• Año: 1955
• Nacionalidad: española
• Dirección: Juan Antonio Bardem
• Guión: Juan Antonio Bardem
• Fotografía: Alfredo Fraile
• Intérpretes: Lucía Bosé, Alberto Closas, Carlos Casaravilla, Bruna Corrà, Otello Tosco
• Género: Drama
• Producción: coproducción España-Italia

Argumento

En buena medida, la película está inspirada en un film de Antonnioni, Crónica de un amor de 1950. En todo caso, no se trata de una adaptación exacta: Bardem toma el tema (los amores clandestinos de la burguesía) y la protagonista (Lucía Bosé, de origen italiano)

Nos cuenta la historia de una pareja (maría José y Juan) que han sido novios en su juventud pero que, por circunstancias de la vida, acaban separados (ella casada con un rico industrial y él soltero) En cualquier caso, mantienen su romance (siguen viéndose en un chalet que él tiene en la sierra)

En una de las ocasiones que han quedado para ir al chalet, atropellan a un ciclista. Se dan cuenta de que aún está vivo, pero si lo llevan a un hospital, pronto la gente descrubrirá que son amantes. Le dejan, pues, abandona y malherido y se marchan. El ciclista muere.

A partir de este momento, Juan toma conciencia de su mala actuación (como es propio en los personajes de Bardem) Durante la Guerra Civil, luchó con el bando franquista, lo que le permite gozar de ciertos privilegios. Sin embargo, ahora no consigue adaptarse a la sociedad: se dedica a dar clases de geometría en la Universidad, pero es un trabajo que no le gusta, al tiempo que sabe que no le reportará ningún futuro.

Un día, mientras está haciendo un examen oral a una alumna, lee de reojo en un periódico que ha aparecido un ciclista muerto. Aunque la joven lo está haciendo bien, se pone nervioso y la suspende. La clase entera protestará por la injusticia. la valentía de sus alumnos le sorprende y le hace reflexionar.

Decide ir a ver a la familia del ciclista muerto (aunque sin identificarse) y se encuentra con que su esposa está embarazada, que tienen varios niños…Situación que, unida a los continuos acosos de un amigo común a la pareja que no para de decirles que “lo sabe” (aunque a lo que se está refiriendo es a su romance, no al asesinato) harán que decida entregarse.

Características

La censura del momento no permitió este final ideado por Bardem. En la tradición judeocristiana quien la hace la paga. De modo que impuso lo siguiente: cuando la pareja va camino de la sierra, Juan confiesa a María José su propósito de entregarse y ella, asustada, lo hace bajar del coche y lo atropella (exactamente en el mismo sitio donde atropellaron al ciclista) Igualmente, cuando vuelve a arrancar para volver a casa, los nervios y el mal tiempo le hacen perder el control del coche. Tiene un accidente y también muere (en ese momento pasa por allí un ciclista y va corriendo a atenderla, pero ya es tarde)

La censura también prohibió las manifestaciones que, en el guión original, organizaban los estudiantes en defensa de su compañera, limitándolas a unas simples protestas en el despacho del profesor (en aquellos años, tuvieron lugar numerosas manifestaciones en contra del régimen franquista y no querían que esta secuencia pudiera dar lugar a dudas)

Con estos arreglos, la película fue declarada “Para todos los públicos” y llevada al Festival de Cannes, donde fue muy aclamada y ganó el premio a la crítica)

Destaca el profuso empleo del plano detalle y primer plano, así como la profundidad de campo y la oscuridad (especialmente en el momento de los accidentes: no se ve nada)

• Año: 1951
• Nacionalidad: España
• Dirección: Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga
• Guión: Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga
• Fotografía: Guillermo Golberger
• Reparto: Fernando Fernán Gómez, Elvira Quintillá, José Luís Ozores, Felix Fernández, Matilde Muñoz Sampedro
• Género: Comedia

Características y argumento

Con esta película, codirigida por dos de los grandes, se inaugura la línea de la disidencia en nuestro país (caracterizada por la crónica crítica de la realidad)

El film nos cuenta la historia de una pareja (interpretada por Fernando Fernán Gómez y Elvira Quintillá) Él trabaja como electricista en unos estudios de cine; sin embargo, aspira siempre a mejorar su posición en la escala social y, para ello, estudia electrónica por correspondencia y emprende diversos negocios (en los que sale a menudo mal parado: lo estafan) Ella, por su parte, es una soñadora para quien la vida es como una película. De hecho, le encantan las películas románticas y acude con frecuencia al cine (en la película la referencia al cine es contante, tanto desde un punto de vista técnico -el del marido- desde el que se nos presenta su carácter artificial, como desde un enfoque de contenido -el de la mujer- con el sentido de hacer una crítica al mismo por su disparidad con la realidad)

Como decía, esta línea define por ser una crónica de la realidad cotidiana, lo que vincula directamente a la película con el neorrealismo italiano (casa astrada, patio de vecindad, bocadillo de mortadela…) No obstante, como todo el cine español, al menos en sus orígenes, se trata de un filme muy rico, del que no podemos decir, ni mucho menos, que se limite al realismo. En él encontramos, como mínimo, dos influencias más: el sainete de Arniches (un guirigay de voces y gritos) y la comedia idealizada de Capra.

La parte neorrealista, por así decir, la encontramos al inicio, cuando se nos presenta la vida de la pareja: la casa en la que viven, sus costumbres, los trabajos de cada uno…

La parte del sainete queda patente cuando a mujer, en su afán de lograr una vida de cine, consigue finalmente ganar el concurso de los jabones Florit, cuyo premio supone todo un día viviendo como reyes (como una “pareja feliz”) Así, se presenta en la casa del matrimonio el promotor del concurso para acompañarles durante la jornada. El “follón” comienza cuando toman el coche y el chófer tiene  que sufrir las contraindicaciones del promotor y el marido, mezcladas con el tráfico de las calles, el mercado, los niños en bicicleta…terminarán chocando.

Y es en el final de la película donde podemos encontrar el influjo de Capra. Se nos transmite la idea de que el dinero no da la felicidad, que la felicidad es ser como un es. Lo vemos cuando la pareja, ya de vuelta a casa cargados de regalos por un amplio boulevard de Madrid, deciden despojarse de todo lo que les han regalado, dejando un paquete en cada banco del parque, donde hay un mendigo durmiendo. Esto es muy propio de Bardem; en ss películas, sus personajes siempre acaban tomando conciencia social.

Crítica de Las Viudas de los jueves 

El problema de hacer moralina es que uno acaba cayendo, sin notarlo, en todos los tópicos habidos y por haber. Que “el dinero no da la felicidad”, es algo que venimos mamando desde chicos; de modo que, cuando alguien intenta hacer de ello un arte tiene que ser o muy didáctico o muy original, y no es el caso. Para empezar, porque el marco ambiental está, francamente, desaprovechado. La crisis económica que asoló Argentina en diciembre del 2001, es un asunto que siempre ha suscitado mi interés y curiosidad -y  dudo que sea a la única- y creo que, a colación con el actual panorama financiero, podría habérsele sacado mucho más partido; mas cuando de una situación en que la población llegó a morir a causa de no poder acceder a los servicios mínimos, lo que se nos presenta es el irrisorio punto de vista de unos ricachones -precisamente los causantes del crack- para los cuales, la máxima preocupación es tener que abandonar su súper casona de desproporcionados metros cuadrados para irse a Miami.

Así pues, didactismo nulo y, en cuanto a la originalidad, pues, lo dicho: tenemos al marido acojonado, incapaz de confesar a la mariadispón de su mujer que lo han echado del trabajo y están al borde de la quiebra; a la pareja perfecta, por todos envidiada pero completamente desunida de puertas adentro, con el marido genial, guapo, brillante, seductor, hacha de los negocios, pero que aburre a su mujer, quien vive a base de prozac y empieza a sentirse atraída por su joven vecina. Completan el elenco el maltratador, el hippie por todos criticado al suponer una carga para su esposa (puntilla machista que termina de rematar la función), a la niña díscola que saldrá escaldada por jugar con fuego, aunque haciéndose amiga y medio novia del bicho raro.

En suma: la moraleja queda clara, pero ¡a qué precio! Aunque, después de los sapos y culebras, decir que la estructura de flashback que articula el filme tiene ingeniosos puntos de enlace, introduciendo una nota de humor -aunque en ocasiones algo tosco- dentro del drama.

Yo, personalmente, he llegado a la conclusión de que una mala crítica no es óbice de nada; de hecho suelo sentir una especial predilección ante las películas mal clasificadas. Pero el problema es que una, quiera o no, termina por escuchar -o leer- a estos profetas de la pantalla, sintiéndose, cuando le toca contradecirlos, idiota o, cuanto menos, dotada de una sensibilidad bastante mediocre.

¡Y eso cuando nos atrevemos! porque, en muchas ocasiones, faltos de convicción y haciendo alarde de pedantería, nos limitamos a reproducir cual papagayos las opiniones proferidas por los susodichos. Y como consecuencia de este efecto borrego, es que nos toca, en muchas ocasiones, privar a nuestro tosco gusto de magníficos productos cinematográficos.  

La semana pasada, sin ir muy lejos, leía yo la crítica del sr. A.B en El Mundo sobre la nueva película de Emilio Aragón, Pájaros de Papel, donde se la tachaba de “derroche sentimental”, “artimaña emocional” y “conjunto inverosímil”. Con tales credenciales, podéis imaginaros mi entusiasmo cuando, esa misma tarde me propusieron ir a verla. No obstante, todavía celebro mi apatía dominguera, ya que hacía mucho tiempo que no disfrutaba tanto con una película, con la ingeniosidad de sus golpes de humor, empapados de una sana ironía, con la muy lograda puesta en escena, la grandiosidad de las actuaciones… En definitiva, con el derroche de sentimentalismo y artimañas emocionales que hicieron que, al finalizar, toda la sala estallase en un aplauso, algo que, pese a la inverosimilitud del asunto, sr. A.B, perdóneme que le diga, yo no había visto en mi vida.

Princesas (2005)

Sexto filme del cineasta madrileño Fernando León de Aranoa. Cuenta la historia de dos prostitutas, Caye (Candela Peña) y Zulema (Micaela Narváez), que sobreviven en las calles de Madrid realizando el trabajo más antiguo que se conoce; luchando contra los estereotipos, contra los hombres, contra ellas mismas… en un mundo irrespetuoso, oscuro, peligroso. Nuestras dos protagonistas, irán uniéndose cada vez más, desarrollando una fuerte e inquebrantable amistad que les llevará a apoyarse entre ellas para salir adelante, superar obstáculos y seguir viviendo con la dignidad que todo ser humano merece.

Llum Barrera y una magnífica María Ballesteros les acompañan en una película que estuvo nominada a numerosos premios, entre ellos, 9 Goyas, de los que ganó 3 -Candela Peña como mejor actriz, Micaela Narváez mejor actriz revelacin y mejor canción original para Manu Chao por “Me llaman Calle”-.

El Bola (2000)

Gran obra la que rodó Achero Mañas contándonos una cruda historia de maltratos de un padre hacia su hijo. Película que nos descubrió a uno de los actores con mayor futuro y proyección del cine español, Juan José Ballesta (Madrid, 1987), quien con tan solo 12 años, nos regaló una increíble, dura, dramática, espeluznante y conmovedora actuación, unida a una historia que no le iba a la zaga. Un visionado que todavía me hace contener las lágrimas, a la vez que me llena de rabia al presentarnos un mundo tan injusto y aterrados como es el del maltrato infantil.

Nominada a 5 goyas, se llevó 4 estatuillas: mejor película, mejor director novel (Achero Mañas), mejor actor revelación (Juan José Ballesta) y mejor guión original.

El otro lado de la cama (2002)

Ernesto Alterio, Paz Vega, Guillermo Toledo, Natalia Verbeke, Albero Sanjuan, María Esteve, Nathalie Poza, Secun de la Rosa y Leticia Dolera entre otros, se unen en esta divertidísima película de Emilio Martínez Lázaro donde se mezclan musical y comedia para contarnos los entresijos, líos y convivencias de tres parejas de novios y amigos que viven momentos muy diferentes, pero, a lo largo de la película, irán acercándose más entre sí y cambiando sus relaciones. La banda sonora es de lo mejor del film, con grandes clásicos cantados íntegramente por el reparto, donde sacan a relucir no sólo una gran capacidad para hacer reír, sino también para aplicarse, con buen resultado, en cada canción.

La película estuvo nominada a 6 Goyas aunque finalmente sólo logro llevarse el de mejor sonido.

Te doy mis ojos (2003)

“Donde dice hogar se lee infierno. Donde dice amor hay dolor.” Desgarradora historia de un matrimonio que va desmoronándose de manera cruda y ruda, debido a los continuos maltratos que Pilar (Laia Marrull) recibe a cargo de su marido Antonio (Luis Tosar). Nos va mostrando cómo la pareja, va recorriendo un camino que no hace más que llenarse de espinas, dolor, sufrimiento, desconfianza, falta de comprensión, brutalidad y violencia: Pilar, desbordada por el miedo cada vez que tiene que encontrarse con su marido, mientras éste, pese a saberse descontrolado al estar maltratando a su pareja, va cayendo cada vez con mayor brutalidad en los abismos de la locura. Grandiosas interpretaciones las de ambos actores en esta sobrecogedora historia, tan actual y difícil hoy en día.

Nominada a 9 Goyas, fue capaz de alzarse con 7 estatuillas; Mejor actriz principal (Laia Marrull), mejor actor principal (Luis Tosar), mejor actriz de reparto (Candela Peña), mejor dirección (Icíar Bollaín), mejor película, mejor guión original y mejor sonido.

Mar Adentro (2004)

Basada en hechos reales, nos cuenta la historia de Ramón Sampedro (Javier Bardem), un hombre que sufrió un desafortunado accidente 30 años atrás y que ahora, postrado en una cama y necesitado de los cuidados de su familia para realizar su vida cotidiana, decide que ha llegado el momento de acabar con su sufrimiento. El resto del reparto lo completan sus familiares, su hermano José (Celso Bugallo), su cuñada Manuela (Mabel Rivera) y su nieto Javi (Tamar Novas), del que siempre se han hecho, así como con Julia (Belén Rueda), una abogada que respaldará su caso y Rosa (Lola Dueñas) una mujer del pueblo que le visita frecuentemente para hacerle compañía e intentar hacerle ver que merece la pena vivir la vida. Una compleja historia de pensamientos encontrados,  bien llevada a cabo desde la realización y bordada por los papeles de todos sus personajes.

Ganadora de múltiples premios entre los que destacan los siguientes: un Oscar a la mejor película extranjera de habla no inglesa, además de una nominación por maquillaje; Globo de oro a la mejor película extranjera de habla no inglesa, además de una nominación al mejor actor para Javier Bardem;  Catorce Goyas, de quince nominaciones; mejor película, mejor dirección (Alejandro Amenábar), mejor actor principal (Javier Bardem), Mejor actriz principal (Lola Dueñas), mejor actor revelación (Tamar Novas), mejor actriz revelación (Belén Rueda), mejor actor de reparto (Celso Bugallo), mejor actriz de reparto (Mabel Rivera), mejor música original, mejor maquillaje, mejor director de producción, mejor guión original, mejor fotografía y mejor sonido.

Los Lunes al Sol (2002)

Fernando León de Aranoa dirige este filme donde nos habla de la vida de unos operarios del puerto de Vigo después de que se queden sin trabajo; de sus inquietudes, sus esperanzas, sus dudas, y cómo el desempleo afecta a sus vidas. Película dramática, con grandes momentos de comedia, que nos muestra que ante las dificultades siempre es bueno tener cerca a gente en quien confiar y apoyarse para no decaer y lograr salir adelante. Javier Bardem, Luis Tosar, José Angel Egido, Nieve de Medina, Celso Bugallo, Aida Folch, Enrique Villen y Fernando Tejero son algunos de los destacados actores de esta película.

Nominada a ocho Goyas, fue ganadora de cinco de ellos; Mejor película, mejor dirección, mejor actor principal (Javier Bardem), mejor actor de reparto (Luis Tosar), mejor actor revelación (José Angel Egido).

Los Otros (2001)

En el año 2001, tras el éxito de Tesis (1996) y Abre los ojos (1998), Alejandro Amenábar iba a contar con un casting internacional para dirigir esta película de terror que, al más puro estilo de El sexto sentido (M. Night Shyamalan, 1998), lograría unas muy buenas cifras de taquilla y público, tanto en nuestro país como en el extranjero, para narrarnos la historia de una madre Grace Stewart (Nicole Kidman) que vive juntos a sus hijos y el servicio en una mansión de Jersey, a la espera de que su marido regrese de la Segunda Guerra Mundial. La historia se centra en contarnos como la madre cuida de sus niños con gran amor, pero también con gran precaución, muchas reglas y severidad, obsesionada por la salud de ellos, cuando empiezan a tener lugar sucesos fuera de lo normal dentro de la gigantesca casa: presencias extrañas, espíritus, un servicio malvado… todo tipo de dudas se instalarán en la cabeza del espectador por ver qué es lo que realmente pasa en la casa de los Stewart.

Nominada Nicole Kidman al Globo de Oro como mejor actriz principal por su intensa actuación en este papel. También fue nominada a quince Goyas de los que ganó ocho; Mejor película, mejor director (Alejandro Amenábar), mejor guión original, mejor montaje, mejor fotografía, mejor dirección artística, mejor dirección de producción y mejor sonido.

Celda 211 (2009)

La gran triunfadora de este año en la gala de los Goya fue esta cinta dirigida por Daniel Monzón, en el que es su cuarto filme hasta la fecha y que nos cuenta la historia de un motín de presos en una cárcel española. La trama se centra en un funcionario de la prisión que se ve sorprendido por los acontecimientos cuando se encuentra entre los presos y tiene que optar por hacerse pasar por uno de ellos si no quiere pasar a ser preso e incluso para evitar la muerte. Poco a poco, según avanza la trama, todo irá complicándose: los roles se entrecruzaran y comenzarán las traiciones, manteniéndonos sin saber quién está de qué lado. Los buenos son los malos, los malos los buenos o ¿todo era lo que parecía?, solo cuando el motín llegue a su fin sabremos las respuestas.

Sublime papel de Luis Tosar, dando vida a Malamadre, el preso más peligroso y carismático que se encuentra entre los amotinados. A veces las palabras no expresan lo que se puede explicar sobre algo, así que lo suyo es ver la película y disfrutar de su espectáculo interpretativo.

Nominada a dieciseis Goyas -incomprensiblemente no representó a España en la candidatura a los Oscar- se hizo con ocho; Mejor película, mejor director (Daniel Monzón), mejor actor principal (Luis Tosar), mejor actor revelación (Alberto Ammann), mejor actriz de reparto (Marta Etura), mejor guión adaptado, mejor sonido y mejor montaje.

“Caminante, son tus huellas el camino y nada más. Caminante, no hay camino, se hace camino al andar” 

Qué razón tenía Antonio Machado al escribir estos versos y que mejor ejemplo para ellos que el de uno de los actores españoles más consistentes de los últimos tiempos. Me refiero a Eduardo Noriega (Santander, 01/08/1973), uno de esos actores nacionales que a base de muchos trabajos, buenas elecciones y mejores interpretaciones han conseguido hacerse un buen nombre en la denostada industria del cine nacional. Quizá no levante tanta expectación como otros grandes, no solo del cine nacional sino también del celuloide internacional como Bardem, Tosar, Pe, Belén Rueda, Jordi Mollá o antes Banderas, pero está claro que Eduardo levanta una gran admiración allá por donde pasa, allá por donde rueda. Y es que hablamos de uno de los actores españoles más completos y que pasito a pasito a hecho su camino; un camino firme, limpio, en una línea siempre ascendente. Una trayectoria digna de contemplar.

Primeros pasos y ascenso a la fama

Y es que han pasado 15 años y 30 filmes desde que debutara en la gran pantalla. A diferencia de lo que muchos creen, no fue con Historias del Kronen, sino con una película poco conocida, a las órdenes de un director que, desde aquellos tiempos, también ha crecido de manera notable, Alejandro Amenábar, titulada Luna. Corría el año 1995 y Eduardo apenas contaba con 22 años. No tenía ninguna experiencia detrás de la cámara, pero fue elegido para el papel coprotagonista de la cinta.

Ese mismo año rodó Historias del Kronen, donde tenía un pequeño papel. Pero fue al año siguiente con su quinta películas, Tesis (ganadora de 7 Goyas), -también a las órdenes de Amenábar-, donde dio el salto a la fama interpretando a Bosco.

Es en 1997 cuando tiene lugar su consagración definitiva. De nuevo bajo la dirección de Amenábar, y compartiendo cartel con Penélope Cruz, fue nominado al Goya como mejor actor principal por su papel de César en Abre los ojos, [película que sirvió para el remake “made in USA” Vanilla Sky (Cameron Crowe, 2002) con Tom Cruise, Penélope Cruz y Cameron Díaz]. Este papel marcó definitivamente el nombre de Eduardo Noriega en negrita en todas las agendas de productores y directores nacionales.

Grandes logros

 En los años sucesivos no ha dejado de trabajar con numerosas producciones en las que él era el principal reclamo. Destacan la romántica Cha-cha-chá (Antonio del Real, 1998), el angustioso thriller Nadie conoce a nadie (Mateo Gil, 1999) y la, por momentos, terrorífica El espinazo del diablo (Guillermo del Toro, 2001), entre otras. Ya en 2004, volvió a ser uno de los actores más valorados de aquel año por su interpretación de Txema en El Lobo (Miguel Courtois), en un filme basado en hechos reales, donde da vida al hombre que se infiltro en la banda terrorista ETA y que tuvo en su mano la desarticulación de toda la banda en los entonces difíciles inicios de la democracia en España. Un papel que dejó la marca de un actor que comenzaba a madurar a base de trabajo, y unas intensas y  cada vez más cuidadas interpretaciones, las cuales le volvieron a hacer merecedor de la nominación al Goya como mejor actor principal.

En 2005, fue el protagonista de la bien valorada El Método (Marcelo Pyñeiro), acompañado de un buen elenco de estrellas nacionales como Najwa Nimri, Ernesto Alterio, Natalia Verbeke, Eduard Fernández, Carmelo Gómez o Adriana Ozores. Y, en 2006, con la taquillera Alatriste (Agustín Díaz Yanes), dará vida al Conde de Guadalmedina y compartirá planos con el internacional Viggo Mortensen o la bellísima Elena Anaya.

Entre tanto, tuvo tiempo de llamar la atención del público femenino con un siempre recordado, cuidado y muy burbujeante anuncio para Schweppes (hacía un desnudo integral con zambullida incluida).

Poco después de esto, saltó el charco para rodar un par de superproducciones hollywoodienses: En el punto de mira (Pete Travis, 2008) junto a Dennis Quaid, Forest Whitaker, Matthew Fox, Zoe Saldaña o Sigourney Weaver; y Transsiberian (Brad Andersson, 2008) compartiendo cartel con Woody Harrelson, Emily Mortimer, Kate Mara y Ben Kingsley.

Actualmente…

Ahora le toca hacernos disfrutar con su última película, El mal ajeno (Oskar Santos), junto a Belén Rueda, que se estrena este viernes en toda España. Un drama con tintes de thriller sobrenatural donde da vida a Diego, un médico que trabaja en una unidad de dolor, acostumbrado a ver angustia y muerte a su alrededor y que sufrirá, poco a poco, a medida que avance la película, una transformación total de su persona.

Seguramente no estemos ante el actor que más pasiones levanta, que más autógrafos firma, o que más premios recibe. Pero de lo que no cabe duda, es que estamos ante uno de esos actores que, un día, cuando su carrera este llegando al ocaso, miraremos atrás, y veremos el largo camino recorrido, dándonos cuenta de que ha sido uno de los grandes, que no ha hecho mucho ruido pero que ha hecho una gran carrera con sus herramientas, que nos ha hecho pasar grandes momentos cada uno de ellos en varios registros diferentes, que siempre ha estado ahí y que cuando no este, se le echará de menos. Por suerte, de momento, a sus 36 años, caminante Noriega sigue haciendo su camino al andar.

En un arranque de nostalgia, ayer decidí volver a ver este gran clásico. La verdad es que yo tampoco pude evitar sonreirme, pues aunque en mi caso no se tratara tanto de revivir ambientes y situaciones -entre otras cosas porque no los conocí-, como de volver a ver a mi abula y a mis padres animándome a prestar atención a esta película “tan bonita”, refrendando, ante mi asombro, que la vida realmente era así, emocionados recordándose a sí mismos niños frente al televisor, fascinados ante los primeros productos de nuestro cine.

Una grata tarde de domingo, sin duda.

La película…

La película, en todo caso, constituye un verdadero alarde publicitario -no en vano fue declarada producto de interés nacional-, ya que su intención, primera y última, no es otra que la de mostrar la cara más amable de los principios promulgados por el franquismo.

Se trata, primeramente, de la defensa descarada -envuelta en halo de comicidad- del pronatalismo ensalzado por nuestro caudillo, con esa familia vivaz, siempre optimista y esperanzada, compuesta ni más ni menos que por quince hijos (dieciséis en la segunda parte), los progenitores y el abuelo. Esta idea se desarrolla a lo largo de todo el film sobre el apoyo de dos pilares básicos: la estructura patriarcal y la religión.

Así, el padre se erige como la máxima autoridad dentro del clan, más nos es presentado como fuente de sabiduría, prudencia y buen juicio. Todos confían en su criterio, porque siempre es el más certero. Hombre de ingenio, laborioso y vivaz, empleado, casualmente, al servicio del Ministerio.

En esta estructura jerárquica, los roles masculino y femenino quedan perfectamente perfilados. Tenemos, pues, al jovencito travieso, al vago, al deportista, al lumbrera que alcanzará los objetivos soñados por el padre, al tragón, al chiquitín…hasta al abuelo que, una vez jubilado, se siente una lacra para la familia, impedido para desempeñar un papel útil dentro de la sociedad.

En el otro plano, faltaría más, tenemos a la belleza, a la hacendosa, a la ñoña beata y a la casandera; todas articuladas en torno a la figura de una madre jovial, práctica y ahorrativa, enamoradísima, pese a los años, de ese hombre brillante al que todos deben, en buena medida, su gran felicidad.

Por otro lado, como decía, el elemento religioso está presente durante toda la película, aunque adopta un contorno más definido en ciertos momentos, como en la comunión de los pequeños -en la que, de paso, se aprovecha para hacer alusión a la elegancia y porte de la princesa Sofía, “ilusión y modelo de todas las niñas“-; o cuando, al final, ya perdido Chencho, Críspulo se encomienda a Dios, dispuesto a hacer penitencia para que éste devuelva a su hermanito, renunciando a su bien más preciado: los petardos.

De forma más solapada, en la película se abordan también otros temas como el acceso a los primeros signos del progreso en una modesta familia (televisión), la eficiencia del aparato estatal (especialmente la policía), la intuición femenina, el todo es posible si hay confianza, la fascinación por la naciente carrera espacial…

En definitiva, el film se conforma como la forma más simpática de perpetuar los valores más arcaicos y arraigados de la Dictadura, aunque el buen tono y el ingenio de su elaboración, siguen haciendo de ella un clásico admirable.

Ficha técnica de La Gran Familia

• Año: 1962
• Director: Fernando Palacios
• Guión: Pedro Masó, Rafael J. Salvia, Antonio Vich
• Reparto: Alberto Closas, Amparo Soler Leal, José Isbert, José Luis López Vázquez, Paula Martel, María Carmen García, María José Alfonso, Pedro Mari Sánchez
• Productora: Pedro Masó PC

Hoy quisiera hablaros de una de las mejores películas de uno de los grandes en la historia del cine español, Luis García Berlanga. Me refiero a El Verdugo, una maravillosa comedia negra del año 63 en cuyo guión, el cineasta contó con la colaboración del escritor Rafael Azcona.

La película es, ante todo, una radiografía de la España de los años 60; una España plagada de miedos (a quedarse soltera, al qué dirán los vecinos), ilusiones (como viajar al extranjero para aprender un oficio, ver el mar o llegar a poseer los signos del progreso, que en el caso de nuestros protagonistas no es más que la aspiración a poder tener un colchón de muelles o fotografiarse junto a un avión), insolidaridad (lo vemos claramente en el momento en que la pareja, que ha ido a comer al campo, comienza a bailar al son de la música de sus vecinos, y éstos se marchan llevándose la radio: “si queiren bailar que se traigan su propia música”) y frustraciones (la idea de que cuando todo va bien, siempre hay algo que lo fastidia: está la pareja disfrutando del espectáculo de las cuevas del Drac y aparece la Guardi Civil para lleverse a José Luis)

Argumento

La película nos cuenta la historia de José Luis, interpretado por Nino Manfredi (ya que se trata de una coproducción con Italia), un joven que trabaja en una funeraria, aunque su ilusión es marcharse a Alemania a aprender mecánica. Debido a su profesión, le es muy complicado encontrar pareja (el oficio de enterrador, provoca cierto “rechazo” entre las jóvenes), hasta que conoce a Carmen, (encarnada por una jovencísima Emma Penella), la hija del verdugo. Carmen se encuentra en la misma situación: la profesión de su padre hace que, al final, todos sus novios la terminen abandonando. Los dos jóvenes descubrirán que son almas gemelas y deciden casarse, más para seguir gozando de las prebendas que el Estado proporciona a los ejecutores (el verdugo y su familia gozaban de una paga considerable, además de un piso oficial), al jubilarse Amadeo (padre de Carmen), José Luis se verá obligado a suceder a su suegro.

La película no constituye un reproche a la pena de muerte. Lo que está planteando es lo siguiente: ¿qué clase de país es este en el que uno tiene que matar para poder salir adelante? Una crítica, en mi opinión, bastante más dura. La víctima no es, pues, el reo, sino el verdugo, ya que se verá obligado a matar para sobrevivir, contando, además, con el rechazo de la propia sociedad en la que vive. Concretamente, hay dos pasajes de la película que refrendan con nitidez esta tesis:

1. Cuando José Luis tiene que ejecutar al reo y le ponen la corbata lanzándosela como una soga (parece que le fueran a ahorcar)
2. En el momento en que el verdugo es escoltado hasta la cárcel por la Guardia Civil (da la impresión de que el detenido es él)

La historia

La película está basada en un hecho real. Berlanga se inspiró en la historia que un abogado amigo suyo le facilitó. En el 59, tuvo que asistir a un juicio en el que se acusaba a una sirvienta por haber envenenado, producto de los celos, a su señora y compañera de trabajo. La mujer fue condenada a garrote vil y el abogado, que asistió a la ejecución, explicó al cineasta como, en el fatal momento, ponía los pelos de punta ver que la reclusa no daba muestras de intranquilidad, mientras que el verdugo era presa de la desperación: gritaba, forcejeaba, se desvanecía…en un intento vano de evitar su tarea.

Repercusión

Fue una película muy polémica desde el principio. Las disputas surgieron en el Festival de Cine Internacional de Venecia (1963), ya que nadie estaba de acuerdo con ella. Por un lado, la izquierda no podía tolerar que un film que hablaba de la pena de muerte, no condenase al franquismo (y más que el caudillo contaba entre la plebe con el sobrenombre de “el Verdugo”); y, por otro, la derecha lo consideró un exabrupto inadmisible.

La solución: agregar a los 16 cortes con los que la película se presentó al festival 14  más

Advierto a los detractores de nuestro cine que, con este post, es muy posible que tan solo vean confirmadas sus sospechas pues, aunque dudo se dignaran a la visualización del film, en el hipotético caso de que esto ocurriera, no encontrarán en él los fastuosos efectos especiales que ya por esta fecha comenzaban a fraguarse en el mundillo hollywoodiense, ni una trama excitante y ramplona, con final al gusto de todos, como a las que suelen estar acostumbrados.

Arrebato es una película sorprendente, rompedora, vanguardista; algo que sólo podía tener cabida en aquellos años del destape español tras el fallecimiento de Franco y que, por desgracia, no tendrá continuación (Zulueta tuvo serios problemas con las drogas, desapareciendo durante largo tiempo del mundo cinematográfico)

La película, protagonizada por unos jovencísimos Eusebio Poncela y Cecilia Roth, constituye una reflexión del propio cine y una apología de la creación artística y su poder “arrebatador”. Zulueta lleva a cabo, para ello, un experimento visual, combinando distintos formatos, que van desde el profesional al amateur (súper 8), llegando incluso a agujerear la película, logrando que se perciban una suerte de círculos luminosos en movimiento durante la proyección. Se sirve de imágenes insólitas, delirantes, próximas a la hipnosis, con las que consigue atrapar al espectador, arrebatarlo, hacerlo formar parte de su propia creación.

Sinopsis Arrebato

La película narra la historia de José Sirgado (Eusebio Poncela), un director de películas de Serie B, profundamente decepcionado con la industria y con su propia vida. El coqueteo con la heroína y su reciente ruptura amorosa con Ana (Cecilia Roth), lo han sumido en la más profunda de las desidias. Una tarde, al volver a casa, se encuentra con un misterioso paquete con una cinta de vídeo y una grabación, que vendrán a sacar al protagonista de la anomia en la que ha sumido su vida, situándolo en un punto límite.

Ficha técnica

Título original: Arrebato

País: España

Año: 1979

Género: Drama

Director: Iván Zulueta

Guión: Iván Zulueta

Reparto: Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Helena Fernán-Gómez, Luis Ciges, Marta Fernández Muro, Carmen Giralt y Will Moore

Productor: Nicolás Astiarraga

Fotografía: Ángel Luis Fernández

Música: Grupo Negativo

Montaje: José Luis Peláez, José Pérez Luna y María Elena Sáinz de Rozas

Se admite, por lo general, la existencia del algunas excepciones; largometrajes valedores de cierto éxito y comedido reconocimiento (sirva de ejemplo la homenajeada Celda 211) Más, en altísimo porcentaje, las películas españolas están asociadas a la instrumentalización ideológica, la técnica decadente, el argumento pobre y manido.

A mi parecer, la realidad dista mucho de esta tendencia. En todo caso, soy consciente de que una opinión vale de muy poco -menos aún cuando sólo es una-, por lo que me ceñiré a un dato objetivable. Y es que el cine es el medio o entretenimiento idóneo para engrosar as arcas de un país (aspiración bastante loable en un momento como el actual), así como para conformar un pensamiento colectivo sobre una determinada materia. Ya en su momento, el neorrealismo italiano empleó la gran pantalla para superar la imagen de una Italia fascista, asesina y totalitaria; para mostrarnos el glamour de sus calles, la elegancia de sus habitantes, el esplendor de sus paisajes.

Esta idea debiera servirnos para deshacernos de los tópicos, esforzándonos todos por otorgar un voto de confianza a nuestras películas, por hacer de nuestro cine un compendio de las virtudes que nos caracterizan para mostrárselas al mundo y a nosotros mismos.