• Año: 1955
• Nacionalidad: española
• Dirección: Juan Antonio Bardem
• Guión: Juan Antonio Bardem
• Fotografía: Alfredo Fraile
• Intérpretes: Lucía Bosé, Alberto Closas, Carlos Casaravilla, Bruna Corrà, Otello Tosco
• Género: Drama
• Producción: coproducción España-Italia

Argumento

En buena medida, la película está inspirada en un film de Antonnioni, Crónica de un amor de 1950. En todo caso, no se trata de una adaptación exacta: Bardem toma el tema (los amores clandestinos de la burguesía) y la protagonista (Lucía Bosé, de origen italiano)

Nos cuenta la historia de una pareja (maría José y Juan) que han sido novios en su juventud pero que, por circunstancias de la vida, acaban separados (ella casada con un rico industrial y él soltero) En cualquier caso, mantienen su romance (siguen viéndose en un chalet que él tiene en la sierra)

En una de las ocasiones que han quedado para ir al chalet, atropellan a un ciclista. Se dan cuenta de que aún está vivo, pero si lo llevan a un hospital, pronto la gente descrubrirá que son amantes. Le dejan, pues, abandona y malherido y se marchan. El ciclista muere.

A partir de este momento, Juan toma conciencia de su mala actuación (como es propio en los personajes de Bardem) Durante la Guerra Civil, luchó con el bando franquista, lo que le permite gozar de ciertos privilegios. Sin embargo, ahora no consigue adaptarse a la sociedad: se dedica a dar clases de geometría en la Universidad, pero es un trabajo que no le gusta, al tiempo que sabe que no le reportará ningún futuro.

Un día, mientras está haciendo un examen oral a una alumna, lee de reojo en un periódico que ha aparecido un ciclista muerto. Aunque la joven lo está haciendo bien, se pone nervioso y la suspende. La clase entera protestará por la injusticia. la valentía de sus alumnos le sorprende y le hace reflexionar.

Decide ir a ver a la familia del ciclista muerto (aunque sin identificarse) y se encuentra con que su esposa está embarazada, que tienen varios niños…Situación que, unida a los continuos acosos de un amigo común a la pareja que no para de decirles que “lo sabe” (aunque a lo que se está refiriendo es a su romance, no al asesinato) harán que decida entregarse.

Características

La censura del momento no permitió este final ideado por Bardem. En la tradición judeocristiana quien la hace la paga. De modo que impuso lo siguiente: cuando la pareja va camino de la sierra, Juan confiesa a María José su propósito de entregarse y ella, asustada, lo hace bajar del coche y lo atropella (exactamente en el mismo sitio donde atropellaron al ciclista) Igualmente, cuando vuelve a arrancar para volver a casa, los nervios y el mal tiempo le hacen perder el control del coche. Tiene un accidente y también muere (en ese momento pasa por allí un ciclista y va corriendo a atenderla, pero ya es tarde)

La censura también prohibió las manifestaciones que, en el guión original, organizaban los estudiantes en defensa de su compañera, limitándolas a unas simples protestas en el despacho del profesor (en aquellos años, tuvieron lugar numerosas manifestaciones en contra del régimen franquista y no querían que esta secuencia pudiera dar lugar a dudas)

Con estos arreglos, la película fue declarada “Para todos los públicos” y llevada al Festival de Cannes, donde fue muy aclamada y ganó el premio a la crítica)

Destaca el profuso empleo del plano detalle y primer plano, así como la profundidad de campo y la oscuridad (especialmente en el momento de los accidentes: no se ve nada)

• Año: 1951
• Nacionalidad: España
• Dirección: Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga
• Guión: Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga
• Fotografía: Guillermo Golberger
• Reparto: Fernando Fernán Gómez, Elvira Quintillá, José Luís Ozores, Felix Fernández, Matilde Muñoz Sampedro
• Género: Comedia

Características y argumento

Con esta película, codirigida por dos de los grandes, se inaugura la línea de la disidencia en nuestro país (caracterizada por la crónica crítica de la realidad)

El film nos cuenta la historia de una pareja (interpretada por Fernando Fernán Gómez y Elvira Quintillá) Él trabaja como electricista en unos estudios de cine; sin embargo, aspira siempre a mejorar su posición en la escala social y, para ello, estudia electrónica por correspondencia y emprende diversos negocios (en los que sale a menudo mal parado: lo estafan) Ella, por su parte, es una soñadora para quien la vida es como una película. De hecho, le encantan las películas románticas y acude con frecuencia al cine (en la película la referencia al cine es contante, tanto desde un punto de vista técnico -el del marido- desde el que se nos presenta su carácter artificial, como desde un enfoque de contenido -el de la mujer- con el sentido de hacer una crítica al mismo por su disparidad con la realidad)

Como decía, esta línea define por ser una crónica de la realidad cotidiana, lo que vincula directamente a la película con el neorrealismo italiano (casa astrada, patio de vecindad, bocadillo de mortadela…) No obstante, como todo el cine español, al menos en sus orígenes, se trata de un filme muy rico, del que no podemos decir, ni mucho menos, que se limite al realismo. En él encontramos, como mínimo, dos influencias más: el sainete de Arniches (un guirigay de voces y gritos) y la comedia idealizada de Capra.

La parte neorrealista, por así decir, la encontramos al inicio, cuando se nos presenta la vida de la pareja: la casa en la que viven, sus costumbres, los trabajos de cada uno…

La parte del sainete queda patente cuando a mujer, en su afán de lograr una vida de cine, consigue finalmente ganar el concurso de los jabones Florit, cuyo premio supone todo un día viviendo como reyes (como una “pareja feliz”) Así, se presenta en la casa del matrimonio el promotor del concurso para acompañarles durante la jornada. El “follón” comienza cuando toman el coche y el chófer tiene  que sufrir las contraindicaciones del promotor y el marido, mezcladas con el tráfico de las calles, el mercado, los niños en bicicleta…terminarán chocando.

Y es en el final de la película donde podemos encontrar el influjo de Capra. Se nos transmite la idea de que el dinero no da la felicidad, que la felicidad es ser como un es. Lo vemos cuando la pareja, ya de vuelta a casa cargados de regalos por un amplio boulevard de Madrid, deciden despojarse de todo lo que les han regalado, dejando un paquete en cada banco del parque, donde hay un mendigo durmiendo. Esto es muy propio de Bardem; en ss películas, sus personajes siempre acaban tomando conciencia social.

Princesas (2005)

Sexto filme del cineasta madrileño Fernando León de Aranoa. Cuenta la historia de dos prostitutas, Caye (Candela Peña) y Zulema (Micaela Narváez), que sobreviven en las calles de Madrid realizando el trabajo más antiguo que se conoce; luchando contra los estereotipos, contra los hombres, contra ellas mismas… en un mundo irrespetuoso, oscuro, peligroso. Nuestras dos protagonistas, irán uniéndose cada vez más, desarrollando una fuerte e inquebrantable amistad que les llevará a apoyarse entre ellas para salir adelante, superar obstáculos y seguir viviendo con la dignidad que todo ser humano merece.

Llum Barrera y una magnífica María Ballesteros les acompañan en una película que estuvo nominada a numerosos premios, entre ellos, 9 Goyas, de los que ganó 3 -Candela Peña como mejor actriz, Micaela Narváez mejor actriz revelacin y mejor canción original para Manu Chao por “Me llaman Calle”-.

El Bola (2000)

Gran obra la que rodó Achero Mañas contándonos una cruda historia de maltratos de un padre hacia su hijo. Película que nos descubrió a uno de los actores con mayor futuro y proyección del cine español, Juan José Ballesta (Madrid, 1987), quien con tan solo 12 años, nos regaló una increíble, dura, dramática, espeluznante y conmovedora actuación, unida a una historia que no le iba a la zaga. Un visionado que todavía me hace contener las lágrimas, a la vez que me llena de rabia al presentarnos un mundo tan injusto y aterrados como es el del maltrato infantil.

Nominada a 5 goyas, se llevó 4 estatuillas: mejor película, mejor director novel (Achero Mañas), mejor actor revelación (Juan José Ballesta) y mejor guión original.

El otro lado de la cama (2002)

Ernesto Alterio, Paz Vega, Guillermo Toledo, Natalia Verbeke, Albero Sanjuan, María Esteve, Nathalie Poza, Secun de la Rosa y Leticia Dolera entre otros, se unen en esta divertidísima película de Emilio Martínez Lázaro donde se mezclan musical y comedia para contarnos los entresijos, líos y convivencias de tres parejas de novios y amigos que viven momentos muy diferentes, pero, a lo largo de la película, irán acercándose más entre sí y cambiando sus relaciones. La banda sonora es de lo mejor del film, con grandes clásicos cantados íntegramente por el reparto, donde sacan a relucir no sólo una gran capacidad para hacer reír, sino también para aplicarse, con buen resultado, en cada canción.

La película estuvo nominada a 6 Goyas aunque finalmente sólo logro llevarse el de mejor sonido.

Te doy mis ojos (2003)

“Donde dice hogar se lee infierno. Donde dice amor hay dolor.” Desgarradora historia de un matrimonio que va desmoronándose de manera cruda y ruda, debido a los continuos maltratos que Pilar (Laia Marrull) recibe a cargo de su marido Antonio (Luis Tosar). Nos va mostrando cómo la pareja, va recorriendo un camino que no hace más que llenarse de espinas, dolor, sufrimiento, desconfianza, falta de comprensión, brutalidad y violencia: Pilar, desbordada por el miedo cada vez que tiene que encontrarse con su marido, mientras éste, pese a saberse descontrolado al estar maltratando a su pareja, va cayendo cada vez con mayor brutalidad en los abismos de la locura. Grandiosas interpretaciones las de ambos actores en esta sobrecogedora historia, tan actual y difícil hoy en día.

Nominada a 9 Goyas, fue capaz de alzarse con 7 estatuillas; Mejor actriz principal (Laia Marrull), mejor actor principal (Luis Tosar), mejor actriz de reparto (Candela Peña), mejor dirección (Icíar Bollaín), mejor película, mejor guión original y mejor sonido.

Mar Adentro (2004)

Basada en hechos reales, nos cuenta la historia de Ramón Sampedro (Javier Bardem), un hombre que sufrió un desafortunado accidente 30 años atrás y que ahora, postrado en una cama y necesitado de los cuidados de su familia para realizar su vida cotidiana, decide que ha llegado el momento de acabar con su sufrimiento. El resto del reparto lo completan sus familiares, su hermano José (Celso Bugallo), su cuñada Manuela (Mabel Rivera) y su nieto Javi (Tamar Novas), del que siempre se han hecho, así como con Julia (Belén Rueda), una abogada que respaldará su caso y Rosa (Lola Dueñas) una mujer del pueblo que le visita frecuentemente para hacerle compañía e intentar hacerle ver que merece la pena vivir la vida. Una compleja historia de pensamientos encontrados,  bien llevada a cabo desde la realización y bordada por los papeles de todos sus personajes.

Ganadora de múltiples premios entre los que destacan los siguientes: un Oscar a la mejor película extranjera de habla no inglesa, además de una nominación por maquillaje; Globo de oro a la mejor película extranjera de habla no inglesa, además de una nominación al mejor actor para Javier Bardem;  Catorce Goyas, de quince nominaciones; mejor película, mejor dirección (Alejandro Amenábar), mejor actor principal (Javier Bardem), Mejor actriz principal (Lola Dueñas), mejor actor revelación (Tamar Novas), mejor actriz revelación (Belén Rueda), mejor actor de reparto (Celso Bugallo), mejor actriz de reparto (Mabel Rivera), mejor música original, mejor maquillaje, mejor director de producción, mejor guión original, mejor fotografía y mejor sonido.

Los Lunes al Sol (2002)

Fernando León de Aranoa dirige este filme donde nos habla de la vida de unos operarios del puerto de Vigo después de que se queden sin trabajo; de sus inquietudes, sus esperanzas, sus dudas, y cómo el desempleo afecta a sus vidas. Película dramática, con grandes momentos de comedia, que nos muestra que ante las dificultades siempre es bueno tener cerca a gente en quien confiar y apoyarse para no decaer y lograr salir adelante. Javier Bardem, Luis Tosar, José Angel Egido, Nieve de Medina, Celso Bugallo, Aida Folch, Enrique Villen y Fernando Tejero son algunos de los destacados actores de esta película.

Nominada a ocho Goyas, fue ganadora de cinco de ellos; Mejor película, mejor dirección, mejor actor principal (Javier Bardem), mejor actor de reparto (Luis Tosar), mejor actor revelación (José Angel Egido).

Los Otros (2001)

En el año 2001, tras el éxito de Tesis (1996) y Abre los ojos (1998), Alejandro Amenábar iba a contar con un casting internacional para dirigir esta película de terror que, al más puro estilo de El sexto sentido (M. Night Shyamalan, 1998), lograría unas muy buenas cifras de taquilla y público, tanto en nuestro país como en el extranjero, para narrarnos la historia de una madre Grace Stewart (Nicole Kidman) que vive juntos a sus hijos y el servicio en una mansión de Jersey, a la espera de que su marido regrese de la Segunda Guerra Mundial. La historia se centra en contarnos como la madre cuida de sus niños con gran amor, pero también con gran precaución, muchas reglas y severidad, obsesionada por la salud de ellos, cuando empiezan a tener lugar sucesos fuera de lo normal dentro de la gigantesca casa: presencias extrañas, espíritus, un servicio malvado… todo tipo de dudas se instalarán en la cabeza del espectador por ver qué es lo que realmente pasa en la casa de los Stewart.

Nominada Nicole Kidman al Globo de Oro como mejor actriz principal por su intensa actuación en este papel. También fue nominada a quince Goyas de los que ganó ocho; Mejor película, mejor director (Alejandro Amenábar), mejor guión original, mejor montaje, mejor fotografía, mejor dirección artística, mejor dirección de producción y mejor sonido.

Celda 211 (2009)

La gran triunfadora de este año en la gala de los Goya fue esta cinta dirigida por Daniel Monzón, en el que es su cuarto filme hasta la fecha y que nos cuenta la historia de un motín de presos en una cárcel española. La trama se centra en un funcionario de la prisión que se ve sorprendido por los acontecimientos cuando se encuentra entre los presos y tiene que optar por hacerse pasar por uno de ellos si no quiere pasar a ser preso e incluso para evitar la muerte. Poco a poco, según avanza la trama, todo irá complicándose: los roles se entrecruzaran y comenzarán las traiciones, manteniéndonos sin saber quién está de qué lado. Los buenos son los malos, los malos los buenos o ¿todo era lo que parecía?, solo cuando el motín llegue a su fin sabremos las respuestas.

Sublime papel de Luis Tosar, dando vida a Malamadre, el preso más peligroso y carismático que se encuentra entre los amotinados. A veces las palabras no expresan lo que se puede explicar sobre algo, así que lo suyo es ver la película y disfrutar de su espectáculo interpretativo.

Nominada a dieciseis Goyas -incomprensiblemente no representó a España en la candidatura a los Oscar- se hizo con ocho; Mejor película, mejor director (Daniel Monzón), mejor actor principal (Luis Tosar), mejor actor revelación (Alberto Ammann), mejor actriz de reparto (Marta Etura), mejor guión adaptado, mejor sonido y mejor montaje.

En un arranque de nostalgia, ayer decidí volver a ver este gran clásico. La verdad es que yo tampoco pude evitar sonreirme, pues aunque en mi caso no se tratara tanto de revivir ambientes y situaciones -entre otras cosas porque no los conocí-, como de volver a ver a mi abula y a mis padres animándome a prestar atención a esta película “tan bonita”, refrendando, ante mi asombro, que la vida realmente era así, emocionados recordándose a sí mismos niños frente al televisor, fascinados ante los primeros productos de nuestro cine.

Una grata tarde de domingo, sin duda.

La película…

La película, en todo caso, constituye un verdadero alarde publicitario -no en vano fue declarada producto de interés nacional-, ya que su intención, primera y última, no es otra que la de mostrar la cara más amable de los principios promulgados por el franquismo.

Se trata, primeramente, de la defensa descarada -envuelta en halo de comicidad- del pronatalismo ensalzado por nuestro caudillo, con esa familia vivaz, siempre optimista y esperanzada, compuesta ni más ni menos que por quince hijos (dieciséis en la segunda parte), los progenitores y el abuelo. Esta idea se desarrolla a lo largo de todo el film sobre el apoyo de dos pilares básicos: la estructura patriarcal y la religión.

Así, el padre se erige como la máxima autoridad dentro del clan, más nos es presentado como fuente de sabiduría, prudencia y buen juicio. Todos confían en su criterio, porque siempre es el más certero. Hombre de ingenio, laborioso y vivaz, empleado, casualmente, al servicio del Ministerio.

En esta estructura jerárquica, los roles masculino y femenino quedan perfectamente perfilados. Tenemos, pues, al jovencito travieso, al vago, al deportista, al lumbrera que alcanzará los objetivos soñados por el padre, al tragón, al chiquitín…hasta al abuelo que, una vez jubilado, se siente una lacra para la familia, impedido para desempeñar un papel útil dentro de la sociedad.

En el otro plano, faltaría más, tenemos a la belleza, a la hacendosa, a la ñoña beata y a la casandera; todas articuladas en torno a la figura de una madre jovial, práctica y ahorrativa, enamoradísima, pese a los años, de ese hombre brillante al que todos deben, en buena medida, su gran felicidad.

Por otro lado, como decía, el elemento religioso está presente durante toda la película, aunque adopta un contorno más definido en ciertos momentos, como en la comunión de los pequeños -en la que, de paso, se aprovecha para hacer alusión a la elegancia y porte de la princesa Sofía, “ilusión y modelo de todas las niñas“-; o cuando, al final, ya perdido Chencho, Críspulo se encomienda a Dios, dispuesto a hacer penitencia para que éste devuelva a su hermanito, renunciando a su bien más preciado: los petardos.

De forma más solapada, en la película se abordan también otros temas como el acceso a los primeros signos del progreso en una modesta familia (televisión), la eficiencia del aparato estatal (especialmente la policía), la intuición femenina, el todo es posible si hay confianza, la fascinación por la naciente carrera espacial…

En definitiva, el film se conforma como la forma más simpática de perpetuar los valores más arcaicos y arraigados de la Dictadura, aunque el buen tono y el ingenio de su elaboración, siguen haciendo de ella un clásico admirable.

Ficha técnica de La Gran Familia

• Año: 1962
• Director: Fernando Palacios
• Guión: Pedro Masó, Rafael J. Salvia, Antonio Vich
• Reparto: Alberto Closas, Amparo Soler Leal, José Isbert, José Luis López Vázquez, Paula Martel, María Carmen García, María José Alfonso, Pedro Mari Sánchez
• Productora: Pedro Masó PC

Hoy quisiera hablaros de una de las mejores películas de uno de los grandes en la historia del cine español, Luis García Berlanga. Me refiero a El Verdugo, una maravillosa comedia negra del año 63 en cuyo guión, el cineasta contó con la colaboración del escritor Rafael Azcona.

La película es, ante todo, una radiografía de la España de los años 60; una España plagada de miedos (a quedarse soltera, al qué dirán los vecinos), ilusiones (como viajar al extranjero para aprender un oficio, ver el mar o llegar a poseer los signos del progreso, que en el caso de nuestros protagonistas no es más que la aspiración a poder tener un colchón de muelles o fotografiarse junto a un avión), insolidaridad (lo vemos claramente en el momento en que la pareja, que ha ido a comer al campo, comienza a bailar al son de la música de sus vecinos, y éstos se marchan llevándose la radio: “si queiren bailar que se traigan su propia música”) y frustraciones (la idea de que cuando todo va bien, siempre hay algo que lo fastidia: está la pareja disfrutando del espectáculo de las cuevas del Drac y aparece la Guardi Civil para lleverse a José Luis)

Argumento

La película nos cuenta la historia de José Luis, interpretado por Nino Manfredi (ya que se trata de una coproducción con Italia), un joven que trabaja en una funeraria, aunque su ilusión es marcharse a Alemania a aprender mecánica. Debido a su profesión, le es muy complicado encontrar pareja (el oficio de enterrador, provoca cierto “rechazo” entre las jóvenes), hasta que conoce a Carmen, (encarnada por una jovencísima Emma Penella), la hija del verdugo. Carmen se encuentra en la misma situación: la profesión de su padre hace que, al final, todos sus novios la terminen abandonando. Los dos jóvenes descubrirán que son almas gemelas y deciden casarse, más para seguir gozando de las prebendas que el Estado proporciona a los ejecutores (el verdugo y su familia gozaban de una paga considerable, además de un piso oficial), al jubilarse Amadeo (padre de Carmen), José Luis se verá obligado a suceder a su suegro.

La película no constituye un reproche a la pena de muerte. Lo que está planteando es lo siguiente: ¿qué clase de país es este en el que uno tiene que matar para poder salir adelante? Una crítica, en mi opinión, bastante más dura. La víctima no es, pues, el reo, sino el verdugo, ya que se verá obligado a matar para sobrevivir, contando, además, con el rechazo de la propia sociedad en la que vive. Concretamente, hay dos pasajes de la película que refrendan con nitidez esta tesis:

1. Cuando José Luis tiene que ejecutar al reo y le ponen la corbata lanzándosela como una soga (parece que le fueran a ahorcar)
2. En el momento en que el verdugo es escoltado hasta la cárcel por la Guardia Civil (da la impresión de que el detenido es él)

La historia

La película está basada en un hecho real. Berlanga se inspiró en la historia que un abogado amigo suyo le facilitó. En el 59, tuvo que asistir a un juicio en el que se acusaba a una sirvienta por haber envenenado, producto de los celos, a su señora y compañera de trabajo. La mujer fue condenada a garrote vil y el abogado, que asistió a la ejecución, explicó al cineasta como, en el fatal momento, ponía los pelos de punta ver que la reclusa no daba muestras de intranquilidad, mientras que el verdugo era presa de la desperación: gritaba, forcejeaba, se desvanecía…en un intento vano de evitar su tarea.

Repercusión

Fue una película muy polémica desde el principio. Las disputas surgieron en el Festival de Cine Internacional de Venecia (1963), ya que nadie estaba de acuerdo con ella. Por un lado, la izquierda no podía tolerar que un film que hablaba de la pena de muerte, no condenase al franquismo (y más que el caudillo contaba entre la plebe con el sobrenombre de “el Verdugo”); y, por otro, la derecha lo consideró un exabrupto inadmisible.

La solución: agregar a los 16 cortes con los que la película se presentó al festival 14  más

Advierto a los detractores de nuestro cine que, con este post, es muy posible que tan solo vean confirmadas sus sospechas pues, aunque dudo se dignaran a la visualización del film, en el hipotético caso de que esto ocurriera, no encontrarán en él los fastuosos efectos especiales que ya por esta fecha comenzaban a fraguarse en el mundillo hollywoodiense, ni una trama excitante y ramplona, con final al gusto de todos, como a las que suelen estar acostumbrados.

Arrebato es una película sorprendente, rompedora, vanguardista; algo que sólo podía tener cabida en aquellos años del destape español tras el fallecimiento de Franco y que, por desgracia, no tendrá continuación (Zulueta tuvo serios problemas con las drogas, desapareciendo durante largo tiempo del mundo cinematográfico)

La película, protagonizada por unos jovencísimos Eusebio Poncela y Cecilia Roth, constituye una reflexión del propio cine y una apología de la creación artística y su poder “arrebatador”. Zulueta lleva a cabo, para ello, un experimento visual, combinando distintos formatos, que van desde el profesional al amateur (súper 8), llegando incluso a agujerear la película, logrando que se perciban una suerte de círculos luminosos en movimiento durante la proyección. Se sirve de imágenes insólitas, delirantes, próximas a la hipnosis, con las que consigue atrapar al espectador, arrebatarlo, hacerlo formar parte de su propia creación.

Sinopsis Arrebato

La película narra la historia de José Sirgado (Eusebio Poncela), un director de películas de Serie B, profundamente decepcionado con la industria y con su propia vida. El coqueteo con la heroína y su reciente ruptura amorosa con Ana (Cecilia Roth), lo han sumido en la más profunda de las desidias. Una tarde, al volver a casa, se encuentra con un misterioso paquete con una cinta de vídeo y una grabación, que vendrán a sacar al protagonista de la anomia en la que ha sumido su vida, situándolo en un punto límite.

Ficha técnica

Título original: Arrebato

País: España

Año: 1979

Género: Drama

Director: Iván Zulueta

Guión: Iván Zulueta

Reparto: Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Helena Fernán-Gómez, Luis Ciges, Marta Fernández Muro, Carmen Giralt y Will Moore

Productor: Nicolás Astiarraga

Fotografía: Ángel Luis Fernández

Música: Grupo Negativo

Montaje: José Luis Peláez, José Pérez Luna y María Elena Sáinz de Rozas

Se admite, por lo general, la existencia del algunas excepciones; largometrajes valedores de cierto éxito y comedido reconocimiento (sirva de ejemplo la homenajeada Celda 211) Más, en altísimo porcentaje, las películas españolas están asociadas a la instrumentalización ideológica, la técnica decadente, el argumento pobre y manido.

A mi parecer, la realidad dista mucho de esta tendencia. En todo caso, soy consciente de que una opinión vale de muy poco -menos aún cuando sólo es una-, por lo que me ceñiré a un dato objetivable. Y es que el cine es el medio o entretenimiento idóneo para engrosar as arcas de un país (aspiración bastante loable en un momento como el actual), así como para conformar un pensamiento colectivo sobre una determinada materia. Ya en su momento, el neorrealismo italiano empleó la gran pantalla para superar la imagen de una Italia fascista, asesina y totalitaria; para mostrarnos el glamour de sus calles, la elegancia de sus habitantes, el esplendor de sus paisajes.

Esta idea debiera servirnos para deshacernos de los tópicos, esforzándonos todos por otorgar un voto de confianza a nuestras películas, por hacer de nuestro cine un compendio de las virtudes que nos caracterizan para mostrárselas al mundo y a nosotros mismos.

Del director Michel Franco y producida por Alameda films Daniel y Ana es un film que relata la historia de dos hermanos que durante su adolescencia son secuestrados y obligados a mantener relaciones sexuales entre ellos mientras son grabados. A partir de entonces, nada en sus vidas volvería a ser como antes.

 Por un lado está Ana (Marimar Vega) ,la mayor de los dos, que esta a punto de contraer matrimonio y por el otro se encuentra Daniel (Darío Yazbek Bernal), un jóven que aún esta descubriendo su identidad sexual. Hermanos y mejores amigos, ven sus vidas cambiar repentinamente cuando son secuestrados en la ciudad de México.

 Durante su secuestro la pareja de hermanos es grabada por sus secuestradores mientras son forzados a mantener relaciones sexuales. Posteriormente son dejados en libertad y deciden no denunciar los hechos.

 Tras la pesadilla por la que tuvieron que pasar, Daniel y Ana tienen que lidiar con las diferentes secuelas producidas tanto en ella como en él. Ana busca ayuda profesional para superar el trauma pasado a lo y Daniel desencadena un sentimiento de ira y posesión hacia su hermana a la que viola en una escena de la película. A raíz de que los celos posesivos por el novio de Ana van creciendo, Daniel termina por presentarse en mitad de la boda de su hermana portando un cuchillo .

La parte central del argumento de ‘Daniel y Ana‘ es el secreto mejor guardado por su director y su elenco. Como sea, esta película promete buenas actuaciones, una historia álgida y polémicas tipo juego de escrúpulos, que se traducirá en muchos cafés discutidores, cuando ya se pueda ver la película.

Foto de: www.fotogramas.es

Pedro Almodóvar es uno de los directores favoritos del público mundial. Desde la década del ´80 del pasado siglo XX títulos como “¿Qué hecho yo para merecer esto?”, “La ley del deseo” o “Átame” daban comienzo a un estilo autoral muy particular que se iría refinando y afilando con el tiempo. Muy discutido en sus comienzos y tachado de escandaloso fue poco a poco instalándose en la industria ganando seguidores en todo el mundo y recibiendo premios internacionales de todo tipo.

Luego de estrenar “Volver” en el año 2006, filme que dirigió y escribió, pasaron tres años hasta que se estreno un nuevo y esperado filme de este director. Aquella le había valido un Oscar como mejor actriz a Penélope Cruz y cuatro Goyas, incluyendo la categoría “mejor película” y “mejor director”.

Sin lugar a dudas semejante resonancia mundial no es sencilla de superar o volver a alcanzar. Con “Los abrazos rotos” Almodóvar entrega al público una película con un estilo muy refinado de sí mismo, con citas intertextuales con su propia filmografía y una calidad impecable en cada una de las imágenes y los planos.

¿Cuál es el argumento de “Los abrazos rotos”?

Esta película es, en el fondo, una dura historia de amor o, más bien, de desamor. Divida en dos tiempos un hombre ya algo mayor, guionista y director de cine, recuerda y reconstruye una historia de amor que vivió en el pasado. Esta lo dejo herido, física y emocionalmente.

Con un presente que lo muestra ciego y algo melancólico, revive un pasado repleto de pasión, de un amor algo incorrecto, trágico, que había vivido con una de sus actrices (Penélope Cruz).

Intertextualidades almodovarianas

En “Los abrazos rotos” nos encontramos con una gran cantidad de citas al cine como arte, a directores de renombre como Rosellini y a si mismo director.
En principio hay una trama dentro de la trama que es la del filme (ya de por sí referente al propio cine) que están rodando los protagonistas bajo el nombre de “Chicas y maletas” que es una recreación de “Mujeres al borde de un ataque de nervios”.

Este recurso es ya conocido en la filmografía de director. Si prestamos atención en “La mala educación” podemos ver, en la oficina que es recibido el personaje de Gael Garcia Bernal con su libreto, un afiche titulado “La abuela fantasma” lo que constituye un guiño con el personaje que interpretaría Carmen Maura en “Volver”.

Foto de la web: bsocaratulas.iespana.es

Un mundo al que recurrir para contar una historia que tiene tintes dramáticos pero que sin duda, posee un transforndo totalmente romántico, tanto que el amor se respira desde el título, aunque no es amor de color de rosa. Está salpicado de dificultades y rencillas que lo ponen a prueba una y otra vez. Y es que, la moraleja que muestra la película viene a ser algo así como que “nadie dijo que amar fuese sencillo”.

Amor y odio

Saura Medrano narra en esta película la historia de un trío amoroso en el que los celos, el drama, el odio y el amor van a estar más que presentes por todos lados. En este entramado es precisamente donde el novel directorpor entonces (la cinta se estrenó en 1999) marca con claridad la influencia de Saura padre, donde la profundidad del drama y de las desgracias humanas siempre se hace presente.

Cuenta como Sira comienza a odiar a Luis, después que su hermano muriese en una reyerta en la que se vieron inmersos, por intentar hacer cumplir ley. Todo se enreda en exceso y se observa como todo puede cambiar en un minuto. A la vez, se desarrolla otra historia, la de Milio, un adolescente que ve en Santos un ejemplo a seguir, aunque lo cierto es que intenta pasar el verano lo más rápido posible. Se verá envuelto en situaciones increíbles.

Adaptación.

El primer filme de Saura Medrano tiene como germen de origen la novela ‘El chico que imitaba a Roberto Carlos’, aunque el guión escrito junto a los hermanos Casariego, es una adaptación libre de la novela. Para su primer largometraje, Medrano contó con la presencia de actores de reconocido prestigio como Paco Rabal, Fele Martínez o Geraldine Chaplín, un elenco de lujo para dar vida a los personajes de ‘Tú qué harías por amor’

En cuanto a crítica y público, los resultados fueron dispares. Por un lado, la crítica aplaudió la ópera prima del hijo de Saura, del que dijeron que se alejaba de los dramas paternos, y que se veía que era un director con inquietudes e intereses propios. No obstante, el público no mostró tanta aceptación y en taquilla fue un auténtico desastre.