• Año: 1955
• Nacionalidad: española
• Dirección: Juan Antonio Bardem
• Guión: Juan Antonio Bardem
• Fotografía: Alfredo Fraile
• Intérpretes: Lucía Bosé, Alberto Closas, Carlos Casaravilla, Bruna Corrà, Otello Tosco
• Género: Drama
• Producción: coproducción España-Italia

Argumento

En buena medida, la película está inspirada en un film de Antonnioni, Crónica de un amor de 1950. En todo caso, no se trata de una adaptación exacta: Bardem toma el tema (los amores clandestinos de la burguesía) y la protagonista (Lucía Bosé, de origen italiano)

Nos cuenta la historia de una pareja (maría José y Juan) que han sido novios en su juventud pero que, por circunstancias de la vida, acaban separados (ella casada con un rico industrial y él soltero) En cualquier caso, mantienen su romance (siguen viéndose en un chalet que él tiene en la sierra)

En una de las ocasiones que han quedado para ir al chalet, atropellan a un ciclista. Se dan cuenta de que aún está vivo, pero si lo llevan a un hospital, pronto la gente descrubrirá que son amantes. Le dejan, pues, abandona y malherido y se marchan. El ciclista muere.

A partir de este momento, Juan toma conciencia de su mala actuación (como es propio en los personajes de Bardem) Durante la Guerra Civil, luchó con el bando franquista, lo que le permite gozar de ciertos privilegios. Sin embargo, ahora no consigue adaptarse a la sociedad: se dedica a dar clases de geometría en la Universidad, pero es un trabajo que no le gusta, al tiempo que sabe que no le reportará ningún futuro.

Un día, mientras está haciendo un examen oral a una alumna, lee de reojo en un periódico que ha aparecido un ciclista muerto. Aunque la joven lo está haciendo bien, se pone nervioso y la suspende. La clase entera protestará por la injusticia. la valentía de sus alumnos le sorprende y le hace reflexionar.

Decide ir a ver a la familia del ciclista muerto (aunque sin identificarse) y se encuentra con que su esposa está embarazada, que tienen varios niños…Situación que, unida a los continuos acosos de un amigo común a la pareja que no para de decirles que “lo sabe” (aunque a lo que se está refiriendo es a su romance, no al asesinato) harán que decida entregarse.

Características

La censura del momento no permitió este final ideado por Bardem. En la tradición judeocristiana quien la hace la paga. De modo que impuso lo siguiente: cuando la pareja va camino de la sierra, Juan confiesa a María José su propósito de entregarse y ella, asustada, lo hace bajar del coche y lo atropella (exactamente en el mismo sitio donde atropellaron al ciclista) Igualmente, cuando vuelve a arrancar para volver a casa, los nervios y el mal tiempo le hacen perder el control del coche. Tiene un accidente y también muere (en ese momento pasa por allí un ciclista y va corriendo a atenderla, pero ya es tarde)

La censura también prohibió las manifestaciones que, en el guión original, organizaban los estudiantes en defensa de su compañera, limitándolas a unas simples protestas en el despacho del profesor (en aquellos años, tuvieron lugar numerosas manifestaciones en contra del régimen franquista y no querían que esta secuencia pudiera dar lugar a dudas)

Con estos arreglos, la película fue declarada “Para todos los públicos” y llevada al Festival de Cannes, donde fue muy aclamada y ganó el premio a la crítica)

Destaca el profuso empleo del plano detalle y primer plano, así como la profundidad de campo y la oscuridad (especialmente en el momento de los accidentes: no se ve nada)

• Año: 1951
• Nacionalidad: España
• Dirección: Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga
• Guión: Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga
• Fotografía: Guillermo Golberger
• Reparto: Fernando Fernán Gómez, Elvira Quintillá, José Luís Ozores, Felix Fernández, Matilde Muñoz Sampedro
• Género: Comedia

Características y argumento

Con esta película, codirigida por dos de los grandes, se inaugura la línea de la disidencia en nuestro país (caracterizada por la crónica crítica de la realidad)

El film nos cuenta la historia de una pareja (interpretada por Fernando Fernán Gómez y Elvira Quintillá) Él trabaja como electricista en unos estudios de cine; sin embargo, aspira siempre a mejorar su posición en la escala social y, para ello, estudia electrónica por correspondencia y emprende diversos negocios (en los que sale a menudo mal parado: lo estafan) Ella, por su parte, es una soñadora para quien la vida es como una película. De hecho, le encantan las películas románticas y acude con frecuencia al cine (en la película la referencia al cine es contante, tanto desde un punto de vista técnico -el del marido- desde el que se nos presenta su carácter artificial, como desde un enfoque de contenido -el de la mujer- con el sentido de hacer una crítica al mismo por su disparidad con la realidad)

Como decía, esta línea define por ser una crónica de la realidad cotidiana, lo que vincula directamente a la película con el neorrealismo italiano (casa astrada, patio de vecindad, bocadillo de mortadela…) No obstante, como todo el cine español, al menos en sus orígenes, se trata de un filme muy rico, del que no podemos decir, ni mucho menos, que se limite al realismo. En él encontramos, como mínimo, dos influencias más: el sainete de Arniches (un guirigay de voces y gritos) y la comedia idealizada de Capra.

La parte neorrealista, por así decir, la encontramos al inicio, cuando se nos presenta la vida de la pareja: la casa en la que viven, sus costumbres, los trabajos de cada uno…

La parte del sainete queda patente cuando a mujer, en su afán de lograr una vida de cine, consigue finalmente ganar el concurso de los jabones Florit, cuyo premio supone todo un día viviendo como reyes (como una “pareja feliz”) Así, se presenta en la casa del matrimonio el promotor del concurso para acompañarles durante la jornada. El “follón” comienza cuando toman el coche y el chófer tiene  que sufrir las contraindicaciones del promotor y el marido, mezcladas con el tráfico de las calles, el mercado, los niños en bicicleta…terminarán chocando.

Y es en el final de la película donde podemos encontrar el influjo de Capra. Se nos transmite la idea de que el dinero no da la felicidad, que la felicidad es ser como un es. Lo vemos cuando la pareja, ya de vuelta a casa cargados de regalos por un amplio boulevard de Madrid, deciden despojarse de todo lo que les han regalado, dejando un paquete en cada banco del parque, donde hay un mendigo durmiendo. Esto es muy propio de Bardem; en ss películas, sus personajes siempre acaban tomando conciencia social.

En un arranque de nostalgia, ayer decidí volver a ver este gran clásico. La verdad es que yo tampoco pude evitar sonreirme, pues aunque en mi caso no se tratara tanto de revivir ambientes y situaciones -entre otras cosas porque no los conocí-, como de volver a ver a mi abula y a mis padres animándome a prestar atención a esta película “tan bonita”, refrendando, ante mi asombro, que la vida realmente era así, emocionados recordándose a sí mismos niños frente al televisor, fascinados ante los primeros productos de nuestro cine.

Una grata tarde de domingo, sin duda.

La película…

La película, en todo caso, constituye un verdadero alarde publicitario -no en vano fue declarada producto de interés nacional-, ya que su intención, primera y última, no es otra que la de mostrar la cara más amable de los principios promulgados por el franquismo.

Se trata, primeramente, de la defensa descarada -envuelta en halo de comicidad- del pronatalismo ensalzado por nuestro caudillo, con esa familia vivaz, siempre optimista y esperanzada, compuesta ni más ni menos que por quince hijos (dieciséis en la segunda parte), los progenitores y el abuelo. Esta idea se desarrolla a lo largo de todo el film sobre el apoyo de dos pilares básicos: la estructura patriarcal y la religión.

Así, el padre se erige como la máxima autoridad dentro del clan, más nos es presentado como fuente de sabiduría, prudencia y buen juicio. Todos confían en su criterio, porque siempre es el más certero. Hombre de ingenio, laborioso y vivaz, empleado, casualmente, al servicio del Ministerio.

En esta estructura jerárquica, los roles masculino y femenino quedan perfectamente perfilados. Tenemos, pues, al jovencito travieso, al vago, al deportista, al lumbrera que alcanzará los objetivos soñados por el padre, al tragón, al chiquitín…hasta al abuelo que, una vez jubilado, se siente una lacra para la familia, impedido para desempeñar un papel útil dentro de la sociedad.

En el otro plano, faltaría más, tenemos a la belleza, a la hacendosa, a la ñoña beata y a la casandera; todas articuladas en torno a la figura de una madre jovial, práctica y ahorrativa, enamoradísima, pese a los años, de ese hombre brillante al que todos deben, en buena medida, su gran felicidad.

Por otro lado, como decía, el elemento religioso está presente durante toda la película, aunque adopta un contorno más definido en ciertos momentos, como en la comunión de los pequeños -en la que, de paso, se aprovecha para hacer alusión a la elegancia y porte de la princesa Sofía, “ilusión y modelo de todas las niñas“-; o cuando, al final, ya perdido Chencho, Críspulo se encomienda a Dios, dispuesto a hacer penitencia para que éste devuelva a su hermanito, renunciando a su bien más preciado: los petardos.

De forma más solapada, en la película se abordan también otros temas como el acceso a los primeros signos del progreso en una modesta familia (televisión), la eficiencia del aparato estatal (especialmente la policía), la intuición femenina, el todo es posible si hay confianza, la fascinación por la naciente carrera espacial…

En definitiva, el film se conforma como la forma más simpática de perpetuar los valores más arcaicos y arraigados de la Dictadura, aunque el buen tono y el ingenio de su elaboración, siguen haciendo de ella un clásico admirable.

Ficha técnica de La Gran Familia

• Año: 1962
• Director: Fernando Palacios
• Guión: Pedro Masó, Rafael J. Salvia, Antonio Vich
• Reparto: Alberto Closas, Amparo Soler Leal, José Isbert, José Luis López Vázquez, Paula Martel, María Carmen García, María José Alfonso, Pedro Mari Sánchez
• Productora: Pedro Masó PC

Foto de la web: burdon.zonalibre.org

La producción de Erice ha sido más bien escasa, con sólo tres largometrajes y varios cortos en su haber. Pero no se puede negar que todas sus obras han aportado una singular manera de ver el mundo, y una calidad y belleza que le han valido un reconocimiento internacional. Su último largometraje, “El Sol del Membrillo” es considerada hoy como una de las películas más bellas de la historia del cine. En cualquier caso, guste o no, es innegable que Víctor Erice es uno de los cineastas más interesantes del panorama cinematográfico español.

El Espíritu de la Colmena: la magia del cine y la crudeza de la posguerra

Ana es una niña de 6 años fascinada con el monstruo de Frankestein desde que ve la película por primera vez en el desvencijado e improvisado cine de su pueblo. Las historias que le cuenta su hermana, Isabel, la llevan a creer que el monstruo es en realidad un espíritu al que puede invocar para que sea su amigo. Ana creerá en el poder de esta idea al encontrarse con un soldado en fuga del régimen, con el que entablará una tierna amistad.

La fuerza de la película reside en el contraste entre la mirada pura y sin prejuicios de la niña, interpretada por una inquietante pero tierna Ana Torrent, y la dura realidad de la posguerra española. La idea central del filme es, justamente, el despertar desde la inocencia de esta niña que vive, junto a su padre apicultor (Fernando Fernán Gómez), su madre y su hermana, en un pequeño y desolado pueblo de Castilla-La Mancha.

Erice utiliza esta historia para hacer una metáfora de la magia del cine, a través de una revisión de la historia de “El Doctor Frankestein”. De esta manera, trasciende lo meramente costumbrista, dotando a la película de un tono poético y una belleza formal destacables. Con un ritmo ciertamente pausado (en consonancia con la mirada y la vida de los habitantes de estos pueblos), y una escasez de diálogos, la obra da pie a múltiples lecturas y simbolismos, con un carácter íntimo y metafórico.

A modo de anécdota, resulta llamativo que Erice tuviera que cambiar el nombre de los personajes y ajustarlo al nombre real de los intérpretes. El motivo fue que la jovencísima Ana Torrent no entendía por qué de pronto se cambiaban los nombres. No diferenciaba, al igual que su personaje, la realidad de la ficción.

Víctor Erice: las películas que no se hicieron

Erice haría dos películas más, El Sur y El Sol del Membrillo, aproximadamente una cada 10 años. Por en medio han quedado otras obras sin realizar, como una continuación de El Sur, debido a la reticencia de los productores (Querejeta) a financiar la obra. Erice fue también el impulsor original de la obra ‘El Embrujo de Shangai’, pero una serie de desacuerdos con Andrés Vicente Gómez impidieron su realización. Fernando Trueba fue el encargado de hacer finalmente la adaptación de esta novela en el cine, aunque ignoró para ello el guión firmado por Erice, un guión publicado y puesto a la venta y considerado como uno de los más bellos del panorama actual (cabe mencionar que la película de Trueba no recibió críticas muy halagüeñas).

Desde su última película, El Sol del Membrillo, un documental en el que relata el proceso creativo del pintor Antonio López García por pintar un membrillero, Erice ha participado en el proyecto ‘Ten Minutes Older’, con el cortometraje ‘Alumbramiento’, acompañado de Jim Jarmusch, Aki Kaurismaki, Jean-Luc Godard, Bernardo Bertolucci y Wim Wenders. También realizó el cortometraje ‘La Morte Rouge’, con motivo de la exposición de videocartas entre el propio Erice y Abbas Kiarostami.

Cartel de Bienvenido, Mr. Marshall

‘Bienvenido, Mr. Marshall’ es en este sentido un ejemplo paradigmático, al igual que otras grandes obras como ‘El Verdugo’ o ‘Calle Mayor’. Pero el filme de Berlanga encierra toda una serie de ideas y críticas a varios niveles, tanto hacia la sociedad española del franquismo (y también de la norteamericana) como del retrato que se hace de España en esos momentos en el cine, en el propio país y en el extranjero (Hollywood).

Bienvenido, Mr. Marshall: retrato de España

España se prepara para recibir las ayudas del plan Marshall, después de la devastación de la Guerra Civil, la situación desastrosa de Europa en general, la de la España franquista en particular y de la victoria de los norteamericanos en la II Guerra Mundial. Los habitantes del pueblo de Villar del Río reciben la noticia de que la comisión norteamericana pasará por su pequeño rincón del país. Deciden entonces dar una gran bienvenida a la comitiva de autoridades norteamericanas de los que esperan recibir una bonita ayuda económico. Por ello, preparan una fiesta al más puro estilo andaluz, en plena meseta castellana, para no defraudar la visión que tienen de España los norteamericanos.

La fuerza principal de la película está en su guión, elaborado por Berlanga, Bardem y Miguel Mihura, especializado en el humor absurdo. A esto se añade un dominio especial del ritmo, unos diálogos muy ingeniosos, secuencias cómicas (como la del alcalde dirigiéndose al pueblo desde el balcón del ayuntamiento) y una estética esperpéntica.
Flota en toda la película un mensaje amargo y pesimista sobre la España de la época, algo por otro lado recurrente en el cine de Berlanga. En realidad, se trata más bien de una parodia y una crítica del género folclórico impulsada por la productora CIFESA. Este folclorismo invade tanto el cine nacional como la visión que tienen de España otras industrias, como la de Hollywood. Por ejemplo, Berlanga se burla claramente del tópico del español andaluz, al situarlo en medio de Castilla.

Bienvenido, Mr. Marshall: cine regenerativo

Berlanga y Bardem pertenecen ambos a la primera promoción del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (1950). El cine que proponen es muy distinto al oficial. Contemplan el cine como el medio contemporáneo de expresión, y con ello parten del Regeneracionismo para crear obras mucho más críticas.

Sin embargo, buena parte de sus obras tuvieron muchas dificultades por el control, la censura y la voluntad del régimen de apropiarse de toda la labor y producción cultural del país (precisamente para evitar cualquier distensión). En el fondo se enmarcan en un posibilismo: hacer lo que se puede dentro de los límites impuestos por el régimen y sorteando hábilmente la censura. Con esta estrategia, crearon con ‘Bienvenido…’ una fábula en el que se ridiculizaba a los españoles por esperar pasivamente los presentes de los norteamericanos, y también satiriza las pretensiones de éstos, que vienen gordos y sanos a sacarlos de la miseria.

fotogramas.es

1989 era el año en que esta gran película coral nos era regalada a los españoles. Tras haber estrenado, tan solo un año antes, ‘El bosque animado’, con la que triunfó en los premios Goya, Cuerda siguió por el caminó del absurdo para ir más allá con este relato sobre un ‘típico’ pueblo manchego.

‘Amanece que no es poco’: sinopsis

Teodoro (Antonio Resines) es un ingeniero que da clases en la Universidad de Oklahoma. Cuando decide tomarse un año sabático para regresar a España, se encuentra con que su padre Jimmy (Luis Ciges) ha matado a su madre, pero, a cambio, le ha comprado una vespa con sidecar. Ambos se lanzan a la carretera y llegan a un pueblo de la mancha que, en un principio, parece desierto.

Al poco se enteran de que, como todos los días, todos los habitantes del pueblo están en la iglesia viendo el espectáculo que el párroco monta en cada misa. A partir de ahí, se nos presentan a los personajes que conforman el pueblo, amén de los foráneos, entre los que se encuentran un grupo de estudiantes americanos de la universidad de Eaton, unos meteorólogos belgas o un grupo de disidentes del Coro del Ejército Ruso.

‘Amanece que no es poco’: surrealismo

Vista la sinopsis, tampoco parece un film tan diferente al resto. Sin embargo, su guión y las situaciones que presenta nos llevan a un lugar imaginario en el que sólo se puede vivir a carcajada limpia. Hombres que brotan del suelo, como plantas, o un escritor encarcelado por plagiar a Faulkner (“…¿es que no sabe que en este pueblo es verdadera devoción lo que hay por Faulkner?”) son algunas de las perlas que adornan el film.

Impagable es la escena en la que las mujeres del pueblo celebran elecciones para elegir a seis adúlteras, a la marimacho o a la puta del pueblo, que repite cargo voluntariamente por lo bien que le fue en el anterior ejercicio. O esa en la que el Cabo Gutiérrez, de la guardia civil (José Sazatornil, ‘Saza’), dispara al Sol por salir por el lado contrario.

‘Amanece que no es poco’: una obra maestra

Un film imprescindible que todavía sigue provocando las carcajadas de los que la ven por primera vez, y hace repetir y redescubrir a los que ya la han visto. Cada frase del díalogo esconde un chiste que, a su vez, esconde una definición de la sociedad española de los ochenta.

‘Amanece que no es poco’ es la segunda parte de la trilogía del humor absurdo que Cuerda comenzó con ‘El bosque animado’ y terminaría con ‘Así en el cielo como en la tierra’ (1995). Tres películas que hacen del director, junto a Luis García Berlanga, el rey del surrealismo cinematográfico nacional.

Es una obra a la que nunca le sobra una nueva visita, y que siempre la agradece con buenas dosis de humor. En dvdgo.com puedes encontrar la película para poder verla todas las veces que quieras, y querrás muchas.

www.tiempodeculto.com

1963 fue el año en que se estrenó la que, para muchos, es la mejor película de la historia del cine español: ‘El verdugo’, de Luis García Berlanga. El director de ‘Plácido’ y ‘Bienvenido Mr. Marshall’ filmó un alegato contra la pena de muerte y una crítica a la sociedad de la época. Aclamada y premiada tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, hubo de enfrentarse a la censura franquista que, en palabras del propio director, llevó a cabo “bastantes cortes de censura, muy gilipollas algunos”.

Escrita por el gran Rafael Azcona, y filmada con largos planos secuencia, ‘El verdugo’ es el perfecto ejemplo del cine de Berlanga. Ese humor negro, esa crítica velada, esa ácida sátira, esa ironía que caracteriza la filmografía del director valenciano, se desprende de cada fotograma del film. Y luego las interpretaciones. Pepe Isbert, como siempre, inconmensurable en su papel de verdugo a punto de jubilarse. Emma Penella y el italiano Nino Manfredi dejan también actuaciones para la historia, al menos, del cine español. Y unos secundarios, entre los que se cuentan José Luis López Vázquez y Ángel Álvarez, que dan lustre al film.

Argumento

José Luis Rodríguez (Nino Manfredi) es un empleado de pompas fúnebres sin demasiado éxito entre las mujeres debido a su trabajo. Un día conoce a Amadeo (José Isbert), que es el verdugo de la Audiencia de Madrid, cuando va a recoger a un ajusticiado. Se enamora de Carmen (Emma Penella), la hija de Amadeo. Éste les sorprende en la cama y les obliga a casarse, frustrando los planes de José Luis de marcharse a Alemania a ser mecánico.

Amadeo está a punto de jubilarse, y el Patronato de Vivienda está dispuesto a dejarle la casa en la que vive al que le suceda en el cargo. Esto hace que entre el propio Amadeo y su hija Carmen convenzan a José Luis para que se haga verdugo. Algo que no se ajusta a su personalidad tranquila y pacífica, pero su suegro le convence de que, probablemente, no tenga que matar a nadie.

Su vida transcurre plácidamente hasta que un día llega el telegrama que le comunica a José Luis que tiene que desplazarse hasta Mallorca para realizar su primera ejecución. En un principio, pretende dejar el trabajo aunque ello suponga abandonar la casa, pero su mujer y su suegro hacen que cambie de opinión alegando que el reo, que está muy enfermo, seguramente muera de manera natural, o, en todo caso, será objeto de indulto. José Luis se deja convencer y acaba siendo llevado a rastras a la ejecución, como si el fuese el preso, y no el verdugo.

Crítica social

La idea de la película le surgió a Berlanga cuando un amigo abogado le contó el caso de ‘la envenenadora de Valencia’. Pilar Prades, que así se llamaba, fue la última mujer condenada a muerte en España. Mientras ella era llevada a rastras al garrote vil, un grupo de gente tuvo que hacer lo mismo con el verdugo, que había sufrido un ataque de nervios y que, incluso, tuvo que ser sedado. La imagen impactó tanto a Berlanga que se vió obligado a hacer una crítica contra la pena de muerte.

Pero no es la única crítica que podemos encontrar en el film. Hace una exposición de los problemas socioculturales de la época desde el prisma del humor. Habla del problema de la vivienda, la diferencia de clases, la burocracia, la emigración o el turismo, que emergía en esta década en España. Esta visión crítica y ácida de la sociedad española hizo que le lloviesen palos desde el gobierno, con el propio Franco llegando a decir de Berlanga que era “peor que un comunista, un mal español”.

Es por estas ‘diferencias’ por lo que la película sufrió los cortes “gilipollas” de los que hablábamos antes. Por ejemplo, suprimieron las escenas en las que José Luis hablaba de irse a Alemania, así como aquellas en las que se veía a los funcionarios de prisiones preparar el garrote vil. También suprimieron el sonido del garrote rebotando dentro del maletín del verdugo.

La película representaba una imagen de España que no querían que se vendiese en el exterior, donde al propio Franco se le conocía como ‘el verdugo’. De hecho, un grupo de anarquistas italianos, pensando que la película era una obra-homenaje al dictador español, recibió al equipo del film a pedradas en la Mostra de Venezia. Aún así, fue premiada por la crítica internacional en la ciudad italiana, así como en Moscú y Francia.

‘El verdugo’ es una obra maestra de nuestro cine, imprescindible en cualquier videoteca. Se trata además, de un film que no ha perdido actualidad y que, exceptuando el tema de la pena de muerte, los argumentos y personajes que nos muestra nos resultan cercanos y presentes. Otro hito más en el cine de Berlanga, que tantos momentos de placer nos ha regalado con su fina ironía, y que tantas conciencias ha agitado con eso diálogos ácidos y rompedores que, junto a Rafael Azcona, revolucionaron la manera de ver y hacer el cine, y especialmente la comedia, en España.

www.peliculasdvdr.com

Se tiende a despreciar al cine del destape por zafio y banal. Sin embargo, vamos a las salas como borregos a ver cualquier estupidez hollywoodiense con adolescentes sodomizando tartas o adultos eyaculando sobre sí mismos. Por lo menos, el destape era cine nacional. Y el mayor baluarte de este fenómeno fue la pareja que formaron Andrés Pajares y Fernando Esteso, bien escoltados por Mariano y Antonio Ozores.

Cuarenta años de censura y represión tenían que reventar por algún sitio. El cine del destape fue una simple reacción a la falta de libertad de expresión. Igual un poco deproporcionada, pero fue un cine que era necesario. Un tipo de cine cuyo leit motiv era algo así como “tetas, tetas y tetas”. Películas paródicas que explotaban el tópico del español no demasiado agraciado, pero con la caradura suficiente como para buscarse las habichuelas en temas de dinero y mujeres.

La pareja de moda

Tras llevar carreras paralelas desde principios de los 70, en 1979, Pajares y Esteso hicieron su primera película juntos. Mariano Ozores sería el director del film que forjaría una de las parejas más míticas de la comedia española: ‘Los bingueros’. Tomando como referencia la reciente legalización del juego en España, desarrollaban una comedia de enredo en la que los papeles de la pareja quedaron claros desde un principo: Pajares era el galán y Esteso el amigo o enemigo feo.

Poco tardaron en darse cuenta del filón de la pareja los productores españoles y, ese mismo año, se estrenó ‘Los energéticos’. De nuevo, con los Ozores detrás y delante de la cámara, como en ‘Los Bingueros’. Esto dio paso a su primera parodia de un filme existente: ‘Yo hice a Roque III’. Una versión castiza y alocada del ‘Rocky’ de Stallone.

Eclosión ochentera

Así, con el éxito por montera hicieron otras ocho películas durante los primeros años de la década de los 80. Con títulos como ‘Los liantes’ o ‘La Lola nos lleva al huerto’ perpetraron la marca de Pajares y Esteso, calcando los personajes de un film a otro: dos estafadores que se dedican a no trabajar y a ligar con mujeres despampanantes.

La pareja protagonista siempre eran estos dos actores, pero tambiém había un tercero en discordia: Antonio Ozores. Para muchos, el miembro más importante del grupo y el que tenía una mayor vis cómica. En cualquier caso, los que pasaron a la historia del cine español, para bien o para mal, fueron Esteso y Pajares.

La última película de ambos juntos fue ‘Agítese antes de usarla’ (1983). Film que puso fin a un ciclo. Si en Estados Unidos tuvieron al ‘Brat Pack’, aquí tuvimos el ‘Sinvergüenzas Pack’, que, a fin de cuentas, de eso iban sus películas. Películas que, hoy en día, conviene ver sin prejuicios. Si nos dejamos llevar y, simplemente, nos preparamos para pasar un buen rato, ¿quién sabe?, a lo mejor nos acabamos riendo.

Foto de la web: imdb.com

Entre los rincones de la hacienda de Don Jaime se cobijan pastores, maleantes, bestias de carga y alguna que otra novicia.

Una historia de pecado

Don Juan tiene las vestiduras de su corazón rasgadas por la muerte de su esposa. No hay nada ni nadie que parezca provocarle interés, hasta que un buen día su joven sobrina decide visitarle.

Viridiana, que así se llama su sobrina, es una futura monja que, aunque se ve forzada a ello, quiere ofrecer apoyo, cariño y compañía a su tío, papel digno de su futuro religioso. Esta sana intención de aliviar a su pariente se verá viciado por su enorme parecido con su difunta tía, lo que hará que lo que empezó como una buena acción se torne en un desesperado ritual de seducción incestuoso.

A esta complicada situación se le suma el carácter samaritano de la joven Viridiana, que en su búsqueda del bien ajeno ayudará además a un grupo de personajes desheredados. Entonces, la sobrina de Don Juan asumirá un rol mesiánico que le supondrá consecuencias que difícilmente podrá soportar.

Beethoven, Mozart y Haendel ponen el marco sonoro a este drama imperecedero que situó a Fernando Rey, Francisco Rabal y Silvia Pinal entre los más grandes intérpretes del momento, encarnando unos personajes complejos con gran destreza.

Honores y desamores

Esta enorme prueba cinematográfica obtuvo un merecido reconocimiento con la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes en 1961. Tres años antes Luis Buñuel había conseguido el mismo galardón con su obra ‘Nazarín’. Como ya ocurriera entonces, Viridiana fue objeto de fuertes críticas por parte de la iglesia Católica, dado el cruel material que se mostraba. El Vaticano sobretodo hizo hincapié en una escena en la que aparece representada la última cena de Jesús, pero a diferencia del virtuoso cuadro de Leonardo Da Vinci, en esta imagen los protagonistas son personajes corruptos, viciosos y carentes de escrúpulos.

Gracias a la mano maestra de Buñuel muchos de aquellos planos, fotografías y textos de ‘cuestionable’ moral que se muestran en la película aparecen disfrazados o, por lo menos, rebozados con simbologías y dobles sentidos que aunque no evitaron las críticas de la iglesia, si pudieron superar la censura franquista, como por ejemplo el cambio de final que incluyó Buñuel por expreso ‘deseo’ del régimen, y pasó de una potencial escena incestuosa a un potencial trio sexual.

Otras obras maestras

Luis Buñuel es considerado el más grande director español de todos los tiempos y obras como esta no hacen más que ratificar esa posición.

Entre sus grandes trabajos ya sean franceses, mexicanos o españoles destacan las obras maestras: ‘Un Perro Andaluz’ (1929), ‘Los Olvidados’ (1950), ‘El Ángel Exterminador’ (1962), ‘Belle de Jour’ (1966), ‘Tristana’ (1970), ‘El Discreto Encanto de la Burguesía’ (1972) y ‘Ese Oscuro Objeto del Deseo’ (1977).

Foto de la web: www.culturalianet.com

La Aldea Maldita está considerada como la mejor película del cine mudo español. A pesar de que el cine mudo no suele ser elegido como favorito entre los géneros, esta película podría ser una excepción.

Para tratarse de los años 30, la película está compuesta por grandes avances técnicos. Además, Florián Rey consiguió componerla con una trama muy interesante. Toca todos los temas que fueron problemáticos en la época: el éxodo rural, las costumbres retrógradas de los pueblos, la deshonra, el sometimiento de la mujer al hombre y el maltrato psicológico que desemboca en locura. En general, tiene una gran carga crítica y eso hace que el largometraje despierte un interés notable como retrato de la realidad social de su tiempo.

Un breve resumen

La historia se desarrolla en un pueblo de la antigua Castilla, en la aldea maldita. Se cree que está maldita porque vienen años de malas cosechas, lo que hace que parte del pueblo tenga que emigrar a la ciudad. Entre los aldeanos, se encuentra la familia protagonista, compuesta por el abuelo, la mujer (Acacia), el marido y el hijo.

Mientras el marido estaba en la cárcel, la mujer toma la decisión de viajar a la ciudad, a pesar de la oposición del abuelo, quien no le dejaba llevarse a su nieto. Pasados varios años sin noticias de Acacia, el marido decide ir a la ciudad tras salir de la cárcel, donde descubre que ella estaba trabajando en un club de alterne. Deshonrado y decepcionado, ordena a su mujer que vuelva con él a la aldea, donde permanecerá encerrada en casa sin poder tocar a su hijo. Pero el marido nunca quiso que su padre, el abuelo de la familia, se enterara de que su mujer le había deshonrado.

Y así vivieron durante años. Finalmente el abuelo muere y la mujer queda libre, pero sin poder ver a su hijo. Después de años de tortura psicológica y el posterior abandono de su marido, Acacia cae víctima de un trastorno mental que le hace obsesionarse por los niños. Su marido, al ver el estado lamentable de su mujer, decide perdonarla.

Contexto histórico

Florián Rey es uno de los máximos representantes de esta etapa del cine mudo español. Realizó películas que fueron éxitos, como Morena Clara o La Dolores. Fue un librepensador en una época poco proclive a éstos cambios y también se mostró contrario al franquismo. Se retiró de la industria cinematográfica en 1957.

El período en el que se rodó este film fue el surrealista. Pero a diferencia de otras películas del cine mudo, no es necesaria una gran gesticulación por parte de los actores para hacerse entender, en parte porque incluye muchos diálogos escritos.

Ficha técnica
- Titulo: La aldea maldita
- Año: 1930
- Género: Drama. Cine mudo.
- Dirección: Florián Rey
- Guión: Florián Rey
- Fotografía: Alberto Arroyo
- Producción: Pedro Larrañaga
- Reparto: Amelia Muñoz, Julio Rey de las Heras, José Baviera, Pedro Larrañaga, Pilar Torres, Víctor Pastor, Carmen Viance, Ricardo Núñez.
- Duración: 58 minutos