Películas Españolas

Llega a las pantallas de cine, La herencia Valdemar, una película de terror dirigida por el jóven cineasta José Luis Alemán que se suma a la lista de productores y directores que se arriesgan con el cine de terror español. Cabe destacar el atrevimiento que tiene el director al debutar cinematográficamente con la adaptación de H.P Lovecraft.

 La película trata de un detective (Nicolas Tramel) que, a raíz de la desaparición de una tasadora de inmuebles (Luisa Llorente), empieza a indagar e investigar la mansión y su relación con un oscuro ente, el engendro, que habita en ésta.

 El reparto cuenta con una mezcla de nuevas promesas y de actores ya reconocidos: Jesús Olmedo, Óscar Jaenada, Paul Naschy, Daniele Liotti, Silvia Abascal, Eusebio Poncela, Laia Marull, etc. El presupuesto de la producción asciende a 13 millones de euros los cuales han servido para una gran realización técnica, altísimo nivel de efectos especiales, escenografía y vestuario.

Se comenta que  en el caso de conseguirse  los objetivos esperados, se dará inicio al  rodaje de la  segunda parte. De ser así significaría que finalmente los anteriores intentos de llevar esta historia de terror a la gran pantalla serán cosa del pasado.

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Saludada por la crítica en el festival de San Sebastián de 1.999 como una obra maestra, habrá que empezar diciendo que no es para tanto. Y no es que Cuando vuelvas a mi lado carezca de interés; estamos ante un drama de alguna forma pasional, un drama sobre la memoria de las cosas, con los fantasmas del pasado que vuelven a la vida de tres hermanas y los hechos que marcaron su infancia.

La historia tiene visos de auténtico interés: un turbio asunto de amores incestuosos, presuntamente platónicos, un suceso oscuro no desvelado, unas relaciones tempestuosas entre las tres hermanas, una vieja tía plenamente implicada en el arcano familiar… todo ello es una materia argumental atractiva.

Pobre puesta en escena

Sin embargo, no puede decirse lo mismo de la puesta en escena de la directora, Gracia Querejeta, que, como ya le ocurriera en “Una estación de paso” y “El último viaje de Robert Rylands”, sus anteriores filmes, con frecuencia peca de cierto acartonamiento, de una teatralidad que perjudica la verosimilitud de la película.

No es un grave pecado, si tenemos en cuenta que la historia tiene de por sí suficiente fuerza como para hacer perdonar ese error, y que los intérpretes, en especial las actrices, están espléndidas, destacando una Marta Belaustegui que llevaba camino de convertirse en una de nuestras grandes trágicas: qué fuerza paranoica tiene su personaje, una mujer carcomida por el diablo de los celos, recelosa de la relación entre su marido y su hija adolescente.

Alma femenina

En definitiva Cuando vuelvas a mi lado es una película llena de sensibilidad. Su directora, Gracia Querejeta, sabe penetrar en el alma femenina, y dibuja varios e interesantes personajes femeninos. Las tres hermanas protagonistas son muy distintas, cada una ha seguido un rumbo distinto en la vida. Pero aunque se dicen verdades hirientes, el cariño perdura, como podrá comprobarse.

Una obra de interés, mejora en el último tramo, cuando las piezas del rompecabezas empiezan a encajar y la realización de la directora empieza a estar a la altura de la estupenda trama dramática montada a lo largo del metraje, consiguiendo con ello un atractivo filme que confirma la fuerte vertiente social y dramática del cine español durante la última década del siglo XX.

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Jordi es un chaval de 15 años que acaba de perder a su padre y que para sobrellevar esta terrible situación decide cambiar de ciudad y de esa forma, intenta comenzar una nueva vida junto a su madre.

En principio, parece que las cosas funcionan. Sin embargo todo cambiará en el momento en el que Jordi se incorpore a las clases en su nuevo instituto. Será entonces cuando Jordi sepa lo que es realmente vivir como protagonista de una pesadilla.

El culpable de todo lo que le sucederá a Jordi será su compañero de clase, Nacho, joven que disfruta viendo sufrir a los demás, especialmente si es él, el que genera ese dolor, sin lograr en absoluto empatía con la persona que está sufriendo.

La maldad en estado puro

Jordi comenzará un terrible viaje, los sufrimientos por los que pasará el joven a lo largo de la película conseguirán sorprender de forma desagradable al público que se dará cuenta de hasta qué punto la maldad humana puede estar en el cuerpo de un joven.

Nacho conseguirá que la crueldad y la pesadilla a la que someterá a Jordi de manera diaria se acrecentará también con el paso del tiempo.

Pero el argumento de esta película no se centra únicamente en la víctima y su verdugo sino en las sensaciones que sufre una madre que se encuentra confusa ya que no logra entender qué es lo que está pasando, un oscuro y misterioso personaje que carga con un secreto del pasado, y una chica, Ania, que siente como suyo lo que le está sucediendo a Jordi porque ella también ha sido víctima de los mil rostros del horror.

Muy buena acogida en festivales

Todos ellos acompañarán al joven en un viaje que luchará hasta el final por encontrar una solución a semejante calvario, reaccionando con desesperación a una situación que no puede soportar durante mucho más tiempo.

Durante el último Festival de Montreal que tuvo lugar el pasado 7 de Septiembre  Bullying fue proyectada con subtítulos en inglés y francés recogiendo aplausos y críticas muy favorables tanto de la crítica como del público.

Una película que además representa a la perfección un problema que cada día afecta a más jóvenes y con mayor crudeza como es el del acoso escolar. Algo que ha pasado de ser una broma a acabar con el suicidio de jóvenes en nuestro país que no han soportado más esta situación.

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The Frost es una película de autor, su germen está en “El Pequeño Eyolf” de Henrik Ibsen, un prestigioso dramaturgo noruego y uno de los autores que más veces ha sido representado en todo el mundo detrás, por supuesto, de Shakespeare.

Esta es la primera vez que “El Pequeño Eyolf” se lleva al cine y su argumento es muy cercano al del Flautista de Hammelin, pero enfocada al público adulto.

En este largometraje encontramos a Rita, papel interpretado por Aitana Sánchez-Gijón que junto a su marido, Alfred (Trond Espen Seim) jamás han querido a su hijo. El problema es que su hijo ha muerto y esto ya no tiene solución. Reconocer los errores cometidos y el fracaso que han tenido será lo más complicado.

Espectacular Aitana Sánchez Gijón

Sin remedio Alfred y Rita tendrán que tener una enorme fuerza de voluntad para sobrellevar la situación y comenzarán a ponerlo todo en tela de juicio: la pareja, la sexualidad, el amor, la maternidad, las relaciones con los demás…

Un impresionante duelo interpretativo que está lleno de intensidad hace de la interpretación de Aitana Sánchez Gijón una de las mejores de su carrera después de haberse llevado, entre otros importantes la Concha de Plata del Festival de San Sebastián.

La pareja protagonista se ve inmersa en una espiral de autodestrucción tras el accidente de su hijo, los remordimientos no les dejan continuar hacia delante y comienzan a darse cuenta de que su sentimiento de culpa es real, que durante todo este tiempo se preocuparon de otras mil cosas, antes de amar a su hijo.

Cuando ya es muy tarde para amar

Sin embargo si el espectador cree que va a encontrar un melodrama donde se busca dar pena y la lágrima fácil, está muy equivocado.

Lo que realmente busca The Frost es sobrecoger al público mostrándole la verdadera pequeñez de nuestra existencia y la enormidad del alma que trata de salvar esos obstáculos que se van poniendo frente a los seres humanos a lo largo de su vida, muchos de ellos con la tristeza de saber que nunca se han dado cuenta de qué es el amor porque jamás han tenido la oportunidad ni de darlo, ni de recibirlo.

Dirigida por Ferrán Audí y protagonizada por Aitana Sánchez Gijón, también cuenta con la presencia de otro conocido actor, Tristán Ulloa.

Imaginamos que este thriller será uno de los aplaudidos en el Festival de Sitges, pero por el momento habrá que esperar.

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“Un espíritu todopoderoso, enigmático y paradójico al que las abejas parecen obedecer, y que la razón de los hombres jamás ha llegado a comprender”. Víctor Erice utilizó esta cita de Maurice Maeterlinck para describir esta película que se configuró, ya desde su estreno en 1973, como una obra fundamental de la historia del cine español. La historia de una niña en la posguerra española que vive fascinada por el monstruo de Frankenstein ha cautivado a los públicos de todo el mundo.

La producción de Erice ha sido más bien escasa, con sólo tres largometrajes y varios cortos en su haber. Pero no se puede negar que todas sus obras han aportado una singular manera de ver el mundo, y una calidad y belleza que le han valido un reconocimiento internacional. Su último largometraje, “El Sol del Membrillo” es considerada hoy como una de las películas más bellas de la historia del cine. En cualquier caso, guste o no, es innegable que Víctor Erice es uno de los cineastas más interesantes del panorama cinematográfico español.

El Espíritu de la Colmena: la magia del cine y la crudeza de la posguerra

Ana es una niña de 6 años fascinada con el monstruo de Frankestein desde que ve la película por primera vez en el desvencijado e improvisado cine de su pueblo. Las historias que le cuenta su hermana, Isabel, la llevan a creer que el monstruo es en realidad un espíritu al que puede invocar para que sea su amigo. Ana creerá en el poder de esta idea al encontrarse con un soldado en fuga del régimen, con el que entablará una tierna amistad.

La fuerza de la película reside en el contraste entre la mirada pura y sin prejuicios de la niña, interpretada por una inquietante pero tierna Ana Torrent, y la dura realidad de la posguerra española. La idea central del filme es, justamente, el despertar desde la inocencia de esta niña que vive, junto a su padre apicultor (Fernando Fernán Gómez), su madre y su hermana, en un pequeño y desolado pueblo de Castilla-La Mancha.

Erice utiliza esta historia para hacer una metáfora de la magia del cine, a través de una revisión de la historia de “El Doctor Frankestein”. De esta manera, trasciende lo meramente costumbrista, dotando a la película de un tono poético y una belleza formal destacables. Con un ritmo ciertamente pausado (en consonancia con la mirada y la vida de los habitantes de estos pueblos), y una escasez de diálogos, la obra da pie a múltiples lecturas y simbolismos, con un carácter íntimo y metafórico.

A modo de anécdota, resulta llamativo que Erice tuviera que cambiar el nombre de los personajes y ajustarlo al nombre real de los intérpretes. El motivo fue que la jovencísima Ana Torrent no entendía por qué de pronto se cambiaban los nombres. No diferenciaba, al igual que su personaje, la realidad de la ficción.

Víctor Erice: las películas que no se hicieron

Erice haría dos películas más, El Sur y El Sol del Membrillo, aproximadamente una cada 10 años. Por en medio han quedado otras obras sin realizar, como una continuación de El Sur, debido a la reticencia de los productores (Querejeta) a financiar la obra. Erice fue también el impulsor original de la obra ‘El Embrujo de Shangai’, pero una serie de desacuerdos con Andrés Vicente Gómez impidieron su realización. Fernando Trueba fue el encargado de hacer finalmente la adaptación de esta novela en el cine, aunque ignoró para ello el guión firmado por Erice, un guión publicado y puesto a la venta y considerado como uno de los más bellos del panorama actual (cabe mencionar que la película de Trueba no recibió críticas muy halagüeñas).

Desde su última película, El Sol del Membrillo, un documental en el que relata el proceso creativo del pintor Antonio López García por pintar un membrillero, Erice ha participado en el proyecto ‘Ten Minutes Older’, con el cortometraje ‘Alumbramiento’, acompañado de Jim Jarmusch, Aki Kaurismaki, Jean-Luc Godard, Bernardo Bertolucci y Wim Wenders. También realizó el cortometraje ‘La Morte Rouge’, con motivo de la exposición de videocartas entre el propio Erice y Abbas Kiarostami.

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