Películas Españolas

La película de Fernando Trueba, que fue galardonada con un Óscar de la Academia a la mejor película de habla no inglesa, supone un retrato de una sociedad que, por primera vez en mucho tiempo, se encontraba en paz. Belle Epoque es una película de época donde se dan todos los elementos cómicos posible, debido sobre todo, a que en el guión participó el gran Rafael Azcona.

El caso es que se representa una época nada baladí dentro de la historia de España. La historia se sitúa en la primavera de 1931, a punto de proclarmarse la II República. La monarquía tocaba a su fin, y la esperanza se extendía por las conciencias y las mentalidades de los españoles. Hacia muy poco que habían pasado una dictadura, la primera del siglo XX. No obstante, lo que más había era confusión. Un confusión de la que se aprovecharon personas como, Fernando, uno de los protagonistas de la cinta de Trueba.

Fernando y su Belle Epoque

Fernando, un joven desertor que recorre los campos, conoce a Manolo, un viejo pintor, sabio y escéptico, retirado de la pintura y del mundo, que le ofrece ayuda y cobijo. Y sobre todo, su amistad. Pero llega el día en que Fernando debe irse, pues las cuatro hijas de Manolo vienen de Madrid a pasar unos días con su padre. Cuando Fernando ve descender del tren a Clara, Violeta, Rocío y Luz, no es que decida volver a casa de
Manolo, sino que sus pies le conducen directamente a ella. La película es la crónica y pintura de los días que Fernando vivirá en compañía de Manolo y sus cuatro hijas. Días de amor y amistad, de alegría y tristeza, de placer y dolor, que serán los mejores de su vida, aunque él, en el momento, no pueda darse cuenta, que serán su belle époque.

A partir de este momento, se creará una trama de encuentros desencuentros donde el joven Fernando irá seduciendo a cada una de las hijas de su amigo o más bien, será seducido por cada una de ellas.

Comedia con transfondo historico

Esta claro que la película tiene un tono cómico en el que se dan las situaciones más insospechadas y se intenta hacer reír al espectador desde el comienzo. No obstante, Belle Epoque, aclamada por crítica y público y ganadora de 9 Goyas, posee un transfondo histórico y político que no siempre se acaba viendo.

El filme refleja, la necesidad de una sociedad, la española, por conocer por fin qué es un Estado democrático, donde Reyes y Dictadores no se encuentren por encima de nadie. Es el reflejo de una esperanza que más tarde quedaría truncada por otra dictadura pero que dejó poso en la sociedad. Más que nada, porque España, se acostó monárquica y se levantó republicana, aquel 14 de abril de 1931.

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Tras el éxito de la escarizada “Belle Epoque”, Rafael Azcona y Fernando Trueba, se vuelven a juntar. Esta vez para dar su particular visión de la Guerra Civil española. Un visión mucho menos cruda que la que se puede ver en otras cintas como “Tierra y Libertad” o “libertarias”. No obstante, como no podía ser de otra manera, una cinta que tiene como época de ambientación, la Guerra Civil. Ese período donde España se dividió en dos y que provocó heridas que, hoy, siguen supurando odio, rencor y rivalidad, no podía ser tratado sin cierto tono de dramatismo, aunque como, hemos señalado anteriormente, la comedia también esta presente.

El hilo conducto de la película es el estrechamiento de lazos, mejorar las relaciones con la Alemania de Hitler, que por entonces ya preparaba el terreno para lanzarse a la conquista de Europa. El caso es que, un equipo de cine español es invitado a Alemania para colaborar y conocer de primera mano los estudios cinematográficos de la UFA. Lugar donde se está rodando un filme, typical spanish, es decir flamenco y toros, que será conocido como “La Niña de tus ojos”

Un reparto espléndido

Lo cierto es que el éxito de la película no hubiese sido el mismo, sino hubiese contado con un coro de actores la mar de interesante. Así entre los principales, es de destacar el papel de Antonio Resines, que interpreta al director de la campiña española, Blas Fontiveros, quien tiene un lío con una de sus principales actrices, Macarena Granada, papel que le valió un Goya, a la mejor actriz a Penélope Cruz.

También destaca Jorge Sanz, Julián Torralba, que es el encargado de dar vida al estereotipo español: el macho ibérico. Torralba, se acuesta con la mujer del embajador español en Alemania y sufrirá la irá de los nazis, cuando sea confundido con un gitano. Ya saben, aquello de la pureza de la raza. Completan el reparto, Rosa María Sardá, Jesús Bonilla, Santiago Segura, Neus Asensi, Loles Leon…

Caricatura de un Asesino

Uno de los aspectos más interesantes de la película es la caricaturización que el director hace de uno de los mayores asesinos y cobarde de la historia, el ministro de Propaganda alemán, Goebbels, quien después de llevar a millones de judíos a los campos de concentración, no fue capaz de hacer frente a su responsabilidad y se suicidó, en el transcurso del famoso juicio de Nüremberg.

Por otra parte, además del Goya del Penélope como mejor actriz, la película se llevó otras seis en gala del año 98. Entre ellos, se llevó la estatuilla de mejor película, aunque lo soprendente fue que el premio a mejor guión y mejor director fue para Fernando León de Aranoa, por su film “Barrio”

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Mensaka es sin duda, una de esas películas generacinales que van más allas de esa juventud alocada y autoaturdida, sin horizonte ni metas. Se acerca a esa edad fronteriza con la temida madurez. Más que nada, porque la madurez conlleva responsabilidad y eso asusta. El guión de Luis Marías ha dado ese giro más serio y reflexivo sobre la novela de José Ángel Mañas, de la que parte.

La película que fue estrenada en 1997, está construida en la dirección de “Historias del Kronen”, aunque de más manera más elegante. Esta mejor planteada y supone para los espectadores una reflexión interesante sobre una etapa de la vida que resulta complicada

Páginas de una historia

Tres parejas viven, desde distintas situaciones sociales y, con ello, personales, el declinar de sus propias utopías o sueños ante y frente a la dura realidad del vivir cotidiano, de un futuro necesariamente pragmático que se les viene encima. Esas “páginas de una historia” giran en torno al personaje del mensajero (Mensaka), que interpreta Gustavo Salmerón con su cada vez más convincente buen hacer: un aspirante a músico, radical e intransigente, que ve anuladas sus aspiraciones por el egoísmo de quienes consideraba amigos.

Mensaka da un giro generoso a su vida ayudando a su compañera, una dependienta (estupenda Laia Marull), para que reanude sus estudios universitarios. Otros personajes, unidos inicialmente por sus proyectos musicales, son un desaprensivo cantante, que triunfará pisando a los demás; su novia, una niña bien, un poco necia, que se resiste a madurar. El compositor novel, débil y melancólico, cuya familia acomodada le empujará a un ordenado trabajo burgués; y su ocasional amiga, trabajadora en un bar y drogadicta. Un camello, gracioso y sin futuro… Todos los actores están espléndidos en sus papeles.

Generación joven

Esta primera película de Salvador García Ruiz tiene un tono sobrio y medido, de tonos ocres, tanto en lo que se refiere a escenografía e imágenes, como en su estilo narrativo, seguro, esencial y contenido, sin dejarse llevar por el exceso ni por superficialidades marginales.

Ese mismo tono es el que impone a sus actores, como marcado por su no lejano otoño vital, pues ése es el quid de la historia, que, sobre el bien ritmado guión, cuenta. De ahí que deje un sabor melancólico, la nostalgia de algo perdido, como casi todas esas vidas que, por su desconcierto y desorientación culpables, han malgastado su juventud

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Cuántos de nosotros no hemos soñado alguna vez con poder cambiar aunque fuese por horas, a nuestra queridísima familia por otra que hubiésemos elegido que no nos hubiese sido impuesta desde que nacimos. Supongo que la gran mayoría, aunque claro al final te conformas con la que tienes, no vaya a ser…El caso es que el primer largometraje de Fernando León de Aranoa es, ‘Familia’ y a que no adivinan de qué trata.

Pues sí lo acertaron, de la elección de tu propia familia. Todo empieza cuando en el cumpleaños de uno de los pequeños de la casa le hacen un regalo que no le gusta en absoluto, y claro es entonces cuando dice aquello de “ójala tuviese otra familia”. A partir de aquí empieza un disparate total que dio como resultado multitud de situaciones graciosas.

“Lo que tienes y lo quieres tener”

Esa la frase que pronunció su director, Fernando León en un reportaje que el hicieron en El País en 2.004, unos añitos después de que se estrenase. En realidad es la frase que mejor define el film que interpreta como nadie Juan Luis Galiardo, y que trata de vivir en su persona, todas las vicisitudes, buenas y malas que se suelen pasar en familia. Eso sí, su familia es una contratada elegida a dedo. Son actores que hicieron la delicia de los espectadores.

No obstante, a pesar de la comedia y la ternura que esconde, el metraje va más allá. Como el lobo que se disfraza de cordero, León, enmarascara de comedia un canto a los problemas de la soledad. Cubre con un manto de risa la problemática de tener que escoger una familia porque te sientes tan sólo que necesitas las compañía de alguien para poder seguir adelante.

Critica excelente

La película en su estreno fue aclamada por toda la crítica especializada del país. De hecho, para mucho la llegada de imaginativo intelecto de Aranoa supuso un golpe de aire fresco para el maltrecho cine español. Más sorprendente fue aún para la crítica el mágnifico trabajo del director, porque en los guiones que había escrito anteriormente no dislumbraba, ni mucho menos ese talento.

El caso es que ‘Familia’ desde que se entrenó en 1996 no dejó de recibir premios. El primero en el Festival de Valladolid, donde tuvo su primera prueba de fuego. Aquí se llevó el premio al mejor realizado y el del público (uno de los más codiciados, por cierto) Más tarde fue galardonada en los festivales de Angers y Miami, obtuvo los premios Sant Jordi y del Círculo de Escritores Cinematográficos, y León de Aranoa se alzó con el Goya al director revelación 1997.

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A lo largo de la historia ha habido muchos momentos, quizás demasiados, en lo que los pueblos han visto como toda su vida, su lugar de residencia, su tierra, sus raíces eran borradas de un plumazo. Lo curioso y lo interesante, sería descubrir que es lo que sintieron esas personas que veían como lo que habían conocido desde niños se iba, se esfumaba para siempre.

Este sentimiento es lo que intentó reflejar, (lo consiguió) en su tercera película Enrique Gabriel. ‘La huellas Borradas’, ahonda en los sentimientos de una serie de habitantes que ven como un pequeño pueblo leonés, Higueras, su pequeño pueblo, está siendo desalojado porque va a ser ocupado por la aguas de un pantano.

Un reparto espléndido

Para relatar esta historia de sentimientos el director contó con un reparto realmente espectacular. A la cabeza del mismo se encontraba el gran Federico Luppi, quien interpreta a un anciano, Manuel Perea, que regresa a su pueblo desde Argentina, donde fue exiliado durante la Guerra Civil, para ver por última vez el lugar donde pasó su más tierna infancia.

Allí se encontrará con una serie de personajes con los que recordará el pasado con los que pasará momentos inolvidables y entrañables. Entre ellos destaca Virginia (Mercedes Sampietro), su cuñada con la que tiene una historia de amor pendiente o el intelectual del pueblo Don José, cuyo papel es encarnado por otro grande de la pantalla, Héctor Alterio.

Sentimientos

Lo que está claro es que ‘Las huellas borradas’ es una película de sentimientos. Una película entrañable que se apoya en un guión muy conseguido donde se mezcla, la reflexión y la clarividencia de los personajes. Es un film costumbrista donde lo íntimo no está en discusión con los recuerdos del pasado ni con las historias que viven en ese preciso y precioso instante.

En definitiva, una historia muy humana que nos habla del amor, de la necesidad de ser amados y de la importancia de nuestros recuerdos, porque el ser humano es eso, una confluencia de sentimientos y de recuerdos que nos hacen mirar hacía atrás, aprender de nuestros errores, para poder continuar hacia adelante. La película supone cerrar una puerta del pasado para elegir una ventana de futuro.

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La segunda película dirigida por Icíar Bollaín comienza con la llegada de un autocar a un pequeño pueblo castellano. En las próximas dos horas y pico la joven directora nos va a contar una historia que respira autenticidad por todo su celuloide. El autocar dejará su cargamento de ilusiones en forma de caravana de mujeres.

Dos de ellas, una, dominicana y la otra, de Bilbao, encontrarán la seguridad y el afecto que buscan. Bien rodada, con personajes bien dibujados y mejor interpretados por actores como José Sancho, Chete Lera o Luis Tosar, nominado al Goya por este trabajo, la película cuenta la muy diferente evolución de tres relaciones de pareja.

Punto de vista múltiple y femenino

El peor defecto del filme es un tiempo muerto muy largo donde la narración se estanca. La cinta cobra mayor vida en la segunda parte donde el punto de vista siempre es múltiple y femenino. Salta de la inmigrante dominicana a su amiga cubana y de esta a la mujer bilbaína. A través de diversas vicisitudes, los personajes van cobrando carne y sus relaciones se van entrelazando con acierto a medio camino entre la comedia y el drama.

La película ofrece una visión realista y esperanzada de las relaciones humanas y aborda asuntos como la amistad, el amor o el racismo. Los personajes masculinos son egoístas, violentos o tímidos, según el caso. Los femeninos son más valientes y sinceros. Pero Bollaín no cae nunca en el exceso ni la falta de rigor. La joven actriz y directora madrileña, que tanto éxito logró con su primer film, El Sur del maestro Erice, nos ofrece un retrato limpio y honesto de unos personajes con los que mañana podríamos toparnos en cualquier bar de pueblo. Quizá por ello, Flores de otro mundo obtuvo el premio de la crítica en el festival de Cannes de 1999. El guión estaba nominado al Goya.

Ingrediente del éxito: naturalidad

He ahí el mérito de la película de Iciar Bollain, en la naturalidad. Su concepción del cien toma elementos prestados del cine de Ken Loach. El inicio (la llegada del autobús de solteras), es perfecto. Luego el relato se salpica aquí y allá de pinceladas de autenticidad: por ejemplo, los comentarios de los viejos ante la exuberancia de una cubana.

Además, al buscado realismo, la directora añade una temática palpable en su primer film: la búsqueda del amor, la necesidad de querer y ser querido, con sus ilusiones y desengaños. Un objetivo intrínseco de la personalidad humana, el intento de encontrar a la persona adecuada con la que compartir el lago devenir de la existencia.

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