Las películas de Almodóvar ¿sabes cuáles son?

Director de cine, guionista y productor español, Almodóvar es uno de los personajes de este país con mayor fama internacional en lo que se refiere a la pantalla grande. Nunca estudió cine, pero aprendió a partir de su convivencia con las diferentes clases sociales, experiencias que lo inspiraron a filmar sus primeras películas.

Este cineasta, nació en Calzada de Calatrava, provincia de Ciudad Real, el 24 de septiembre de 1949.

A los 16 años, se muda a Madrid solo para Comenzó a ir compulsivamente a un cine de pueblo durante su época de colegio, el cual –Almodóvar comenta- tenía el techo a base de lata de picón para combatir el frio y que “…el calor de ese improvisado brasero se ha convertido en el paradigma de lo que el cine significaba para mí”.

estudiar cine, en una escuela que habían cerrado por asuntos políticos.

En los inicios de su independencia, Pedro Almodóvar trabajó en empresas externas a la pantalla grande, pero lo alternaba con la membrecía en un grupo teatral, la creación de una banda musical y la escritura de una novela y de relatos en periódicos.

Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, fue su primera película, que filmó con 3000 €.

Su popularidad comenzó tras ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, siendo Carmen Maura la protagonista y actriz fetiche en ésta y algunos de sus siguientes proyectos.

En 1985, Almodóvar fundó la productora El Deseo, junto a su hermano Agustín, compañía que le traería éxitos desde un comienzo, como el ser reconocido en Francia y ganar varios premios internacionales.

Todo sobre mi madre le otorgó su primera estatuilla del Óscar. Posteriormente, éste empedernido amante del cine, continúo ganando más de estos reconocimientos en diferentes categorías, así como también premios en otros eventos de cine.

La presencia de mujeres en su familia inspiró la película Volver, que fue protagonizada por Penélope Cruz, y quien se convertiría en su nueva actriz fetiche.

Su último filme, que será estrenado en septiembre de este año, es La piel que habito, protagonizada por Antonio Banderas.

En Cannes 2011: Almodóvar junto a los actores de "La piel que habito"

Hace pocos días se celebró el más grande evento europeo de cine, el Festival de Cannes. Como es de costumbre, asistió un gran número de personajes de la pantalla grande, algunas estrellas nuevas y otras cuyos nombres son familiares. Entre los que desfilaron por la alfombra roja, estuvo Pedro Almodóvar quien llegó acompañado de Antonio Banderas, Marissa Paredes y Elena Anaya,  protagonistas de su último filme “La piel que habito”, la cual recibió el Premio a la Juventud y un reconocimiento por su fotografía.

En una entrevista realizada ese mismo día, Almodóvar confesó que actualmente está desarrollando un nuevo proyecto que, por primera vez, será en inglés. Esto podría conllevar a que éste sea rodado fuera de España, al contrario de sus filmes anteriores en lo que ha sido fiel a sus orígenes.

Incluso, el director español mencionó: “Yo lo estoy escribiendo (el guion) en español, pero ya he hablado con un escritor americano para que se encargue de la versión en inglés”.  Aparte de eso, no quiso otorgar más detalles a la prensa; prefiere mantenerlo en secreto ya que aun está en proceso.

El cineasta manchego, ayudó a varios famosos españoles a lanzar sus carreras internacionales, tales como Antonio Bandera, Penélope Cruz y Javier Bardem. Y aunque en secreto, esperamos pronto conocer la nueva obra de arte de Almodóvar, que seguro será magistral como es de costumbre.

“¿Cómo la persona que más me ha querido ha podido ser la misma que me ha destrozado la vida? No puedo entenderlo”, se cuestiona la protagonista de la película.

Michelle Jenner y Belen Rueda en una escena de la película

Después de mantenerse 6 años alejado del cine, Montxo Armendáriz regresa con esta propuesta acerca de los abusos sexuales a menores, logrando sumergir al público en esta historia que, tristemente, tiene poco de ficción y mucho de realidad. Este filme es uno de aquellos que te dejan marcada, a pesar de que el trailer (www.smlk.es/NnVJ-1) de la cinta no lo refleja.

Una película que, más que dura, es cruda. No usa el salvajismo ni el morbo, usa el silencio, desde el punto en que, la única música que hay es el violonchelo y el piano. La banda sonora, o prácticamente la ausencia de ella, contribuyen a crear un ambiente de tensión equilibrada durante todo el filme.

Sin darnos cuenta, podemos caer en la lágrima fácil y el sentimentalismo. Armendáriz ha hecho una apuesta firme por el hiperrealismo total y absoluto, sin simbolismos, sin paños calientes, pero eso sí: con gran sutileza, y buen gusto en la fotografía y el manejo de la cámara.

Sin dejar a un lado, el excelente reparto de actores que el director ha elegido. “No tenga miedo”, está totalmente enfocada en Silvia, interpretada por Michelle Jenner, quien desempeña un papel asombroso. Impacta con su fragilidad, su sufrimiento, su cierto punto de esquizofrenia…

Asimismo, destaca Lluís Homar, en su rol del padre que abusa sexualmente de su hija. Un complicadísimo papel, en el que vuelve a estar, como siempre, de nota. Bajo su apariencia tranquila y el amor por su niña, saca al monstruo que lleva dentro. Me hace odiarle, me repugna… Y esto habla muy bien de su trabajo.

Y finalmente, Belén Rueda, quien una vez más se muestra como lo que es: una actriz que se adapta sin problemas a cualquier papel, llevando a cabo actuaciones que van desde lo notable hasta lo brillante, a partir de ahí depende del gusto de cada quien.

Hay que reconocer el valor que ha tenido Montxo Armendáriz al realizar este trabajo, tanto a él como los actores y las personas que dieron a conocer su historia en las terapias, a lo largo del filme; muchos ellos contando experiencias reales.

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Tras sus primeros pasos con diversos cortometrajes en su etapa adolescente, Rodrigo Cortés consiguió llamar la atención de la crítica en sólo 15 días, por medio de Buried, un corto que entusiasmó a la crítica y acumuló diversos premios, tanto nacionales como internacionales, entre ellos, 3 goyas 2011 (Sonido, Guión original y Montaje); convirtiéndose en el corto con más reconocimientos de la historia del cine español.

En 2007, debutó con su primer largometraje, Concursante, una sátira ciertamente crítica hacia el sistema financiero mundial. La película se llevó el Premio de la Crítica en el Festival de Málaga de aquél año.

Su trabajo anterior queda sobradamente confirmado con su segundo trabajo, ‘Buried (Enterrado)’, película al pasar por el Festival de Cine de Sundance cosechó ovaciones al final de cada proyección, y alabanzas unánimes de la crítica especializada. Semejante éxito ha contribuido este filme que, entre otras cosas, la prestigiosa revista Variety incluyó su nombre en la lista de los «10 directors to watch» del año 2010, es decir, de los diez directores a seguir la pista este año.

Después de dicho reconocimiento, tan sólo restaba comprobar por uno mismo la calidad del filme. Servidor ya ha tenido el placer de hacerlo.

Buried, trara acerca de Paul Conroy (Ryan Reynolds), padre de familia y contratista civil en Irak, que despierta enterrado en un viejo ataúd de madera sin saber quién lo ha puesto ahí, ni porqué.

En su interior, dispone de muy poco oxígeno, y su único contacto con el exterior es mediante un teléfono móvil con la mitad de batería y con una precaria cobertura.  Tras largos minutos de agonía, Paul descubrirá que ha sido secuestrado y que salir vivo del ataúd dependerá de que en 90 minutos alguien pague su rescate…

La película comienza en la más absoluta oscuridad. En estos primeros minutos, el sonido es el que lleva la voz cantante y el que pone en situación al espectador.

Más tarde, y a la tenue luz de un mechero, sabremos que nuestro protagonista es un tipo que se acaba de despertar enterrado en un ataúd.  Su nombre u otros detalles de su vida privada y profesional se nos irán revelando a medida que transcurran los minutos y a través de las llamadas que, desesperado, éste realizará con la intención de pedir ayuda.

Todas aquellas preguntas que se hace el protagonista, son las mismas que se plantea el espectador, pues la información es exactamente la misma para ambos. Nosotros nunca vamos un paso por delante de Paul sino que resolvemos las incógnitas a medida que él las resuelve.

El espectador se imbuye dentro de la historia nada más empezar la película y la catarsis con el personaje va en aumento según avanza el metraje, no sólo haciéndonos testigos del suceso sino incluso llegando a experimentar la misma sensación de agobio y claustrofobia que Paul. 

Sin mostrar el exterior ni ningún otro escenario ni personaje, el director logra que el espectador esté dentro del ataúd con Paul. De este modo, sufrimos por él de forma muy intensa y llegamos a compartir su constante ansiedad y su rabia.

Cualquiera podría pensar que, móvil en mano, la solución para salir del ataúd está a su alcance. Nada más lejos de la realidad…

Demasiada burocracia y demasiada incompetencia (amén de cierta desidia) le desesperan con cada llamada (he aquí parte de la crítica que subyace en la historia).

La angustia (suya y nuestra) crece y crece, y su estancia  en la caja de madera se va volviendo cada vez más insoportable, pese a los pocos momentos en los que logra encontrar la calma.

Cortés impregna el relato de emoción y sobre todo ritmo. Una historia que, a priori, parece imposible o, en todo caso, muy difícil de rodar, él hace que parezca algo fácil. Otorga dinamismo a la narración cambiando frecuentemente la posición de la cámara, buscando siempre el ángulo o el movimiento (travelling de retroceso, plano de rotación…) más adecuado.

El director introduce elementos (léase utensilios, personajes, peligros, etc.) que enriquecen la sencillez de la trama, procurando que siempre estén ocurriendo cosas que mantengan nuestro interés, y permitiendo que la escasa hora y media que dura la cinta no sólo no se haga aburrida sino que tampoco se sienta estirada, algo que menudo ocurre con este tipo de historias.

Mención aparte merece la risueña canción (en clave claramente irónica) que aparece durante los títulos de crédito finales, y que ha sido compuesta por Cortés y Reyes.

Pero pese a todos esos cuidados aspectos técnicos, al potente guión y a la destreza en el uso de los pocos recursos de los que se dispone, nada de esto llegaría a buen puerto sin la estoica interpretación de Ryan Reynolds, el único actor presente delante de la cámara y en quién recae todo el peso de la película.

Reynolds demuestra una gran entereza física y psicológica, pues dudo que el rodaje haya sido coser y cantar (de hecho, acabó con la espalda hecha trizas y con quemaduras en los dedos) No sólo hay que tener en cuenta la dificultad que supone rodar en tan diminuto espacio sino que además logre resultar un Paul Conroy creíble todo el tiempo.

“Buried (Enterrado)” es un apasionante e implacable thriller claustrofóbico. Un claro ejemplo de que, a veces, menos es más. Ni CGI, ni 3D ni hostias en vinagre; basta con un guión competente, una dirección eficaz y un reparto entregado a la causa. Cine de calidad y por suerte made in Spain, que puede ser visto tanto en el cine como desde casa, tomando unas palomitas o contratando una pizza en Telepizza online.

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Siempre he sido una apasionada del cine clásico. No sé, tal vez sea la estética del blanco y negro o la ingenuidad -o crudeza- que derrochan estas primeras películas, pero lo cierto es que, aún pecando de anticuada, me igue pareciendo grandioso el tratamiento que se dio a estos film iniciales.

Hoy quisiera hablaros de una de las mejores películas de uno de los grandes en la historia del cine español, Luis García Berlanga. Me refiero a El Verdugo, una maravillosa comedia negra del año 63 en cuyo guión, el cineasta contó con la colaboración del escritor Rafael Azcona.

La película es, ante todo, una radiografía de la España de los años 60; una España plagada de miedos (a quedarse soltera, al qué dirán los vecinos), ilusiones (como viajar al extranjero para aprender un oficio, ver el mar o llegar a poseer los signos del progreso, que en el caso de nuestros protagonistas no es más que la aspiración a poder tener un colchón de muelles o fotografiarse junto a un avión), insolidaridad (lo vemos claramente en el momento en que la pareja, que ha ido a comer al campo, comienza a bailar al son de la música de sus vecinos, y éstos se marchan llevándose la radio: “si queiren bailar que se traigan su propia música”) y frustraciones (la idea de que cuando todo va bien, siempre hay algo que lo fastidia: está la pareja disfrutando del espectáculo de las cuevas del Drac y aparece la Guardi Civil para lleverse a José Luis)

Argumento

La película nos cuenta la historia de José Luis, interpretado por Nino Manfredi (ya que se trata de una coproducción con Italia), un joven que trabaja en una funeraria, aunque su ilusión es marcharse a Alemania a aprender mecánica. Debido a su profesión, le es muy complicado encontrar pareja (el oficio de enterrador, provoca cierto “rechazo” entre las jóvenes), hasta que conoce a Carmen, (encarnada por una jovencísima Emma Penella), la hija del verdugo. Carmen se encuentra en la misma situación: la profesión de su padre hace que, al final, todos sus novios la terminen abandonando. Los dos jóvenes descubrirán que son almas gemelas y deciden casarse, más para seguir gozando de las prebendas que el Estado proporciona a los ejecutores (el verdugo y su familia gozaban de una paga considerable, además de un piso oficial), al jubilarse Amadeo (padre de Carmen), José Luis se verá obligado a suceder a su suegro.

La película no constituye un reproche a la pena de muerte. Lo que está planteando es lo siguiente: ¿qué clase de país es este en el que uno tiene que matar para poder salir adelante? Una crítica, en mi opinión, bastante más dura. La víctima no es, pues, el reo, sino el verdugo, ya que se verá obligado a matar para sobrevivir, contando, además, con el rechazo de la propia sociedad en la que vive. Concretamente, hay dos pasajes de la película que refrendan con nitidez esta tesis:

1. Cuando José Luis tiene que ejecutar al reo y le ponen la corbata lanzándosela como una soga (parece que le fueran a ahorcar)
2. En el momento en que el verdugo es escoltado hasta la cárcel por la Guardia Civil (da la impresión de que el detenido es él)

La historia

La película está basada en un hecho real. Berlanga se inspiró en la historia que un abogado amigo suyo le facilitó. En el 59, tuvo que asistir a un juicio en el que se acusaba a una sirvienta por haber envenenado, producto de los celos, a su señora y compañera de trabajo. La mujer fue condenada a garrote vil y el abogado, que asistió a la ejecución, explicó al cineasta como, en el fatal momento, ponía los pelos de punta ver que la reclusa no daba muestras de intranquilidad, mientras que el verdugo era presa de la desperación: gritaba, forcejeaba, se desvanecía…en un intento vano de evitar su tarea.

Repercusión

Fue una película muy polémica desde el principio. Las disputas surgieron en el Festival de Cine Internacional de Venecia (1963), ya que nadie estaba de acuerdo con ella. Por un lado, la izquierda no podía tolerar que un film que hablaba de la pena de muerte, no condenase al franquismo (y más que el caudillo contaba entre la plebe con el sobrenombre de “el Verdugo”); y, por otro, la derecha lo consideró un exabrupto inadmisible.

La solución: agregar a los 16 cortes con los que la película se presentó al festival 14  más

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Hace poco os comentaba mi parecer sobre el devenir del cine español en la actualidad. Sin ánimo de contradicción, quisiera ahora reseñar brevemente una de mis películas favoritas, que tiene de actual muy poco, ya que data de 1979. Se trata del primer y último largometraje de Iván Zulueta, Arrebato.

Advierto a los detractores de nuestro cine que, con este post, es muy posible que tan solo vean confirmadas sus sospechas pues, aunque dudo se dignaran a la visualización del film, en el hipotético caso de que esto ocurriera, no encontrarán en él los fastuosos efectos especiales que ya por esta fecha comenzaban a fraguarse en el mundillo hollywoodiense, ni una trama excitante y ramplona, con final al gusto de todos, como a las que suelen estar acostumbrados.

Arrebato es una película sorprendente, rompedora, vanguardista; algo que sólo podía tener cabida en aquellos años del destape español tras el fallecimiento de Franco y que, por desgracia, no tendrá continuación (Zulueta tuvo serios problemas con las drogas, desapareciendo durante largo tiempo del mundo cinematográfico)

La película, protagonizada por unos jovencísimos Eusebio Poncela y Cecilia Roth, constituye una reflexión del propio cine y una apología de la creación artística y su poder “arrebatador”. Zulueta lleva a cabo, para ello, un experimento visual, combinando distintos formatos, que van desde el profesional al amateur (súper 8), llegando incluso a agujerear la película, logrando que se perciban una suerte de círculos luminosos en movimiento durante la proyección. Se sirve de imágenes insólitas, delirantes, próximas a la hipnosis, con las que consigue atrapar al espectador, arrebatarlo, hacerlo formar parte de su propia creación.

Sinopsis Arrebato

La película narra la historia de José Sirgado (Eusebio Poncela), un director de películas de Serie B, profundamente decepcionado con la industria y con su propia vida. El coqueteo con la heroína y su reciente ruptura amorosa con Ana (Cecilia Roth), lo han sumido en la más profunda de las desidias. Una tarde, al volver a casa, se encuentra con un misterioso paquete con una cinta de vídeo y una grabación, que vendrán a sacar al protagonista de la anomia en la que ha sumido su vida, situándolo en un punto límite.

Ficha técnica

Título original: Arrebato

País: España

Año: 1979

Género: Drama

Director: Iván Zulueta

Guión: Iván Zulueta

Reparto: Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Helena Fernán-Gómez, Luis Ciges, Marta Fernández Muro, Carmen Giralt y Will Moore

Productor: Nicolás Astiarraga

Fotografía: Ángel Luis Fernández

Música: Grupo Negativo

Montaje: José Luis Peláez, José Pérez Luna y María Elena Sáinz de Rozas

Se admite, por lo general, la existencia del algunas excepciones; largometrajes valedores de cierto éxito y comedido reconocimiento (sirva de ejemplo la homenajeada Celda 211) Más, en altísimo porcentaje, las películas españolas están asociadas a la instrumentalización ideológica, la técnica decadente, el argumento pobre y manido.

A mi parecer, la realidad dista mucho de esta tendencia. En todo caso, soy consciente de que una opinión vale de muy poco -menos aún cuando sólo es una-, por lo que me ceñiré a un dato objetivable. Y es que el cine es el medio o entretenimiento idóneo para engrosar as arcas de un país (aspiración bastante loable en un momento como el actual), así como para conformar un pensamiento colectivo sobre una determinada materia. Ya en su momento, el neorrealismo italiano empleó la gran pantalla para superar la imagen de una Italia fascista, asesina y totalitaria; para mostrarnos el glamour de sus calles, la elegancia de sus habitantes, el esplendor de sus paisajes.

Esta idea debiera servirnos para deshacernos de los tópicos, esforzándonos todos por otorgar un voto de confianza a nuestras películas, por hacer de nuestro cine un compendio de las virtudes que nos caracterizan para mostrárselas al mundo y a nosotros mismos.

Foto de la web: bsocaratulas.iespana.es

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Es el título de la primera película del director Saura Medrano, o lo es lo mismo, es el primer filme del hijo de Carlos Saura, donde demuestra que la influencia de su padre, con el que trabajó durante varias años en muchas de sus películas, le ha tocado y le ha influído, aunque menos de lo que se podía prever, ya que en cierto modo demostró con esta película que él tiene su propio mundo interior.

Un mundo al que recurrir para contar una historia que tiene tintes dramáticos pero que sin duda, posee un transforndo totalmente romántico, tanto que el amor se respira desde el título, aunque no es amor de color de rosa. Está salpicado de dificultades y rencillas que lo ponen a prueba una y otra vez. Y es que, la moraleja que muestra la película viene a ser algo así como que “nadie dijo que amar fuese sencillo”.

Amor y odio

Saura Medrano narra en esta película la historia de un trío amoroso en el que los celos, el drama, el odio y el amor van a estar más que presentes por todos lados. En este entramado es precisamente donde el novel directorpor entonces (la cinta se estrenó en 1999) marca con claridad la influencia de Saura padre, donde la profundidad del drama y de las desgracias humanas siempre se hace presente.

Cuenta como Sira comienza a odiar a Luis, después que su hermano muriese en una reyerta en la que se vieron inmersos, por intentar hacer cumplir ley. Todo se enreda en exceso y se observa como todo puede cambiar en un minuto. A la vez, se desarrolla otra historia, la de Milio, un adolescente que ve en Santos un ejemplo a seguir, aunque lo cierto es que intenta pasar el verano lo más rápido posible. Se verá envuelto en situaciones increíbles.

Adaptación.

El primer filme de Saura Medrano tiene como germen de origen la novela ‘El chico que imitaba a Roberto Carlos’, aunque el guión escrito junto a los hermanos Casariego, es una adaptación libre de la novela. Para su primer largometraje, Medrano contó con la presencia de actores de reconocido prestigio como Paco Rabal, Fele Martínez o Geraldine Chaplín, un elenco de lujo para dar vida a los personajes de ‘Tú qué harías por amor’

En cuanto a crítica y público, los resultados fueron dispares. Por un lado, la crítica aplaudió la ópera prima del hijo de Saura, del que dijeron que se alejaba de los dramas paternos, y que se veía que era un director con inquietudes e intereses propios. No obstante, el público no mostró tanta aceptación y en taquilla fue un auténtico desastre.

Foto de la web: www.coverszone.com.es

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Goya fue y es uno de los mayores y más reconocidos artistas españoles. Sus obras son famosas en el mundo entero y su persona es conocida y seguida en muchos lugares del mundo. Admirado y en ocasiones malinterpretado, Goya sigue siendo un referente de la pintura española incluso en la actualidad, cuando las nuevas tendencias se han impuesto a todo lo que tiene ahora a clásico.

En ‘Goya en Burdeos’, Carlos Saura, intenta alejarse del gran pintor, no quiere mostrar la gran habilidad para el arte que tenía el genio zaragozano, sino que intenta poner de manifiesto todo la lucha interna que vivió el maestro pintor a lo largo de su vida. Un homenaje en toda regla, para una de las mayores glorias de nuestro patrimonio artístico.

Desde el exilio

La película narra la historia de un Goya que se encuentra en los últimos años de su vida y que ha tenido que exiliarse a Francia, concretamente a Burdeos, para poder seguir su vida. Allí a sus ochenta y dos años intenta poner al corriente a su hija Rosario de todo lo acontecido a lo largo de su vida. Le narra todo aquello que fue importante en el devenir de su existencia personal y artística.

De este modo, Goya hará un recorrido de sus intricados y gloriosos tiempos en la Corte de Carlos IV (bajo su reinado alcanzó la mayor de las glorias) hasta sus problemas amorosos y sus desdichas con la Duquesa de Alba, quien según los historiadores y como se muestra en el filme, fue el gran amor de la vida del genio

Gran reparto

El filme cuenta con un reparto espectacular encabezado por el magnífico actor Paco Rabal (fue de las últimas películas que interpretó) que tenía el papel del Goya viejo, el encargado de contar la historia a su hija Rosario. Para el Goya novel, José Coronado fue el elegido para dar vida la época de juventud del artista. Por último, para dar vida al su gran amor, la seleccionada fue Maribel Verdú.

El metraje fue estrenado en el Festival de cine de Montreal, donde enseguida recibió las bondades del público que acudió en masa para ver el estreno de la cinta. La cierto es que fue un gran éxito de taquilla, aunque la crítica no se mostró demasiado de acuerdo con la visión de Saura acerca de Goya, aunque al final resultó una cinta bastante rentable.

Foto de la web: todocoleccion.net

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Ésa es la sensación que dejó en el espectador la visión de la película de ‘Salsa Rosa’, el primer film del director Manuel Gómez Pereira. Y es que, es la típica película del cine español en la que hay muchas escenas subiditas de tono pero no hay demasiado argumento. Lo que ocurre, es que en este caso es tan llamativo que las críticas hacia la ópera prima de Pereira fueron voraces. A lo que acompañó que la taquilla tampoco fue excesivamente generosa con ella.

No obstante, si es destacable la película es porque el director, pese a ser su proyecto inicial fue capaza de reunir a grandes actores del panorama español, el pétreo José Coronado, el histriónico Juanjo Puigcorbe o la grandilocuente Verónica Forqué. Pero, sobre todo, Maribel Verdú, que por aquella época daba sus primeros pasos y que al año siguiente conseguiría un Óscar junto a todo el equipo de ‘Belle Epoque’.

Intercambio de parejas

La película desde luego es una comedia de enredo en que las situaciones cómicas se dan a menudo, el problema es que el argumento se queda a veces resquebrajado por la falta de continuidad del guión. No obstante, el director presenta a los espectadores dos parejas que tienen una vida acomodada, sin demasiados sobresaltos, aunque todo cambia en el momento en el que el Cirujano (Puigcorbe) se enamora de su vecina.

Lo curioso es que la historia no se queda ahí, sino que por casualidades del destino, las dos mujeres se encuentran y se emborrachan juntas, lo que provoca que se rifen a sus maridos de la manera más burda. De ahí, que se produzca un intercambio de parejas muy curioso

Lo mejor

‘Salsa Rosa’ adolece de muchos fallos, quizás como ya se ha señalado anteriormente, el más grave sea el de desconexión del argumento en varios momentos del filme. Sin embargo, tiene algo muy bueno, la elección de los intérpretes. Son el Ying y el Yang, la cruda sexualidad y el erotismo de Maribel Verdú es compensado por la dulzura y la ingenua candidez de Verónica Forqué.

Del mismo modo, ese histrionismo típico de Puigcorbe, se amolda a la perfección a la sobriedad interpretativa de Coronado. Desde luego es un gran reparto para un película que no es de las más recomendables del cine español, aunque eso sí, a su favor tiene que al menos, en ocasiones, facilita la risa.