Películas Españolas

Es el título de la primera película del director Saura Medrano, o lo es lo mismo, es el primer filme del hijo de Carlos Saura, donde demuestra que la influencia de su padre, con el que trabajó durante varias años en muchas de sus películas, le ha tocado y le ha influído, aunque menos de lo que se podía prever, ya que en cierto modo demostró con esta película que él tiene su propio mundo interior.

Un mundo al que recurrir para contar una historia que tiene tintes dramáticos pero que sin duda, posee un transforndo totalmente romántico, tanto que el amor se respira desde el título, aunque no es amor de color de rosa. Está salpicado de dificultades y rencillas que lo ponen a prueba una y otra vez. Y es que, la moraleja que muestra la película viene a ser algo así como que “nadie dijo que amar fuese sencillo”.

Amor y odio

Saura Medrano narra en esta película la historia de un trío amoroso en el que los celos, el drama, el odio y el amor van a estar más que presentes por todos lados. En este entramado es precisamente donde el novel directorpor entonces (la cinta se estrenó en 1999) marca con claridad la influencia de Saura padre, donde la profundidad del drama y de las desgracias humanas siempre se hace presente.

Cuenta como Sira comienza a odiar a Luis, después que su hermano muriese en una reyerta en la que se vieron inmersos, por intentar hacer cumplir ley. Todo se enreda en exceso y se observa como todo puede cambiar en un minuto. A la vez, se desarrolla otra historia, la de Milio, un adolescente que ve en Santos un ejemplo a seguir, aunque lo cierto es que intenta pasar el verano lo más rápido posible. Se verá envuelto en situaciones increíbles.

Adaptación.

El primer filme de Saura Medrano tiene como germen de origen la novela ‘El chico que imitaba a Roberto Carlos’, aunque el guión escrito junto a los hermanos Casariego, es una adaptación libre de la novela. Para su primer largometraje, Medrano contó con la presencia de actores de reconocido prestigio como Paco Rabal, Fele Martínez o Geraldine Chaplín, un elenco de lujo para dar vida a los personajes de ‘Tú qué harías por amor’

En cuanto a crítica y público, los resultados fueron dispares. Por un lado, la crítica aplaudió la ópera prima del hijo de Saura, del que dijeron que se alejaba de los dramas paternos, y que se veía que era un director con inquietudes e intereses propios. No obstante, el público no mostró tanta aceptación y en taquilla fue un auténtico desastre.

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Goya fue y es uno de los mayores y más reconocidos artistas españoles. Sus obras son famosas en el mundo entero y su persona es conocida y seguida en muchos lugares del mundo. Admirado y en ocasiones malinterpretado, Goya sigue siendo un referente de la pintura española incluso en la actualidad, cuando las nuevas tendencias se han impuesto a todo lo que tiene ahora a clásico.

En ‘Goya en Burdeos’, Carlos Saura, intenta alejarse del gran pintor, no quiere mostrar la gran habilidad para el arte que tenía el genio zaragozano, sino que intenta poner de manifiesto todo la lucha interna que vivió el maestro pintor a lo largo de su vida. Un homenaje en toda regla, para una de las mayores glorias de nuestro patrimonio artístico.

Desde el exilio

La película narra la historia de un Goya que se encuentra en los últimos años de su vida y que ha tenido que exiliarse a Francia, concretamente a Burdeos, para poder seguir su vida. Allí a sus ochenta y dos años intenta poner al corriente a su hija Rosario de todo lo acontecido a lo largo de su vida. Le narra todo aquello que fue importante en el devenir de su existencia personal y artística.

De este modo, Goya hará un recorrido de sus intricados y gloriosos tiempos en la Corte de Carlos IV (bajo su reinado alcanzó la mayor de las glorias) hasta sus problemas amorosos y sus desdichas con la Duquesa de Alba, quien según los historiadores y como se muestra en el filme, fue el gran amor de la vida del genio

Gran reparto

El filme cuenta con un reparto espectacular encabezado por el magnífico actor Paco Rabal (fue de las últimas películas que interpretó) que tenía el papel del Goya viejo, el encargado de contar la historia a su hija Rosario. Para el Goya novel, José Coronado fue el elegido para dar vida la época de juventud del artista. Por último, para dar vida al su gran amor, la seleccionada fue Maribel Verdú.

El metraje fue estrenado en el Festival de cine de Montreal, donde enseguida recibió las bondades del público que acudió en masa para ver el estreno de la cinta. La cierto es que fue un gran éxito de taquilla, aunque la crítica no se mostró demasiado de acuerdo con la visión de Saura acerca de Goya, aunque al final resultó una cinta bastante rentable.

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Ésa es la sensación que dejó en el espectador la visión de la película de ‘Salsa Rosa’, el primer film del director Manuel Gómez Pereira. Y es que, es la típica película del cine español en la que hay muchas escenas subiditas de tono pero no hay demasiado argumento. Lo que ocurre, es que en este caso es tan llamativo que las críticas hacia la ópera prima de Pereira fueron voraces. A lo que acompañó que la taquilla tampoco fue excesivamente generosa con ella.

No obstante, si es destacable la película es porque el director, pese a ser su proyecto inicial fue capaza de reunir a grandes actores del panorama español, el pétreo José Coronado, el histriónico Juanjo Puigcorbe o la grandilocuente Verónica Forqué. Pero, sobre todo, Maribel Verdú, que por aquella época daba sus primeros pasos y que al año siguiente conseguiría un Óscar junto a todo el equipo de ‘Belle Epoque’.

Intercambio de parejas

La película desde luego es una comedia de enredo en que las situaciones cómicas se dan a menudo, el problema es que el argumento se queda a veces resquebrajado por la falta de continuidad del guión. No obstante, el director presenta a los espectadores dos parejas que tienen una vida acomodada, sin demasiados sobresaltos, aunque todo cambia en el momento en el que el Cirujano (Puigcorbe) se enamora de su vecina.

Lo curioso es que la historia no se queda ahí, sino que por casualidades del destino, las dos mujeres se encuentran y se emborrachan juntas, lo que provoca que se rifen a sus maridos de la manera más burda. De ahí, que se produzca un intercambio de parejas muy curioso

Lo mejor

‘Salsa Rosa’ adolece de muchos fallos, quizás como ya se ha señalado anteriormente, el más grave sea el de desconexión del argumento en varios momentos del filme. Sin embargo, tiene algo muy bueno, la elección de los intérpretes. Son el Ying y el Yang, la cruda sexualidad y el erotismo de Maribel Verdú es compensado por la dulzura y la ingenua candidez de Verónica Forqué.

Del mismo modo, ese histrionismo típico de Puigcorbe, se amolda a la perfección a la sobriedad interpretativa de Coronado. Desde luego es un gran reparto para un película que no es de las más recomendables del cine español, aunque eso sí, a su favor tiene que al menos, en ocasiones, facilita la risa.

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El cine como otros sectores culturales tiene la misión de ir reflejando el incansable devenir de la historia, donde se incluyen, como no podía ser de otro modo, todos los aspectos políticos integrantes de la sociedad. En el metraje de “Todos a la cárcel”. Berlanga, intenta reflejar la situación del momento político de España, a través del variopinto conglomerado de personajes que conforman el reparto.

Para muchos analistas y críticos de cine, “Todos a la cárcel”, supone la continuación de una película que fue un éxito en su época, “la escopeta nacional”, aunque trasladando todos los chanchullos y recovecos de la vida política y empresarial de la época franquista, al período democrático. La diferencia, es que la cacería, en esta ocasión, es sustituida por una cárcel.

‘Saza’

El argumento, la fotografía y el encuadre se unen en un escenario común, la cárcel, concretamente la de Valencia. El enredo comienza, ya en época democrática y con el PSOE al frente del Gobierno, con la celebración del Día del Preso de Conciencia. Jornada en la que se mezclan los presos encerrados por motivos políticos y los presos comunes.

En esta situación se producen las situaciones más disparatadas, aunque sobre todos destaca el personaje de Artemio, (José Sazatornil) un pequeño empresario de la rama sanitaria, que se va a ver envuelto en la persecución de un subsecretario del gobierno, para cobrar una deuda que asciende a los ochenta millones de pesetas. Un gran actuación, del maestro ‘saza’, que le otorga gran comicidad al filme.

Un auténtico lío

Lo cierto es que la película refleja de manera brillante, los personajes y el espacio esperpéntico que Valle-Inclán definió en alguna de sus obras. Teniendo en cuenta esto, la cárcel donde se desarrolla la acción, se convierte en un espacio totalmente esperpéntico donde mezclan: la relación entre el director de la prisión y un travesti, una pareja de excombatientes, como no, uno rojo y otro nacional, que sorprendentemente se ponen de acuerdo, a través de sus largas experiencias como presos políticos ó las reivindicaciones de un actor gay.

En definitiva, un conglomerado de personajes que da como resultado una película divertida, donde sobresale Sazatornil y en la que sobran algunos chistes sexuales y escatológicos un tanto forzados. Aún así, una comedia muy recomendable

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Por desgracia, la Guerra Civil Española siempre ha sido un tema muy recurrente para realizar cualquier tipo de actividad cultural, desde una novela a, como en este caso, una película. Lo que no ha sido tan habitual a al hora de abordar el tema, es tratar la guerra desde la perspectiva femenina. De hecho, hasta que hace unos años, se estrenase “Trece Rosas”, no eran demasiadas las películas que hablaban de la resistencia femenina.

“Libertarias”, que fue estrenada en 1996, venía a cubrir ese vacío cinematográfico que había vivido la historia de la Guerra Civil. De esta forma, Vicente Aranda, lleva a la pantalla, la lucha de mujeres que estuvieron presentes en la guerra y que fueron, mucho más que mujeres florero que esperaban en casa a que llegase su marido de la contienda. Eran mujeres que tenían iniciativa propia y que luchaban por evitar que el fascismo se hiciese con el control de una España, hasta entonces, en libertad.

Resistencia

El filme de Aranda, que tenía en mente desde hacía bastante tiempo el proyecto, aunque por exigencias del guión (político) no se pudiese estrenar hasta la década de los 90, narra como las mujeres, en un período en el que se encontraban al borde de la guerra, deciden organizarse en guerrillas para poder combatir y defender lo intereses republicanos. Intereses, eso si, bajo la bandera de la anarquía.

La película se inicia, cuando la joven María, interpretada por Ariadna Gil, entra en un prostíbulo y es obligado por la milicianas a la causa, a la par que hacen aprenderse los textos anarquistas como si de la Biblia se tratase. Uno de los momentos que marcan la idiosincrasia del metraje se centra en el discurso que Pilar (Ana Belén) realiza hacia sus compañeras: “Somos anarquistas, somos libertarias, pero también somos mujeres y queremos hacer nuestra revolución. Queremos pegar tiros para poder exigir nuestra parte a la hora del reparto”. Más claro…

Todo un éxito

El filme resultó todo un éxito, sobre todo porque contó con un reparto espectacular. Además de las ya mencionadas, Ana Belén y Ariadna Gil, también formaron parte del proyecto de Aranda, Jorge Sanz, José Sancho, Miguel Bosé, Loles León o Blanca Apiláñez entre otros.

No obstante, lo fundamental es que es un retrato de la lucha por la libertad. Un intento de que todo lo vivido durante aquella época no se olvide y que sirva para aprender de nuestros errores y que no se vuelvan a repetir. Además, “libertarias” fue recibida de manera espectacular por la crítica. Riollo, escribió sobre ella “Nos es una película imparcial, es un filme a favor de los perdedores”.

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Esos son los tres ingredientes básicos de “Nadie se acordará de nosotras cuando hayamos muerto”, la ópera prima de Agustín Díaz Yanes. Una película que deja al espectador sentado en su butaca desde el inicio. Es comparable a la aclamadísima actualmente, “Celda 211”, sólo que 13 años antes, ya que la obra de Yanes estrenó en 1996.

La cierto de esta película es que encumbró todavía más a una de las mejores actrices de la época, Victoria Abril, que regresó con este papel al cine español, después de amargo tránsito por las pantallas norteamericanas con “Jimmy Hollywood” y sacó del anonimato a un excepcional guionista para ponerlo al frente de la dirección.

Toros y prostitución

“Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto” es una apuesta arriesgada en la el director narra la historia de la esposa de un banderillero, que sufre muchísimo con la profesión de su marido y que después de una grave cogida de éste, se arrojará a la bebida. Se instalará posteriormente en México , donde ejercerá la prostitución. Sin embargo, esto no será definitivo, puesto que por casualidad, preseciará el asesinato de dos policías a manos de narcotraficantes, lo que desatará una persecución que llegará a España.

Huyendo de sus perseguidores, llega a España, donde ser refugiará en la casa de su suegra, Pilar Bardem, quien es para ella como una madre. Lo más interesante de la película es que no se sabe en ningún momento que es lo que va a suceder. El director va presentado a los personajes y las trama de tal manera que se resuelven de la manera más inesperada. Efecto que provoca que el espectador no tenga ni un pequeño respiro.

7 Goyas

El primer metraje de Yanes igual de bien recibido por el público, como por la crítica. Algo que es muy extraño y que suele tener como consecuencia galardones. Este caso no fue una excepción. La cinta recibió siete premios Goya. Entre ellos, el de mejor actriz, que fue a recalar a manos de Victoria Abril y el de mejor actriz de reparto que recayó en manos de Pilar Bardem.

Además, fue reclamada por varios festivales internacionales para formar parte de las diferentes muestras. Entre ellas, Miami, Cartago o Bruselas.

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