo de 5 personas más 2 eléctricos georgianos, un extraño entrecruzamiento de idiomas y condiciones bastante adversas (“dormíamos en los coches”), los 20 días que duró el rodaje se convirtió en una auténtica aventura merecedora por si sola de otra película. “Es lo que había, queríamos hacer las cosas bien, pero teníamos que improvisar mucho”.

A pesar de todo, la película ha merecido las alabanzas por parte de la crítica. Jiménez y Moya han salido muy satisfechos del proyecto, y ya están preparando un nuevo viaje a Kazajistán para rodar otro filme. Estaremos atentos a sus nuevas aventuras.

Lola Dueñas y Pablo Pineda en Yo, también

Haciendo honor a su nombre los protagonistas del film, Lola Dueñas y Pablo Pineda, fueron galardonados con sendas Conchas de Plata en el Festival de Cine de San sebastián que acaba de cerrar sus puertas con un buen sabor de boca.

Trucos sociales o necesidad fílmica: Yo, también

Como ópera prima para ambos directores se ha convertido en parte del cine llamado necesario. La normalización de los imposibles sociales se reubica en esta película con un cierto tono de dramedía romántica que poco a poco va perdiendo ese punto para relatarse de un medio demasiado correcto y previsible. A pesar de sus defectos el jurado del festival ha sabido valorar el esfuerzo de dos intérpretes, Dueñas con una carrera de calidad envidiable, pero poco reconocida, y un actor revelación grande, Pablo Pineda, que nos recuerda como manejar el gesto de la intimidad.

Esta historia de amor entre una persona con síndrome de Down que ha alcanzado cierto reconocimiento social, pues ha obtenido un título universitario, y su compañera de trabajo. Las incapacidades aparentes van perdiendo su presencia para convertirse en un detalle más de una relación de amor entre un hombre y una mujer.

Álvaro Pastor y Antonio Naharro, las nuevas caras del largometraje español

Los jovenes directores han creado lucen un recorrido artístico plagado de años de formación en todas las artes de la escena y la cámara, guión, dirección, interpretación,… Además, como suele ocurrir, ellos han conseguido primero triunfar en ele mundo del corto antes de dar el salto a las historias largas. Algunos de sus trabajos más destacados y multipremiados son: ‘Invulnerable’ producido por ambos, pero dirigido por Álvaro Pastor e interpretado por Antonio Naharro; ‘Uno más, uno menos’, que fue dirigido por ambos y que fue nominado al Goya en el 2002. Os dejamos un fragmento del cortometraje ‘Invulnerable’ (2004)

El puente entre la normalidad y la discapacidad parece confirmar la inevitable soledad a la que estas personas que son vistas como diferentes se ven sometidas. ‘Yo, también’ tuvo buena acogida en el Festival de Cine de San Sebastián de 2009, pero más que por su calidad fílmica, por su esfuerzo por acercar realidades que llevan mucho tiempo silenciadas. El alma de la película recae en el entusiasmo que ambos intérpretes ofrecen en cada mirada, y como Lola Dueñas ha dicho en alguna de las entrevistas que ha concedido, lo más bonito es que sales del cine deseando amar.

Premio Donostia 2009 - Sir Ian McKellen

Desde Gregory Peck a Meryl Streep pasando por Lana Turner, Bette Davis, Jessica Lange, Julie Andrews, Max Von Sidow, Susan Sarandon o Robert De Niro, hay una larga lista de grandes nombres, 43 para ser exacto, que se completará esa noche con el número 44, el mago más exquisito de la historia del cine, Sir Ian McKellen.

Sir Ian McKellen: el actor y la escena

Este actor de enorme trayectoria ha destacado, sobretodo, por sus impresionantes papeles en teatro que le han llevado a convertirse en el referente más importante de la escena británica y mundial. Ha personificado algunos de los roles más emblemáticos del teatro: Eduardo II, el Dr. Fausto, Ricardo III, Romeo y Hamlet.

A pesar de tener una llegada tardía al cine ha conseguido llevar a cabo una brillante carrera plagada de personajes imperecederos que le han llevado a la cumbre de las estrellas. Ser Gandalf en el Señor de los Anillos o Magneto en la trilogía de X-Men, dos caracteres globales e inconfundibles, le han otorgado reconocimiento mundial, pero su James Whale de Dioses y Monstruos o su militar nazi de Verano de Corrupción, le han permitido mostrar una excelencia interpretativa que le ha hecho ganar más prestigio si cabe y muchos premios, entre los que destaca el Globo de Oro, el Oso de Oro honorífico o el Félix al Mejor Actor Europeo.

Sir Ian McKellen: por los derechos y por Gandalf

Además de reflejar la categoría interpretativa del clásico actor ‘british’ se ha convertido en una de las personalidades más carismáticas en la lucha por los derechos de los homosexuales. Hizo pública su condición sexual hace más de 20 años y ha sido el cofundador de la organización Stonewall UK.

En breve, volverá a encarnar el rostro que más glorias le ha dado, Gandalf el Gris volverá a las pantallas de cine a través de la obra de Tolkien El Hobbit, proyecto del que se encarga de dirigir Guillermo del Toro, autor de la multipremiada El Laberinto del Fauno. El sombrero puntiagudo, la larga barba gris y la pipa recuperarán todo su esplendor de la nueva película que empezará a rodarse el próximo año.

EL 23 de septiembre Sir Ian McKellen recibirá el premio Donostia y nosostros estaremos allí para aplaudir a uno de los grandes intérpretes de la historia del cine.

Imagen del portal oficial del Festival de San Sebastián

El Jurado de la 57 Edición del Festival de San Sebastián

El jurado lo forman: el director francés Laurent Cantet (será el presidente), el director coreano Bong Joon-ho, el actor mexicano Daniel Giménez Cacho, la actriz española Pilar López de Ayala, la actriz portuguesa Leonor Silveira, la directora iraní Samira Makhmalbaf y el director británico John Madden.

El presidente del jurado el francés Cantet ganó el premio al mejor director novel en San Sebastián con su película Recursos Humanos (1999) y, en la actualidad, es reconocido como uno de los grandes directores del momento, sobretodo, gracias al éxito de crítica, público y premios de su último film La Clase (2008). Entre las menciones destaca la Palma de Oro del festival de Cannes del año pasado.

Además de Cantet el jurado lo componen tres directores más: el coreano Bong Joon-ho, en cuya filmografía destaca Memories of Murder con la que ganó la concha de plata, el premio FIPRESCI y el premio al mejor director novel, y la increible The Host, una fascinante revisión de las pelis de monstruos; el director británico John Madden conocido por su película Shakespeare in Love (1998) y su Majestad, Mrs. Brown (1997), y la directora iraní Samira Makhmalbaf que consiguió el premio especial del jurado en la pasada edición por Asbe Du-Pa (Two-legged Horse).

Completan el jurado tres grandes actores: el mexicano Daniel Giménez Cacho premiado por sus papales en Aro Tolbukhin. En la mente del asesino (2002), Profundo carmesí (1996) o Cronos (1993), la portuguesa Leonor Silveira, musa del director Manoel de Oliveira, y la española Pilar López de Ayala que consiguió la Concha de Plata en San Sebastián por su papel de Juana la Loca (2001) de Vicente Aranda.

El Jurado de Nuevos Directores del Festival de San Sebastián 2009

A este jurado se le suma el de Nuevos Directores que estará presidido por la actriz británica Saffron Burrows, conocida por sus papeles en Deep Blue See (1999), Enigma (2001) y Frida (2002). Además, contará con la presencia del director español Borja Cobeaga, que recientemente estrenó su premiada Pagafantas (2009), la directora Lucile Hadzihalilovic, galardonada en 2004 con el premio a la Mejor Directora Novel por su película Innocence (2004), el actor y director uruguayo Daniel Hendler que obtuvo el Oso de Plata al Mejor Actor por El abrazo partido (2004), y el periodista, presentador y crítico de cine Antonio Gasset.