Hoy quisiera hablaros de una de las mejores películas de uno de los grandes en la historia del cine español, Luis García Berlanga. Me refiero a El Verdugo, una maravillosa comedia negra del año 63 en cuyo guión, el cineasta contó con la colaboración del escritor Rafael Azcona.

La película es, ante todo, una radiografía de la España de los años 60; una España plagada de miedos (a quedarse soltera, al qué dirán los vecinos), ilusiones (como viajar al extranjero para aprender un oficio, ver el mar o llegar a poseer los signos del progreso, que en el caso de nuestros protagonistas no es más que la aspiración a poder tener un colchón de muelles o fotografiarse junto a un avión), insolidaridad (lo vemos claramente en el momento en que la pareja, que ha ido a comer al campo, comienza a bailar al son de la música de sus vecinos, y éstos se marchan llevándose la radio: “si queiren bailar que se traigan su propia música”) y frustraciones (la idea de que cuando todo va bien, siempre hay algo que lo fastidia: está la pareja disfrutando del espectáculo de las cuevas del Drac y aparece la Guardi Civil para lleverse a José Luis)

Argumento

La película nos cuenta la historia de José Luis, interpretado por Nino Manfredi (ya que se trata de una coproducción con Italia), un joven que trabaja en una funeraria, aunque su ilusión es marcharse a Alemania a aprender mecánica. Debido a su profesión, le es muy complicado encontrar pareja (el oficio de enterrador, provoca cierto “rechazo” entre las jóvenes), hasta que conoce a Carmen, (encarnada por una jovencísima Emma Penella), la hija del verdugo. Carmen se encuentra en la misma situación: la profesión de su padre hace que, al final, todos sus novios la terminen abandonando. Los dos jóvenes descubrirán que son almas gemelas y deciden casarse, más para seguir gozando de las prebendas que el Estado proporciona a los ejecutores (el verdugo y su familia gozaban de una paga considerable, además de un piso oficial), al jubilarse Amadeo (padre de Carmen), José Luis se verá obligado a suceder a su suegro.

La película no constituye un reproche a la pena de muerte. Lo que está planteando es lo siguiente: ¿qué clase de país es este en el que uno tiene que matar para poder salir adelante? Una crítica, en mi opinión, bastante más dura. La víctima no es, pues, el reo, sino el verdugo, ya que se verá obligado a matar para sobrevivir, contando, además, con el rechazo de la propia sociedad en la que vive. Concretamente, hay dos pasajes de la película que refrendan con nitidez esta tesis:

1. Cuando José Luis tiene que ejecutar al reo y le ponen la corbata lanzándosela como una soga (parece que le fueran a ahorcar)
2. En el momento en que el verdugo es escoltado hasta la cárcel por la Guardia Civil (da la impresión de que el detenido es él)

La historia

La película está basada en un hecho real. Berlanga se inspiró en la historia que un abogado amigo suyo le facilitó. En el 59, tuvo que asistir a un juicio en el que se acusaba a una sirvienta por haber envenenado, producto de los celos, a su señora y compañera de trabajo. La mujer fue condenada a garrote vil y el abogado, que asistió a la ejecución, explicó al cineasta como, en el fatal momento, ponía los pelos de punta ver que la reclusa no daba muestras de intranquilidad, mientras que el verdugo era presa de la desperación: gritaba, forcejeaba, se desvanecía…en un intento vano de evitar su tarea.

Repercusión

Fue una película muy polémica desde el principio. Las disputas surgieron en el Festival de Cine Internacional de Venecia (1963), ya que nadie estaba de acuerdo con ella. Por un lado, la izquierda no podía tolerar que un film que hablaba de la pena de muerte, no condenase al franquismo (y más que el caudillo contaba entre la plebe con el sobrenombre de “el Verdugo”); y, por otro, la derecha lo consideró un exabrupto inadmisible.

La solución: agregar a los 16 cortes con los que la película se presentó al festival 14  más

Advierto a los detractores de nuestro cine que, con este post, es muy posible que tan solo vean confirmadas sus sospechas pues, aunque dudo se dignaran a la visualización del film, en el hipotético caso de que esto ocurriera, no encontrarán en él los fastuosos efectos especiales que ya por esta fecha comenzaban a fraguarse en el mundillo hollywoodiense, ni una trama excitante y ramplona, con final al gusto de todos, como a las que suelen estar acostumbrados.

Arrebato es una película sorprendente, rompedora, vanguardista; algo que sólo podía tener cabida en aquellos años del destape español tras el fallecimiento de Franco y que, por desgracia, no tendrá continuación (Zulueta tuvo serios problemas con las drogas, desapareciendo durante largo tiempo del mundo cinematográfico)

La película, protagonizada por unos jovencísimos Eusebio Poncela y Cecilia Roth, constituye una reflexión del propio cine y una apología de la creación artística y su poder “arrebatador”. Zulueta lleva a cabo, para ello, un experimento visual, combinando distintos formatos, que van desde el profesional al amateur (súper 8), llegando incluso a agujerear la película, logrando que se perciban una suerte de círculos luminosos en movimiento durante la proyección. Se sirve de imágenes insólitas, delirantes, próximas a la hipnosis, con las que consigue atrapar al espectador, arrebatarlo, hacerlo formar parte de su propia creación.

Sinopsis Arrebato

La película narra la historia de José Sirgado (Eusebio Poncela), un director de películas de Serie B, profundamente decepcionado con la industria y con su propia vida. El coqueteo con la heroína y su reciente ruptura amorosa con Ana (Cecilia Roth), lo han sumido en la más profunda de las desidias. Una tarde, al volver a casa, se encuentra con un misterioso paquete con una cinta de vídeo y una grabación, que vendrán a sacar al protagonista de la anomia en la que ha sumido su vida, situándolo en un punto límite.

Ficha técnica

Título original: Arrebato

País: España

Año: 1979

Género: Drama

Director: Iván Zulueta

Guión: Iván Zulueta

Reparto: Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Helena Fernán-Gómez, Luis Ciges, Marta Fernández Muro, Carmen Giralt y Will Moore

Productor: Nicolás Astiarraga

Fotografía: Ángel Luis Fernández

Música: Grupo Negativo

Montaje: José Luis Peláez, José Pérez Luna y María Elena Sáinz de Rozas

Se admite, por lo general, la existencia del algunas excepciones; largometrajes valedores de cierto éxito y comedido reconocimiento (sirva de ejemplo la homenajeada Celda 211) Más, en altísimo porcentaje, las películas españolas están asociadas a la instrumentalización ideológica, la técnica decadente, el argumento pobre y manido.

A mi parecer, la realidad dista mucho de esta tendencia. En todo caso, soy consciente de que una opinión vale de muy poco -menos aún cuando sólo es una-, por lo que me ceñiré a un dato objetivable. Y es que el cine es el medio o entretenimiento idóneo para engrosar as arcas de un país (aspiración bastante loable en un momento como el actual), así como para conformar un pensamiento colectivo sobre una determinada materia. Ya en su momento, el neorrealismo italiano empleó la gran pantalla para superar la imagen de una Italia fascista, asesina y totalitaria; para mostrarnos el glamour de sus calles, la elegancia de sus habitantes, el esplendor de sus paisajes.

Esta idea debiera servirnos para deshacernos de los tópicos, esforzándonos todos por otorgar un voto de confianza a nuestras películas, por hacer de nuestro cine un compendio de las virtudes que nos caracterizan para mostrárselas al mundo y a nosotros mismos.

Foto de la web: bsocaratulas.iespana.es

Un mundo al que recurrir para contar una historia que tiene tintes dramáticos pero que sin duda, posee un transforndo totalmente romántico, tanto que el amor se respira desde el título, aunque no es amor de color de rosa. Está salpicado de dificultades y rencillas que lo ponen a prueba una y otra vez. Y es que, la moraleja que muestra la película viene a ser algo así como que “nadie dijo que amar fuese sencillo”.

Amor y odio

Saura Medrano narra en esta película la historia de un trío amoroso en el que los celos, el drama, el odio y el amor van a estar más que presentes por todos lados. En este entramado es precisamente donde el novel directorpor entonces (la cinta se estrenó en 1999) marca con claridad la influencia de Saura padre, donde la profundidad del drama y de las desgracias humanas siempre se hace presente.

Cuenta como Sira comienza a odiar a Luis, después que su hermano muriese en una reyerta en la que se vieron inmersos, por intentar hacer cumplir ley. Todo se enreda en exceso y se observa como todo puede cambiar en un minuto. A la vez, se desarrolla otra historia, la de Milio, un adolescente que ve en Santos un ejemplo a seguir, aunque lo cierto es que intenta pasar el verano lo más rápido posible. Se verá envuelto en situaciones increíbles.

Adaptación.

El primer filme de Saura Medrano tiene como germen de origen la novela ‘El chico que imitaba a Roberto Carlos’, aunque el guión escrito junto a los hermanos Casariego, es una adaptación libre de la novela. Para su primer largometraje, Medrano contó con la presencia de actores de reconocido prestigio como Paco Rabal, Fele Martínez o Geraldine Chaplín, un elenco de lujo para dar vida a los personajes de ‘Tú qué harías por amor’

En cuanto a crítica y público, los resultados fueron dispares. Por un lado, la crítica aplaudió la ópera prima del hijo de Saura, del que dijeron que se alejaba de los dramas paternos, y que se veía que era un director con inquietudes e intereses propios. No obstante, el público no mostró tanta aceptación y en taquilla fue un auténtico desastre.

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En ‘Goya en Burdeos’, Carlos Saura, intenta alejarse del gran pintor, no quiere mostrar la gran habilidad para el arte que tenía el genio zaragozano, sino que intenta poner de manifiesto todo la lucha interna que vivió el maestro pintor a lo largo de su vida. Un homenaje en toda regla, para una de las mayores glorias de nuestro patrimonio artístico.

Desde el exilio

La película narra la historia de un Goya que se encuentra en los últimos años de su vida y que ha tenido que exiliarse a Francia, concretamente a Burdeos, para poder seguir su vida. Allí a sus ochenta y dos años intenta poner al corriente a su hija Rosario de todo lo acontecido a lo largo de su vida. Le narra todo aquello que fue importante en el devenir de su existencia personal y artística.

De este modo, Goya hará un recorrido de sus intricados y gloriosos tiempos en la Corte de Carlos IV (bajo su reinado alcanzó la mayor de las glorias) hasta sus problemas amorosos y sus desdichas con la Duquesa de Alba, quien según los historiadores y como se muestra en el filme, fue el gran amor de la vida del genio

Gran reparto

El filme cuenta con un reparto espectacular encabezado por el magnífico actor Paco Rabal (fue de las últimas películas que interpretó) que tenía el papel del Goya viejo, el encargado de contar la historia a su hija Rosario. Para el Goya novel, José Coronado fue el elegido para dar vida la época de juventud del artista. Por último, para dar vida al su gran amor, la seleccionada fue Maribel Verdú.

El metraje fue estrenado en el Festival de cine de Montreal, donde enseguida recibió las bondades del público que acudió en masa para ver el estreno de la cinta. La cierto es que fue un gran éxito de taquilla, aunque la crítica no se mostró demasiado de acuerdo con la visión de Saura acerca de Goya, aunque al final resultó una cinta bastante rentable.

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No obstante, si es destacable la película es porque el director, pese a ser su proyecto inicial fue capaza de reunir a grandes actores del panorama español, el pétreo José Coronado, el histriónico Juanjo Puigcorbe o la grandilocuente Verónica Forqué. Pero, sobre todo, Maribel Verdú, que por aquella época daba sus primeros pasos y que al año siguiente conseguiría un Óscar junto a todo el equipo de ‘Belle Epoque’.

Intercambio de parejas

La película desde luego es una comedia de enredo en que las situaciones cómicas se dan a menudo, el problema es que el argumento se queda a veces resquebrajado por la falta de continuidad del guión. No obstante, el director presenta a los espectadores dos parejas que tienen una vida acomodada, sin demasiados sobresaltos, aunque todo cambia en el momento en el que el Cirujano (Puigcorbe) se enamora de su vecina.

Lo curioso es que la historia no se queda ahí, sino que por casualidades del destino, las dos mujeres se encuentran y se emborrachan juntas, lo que provoca que se rifen a sus maridos de la manera más burda. De ahí, que se produzca un intercambio de parejas muy curioso

Lo mejor

‘Salsa Rosa’ adolece de muchos fallos, quizás como ya se ha señalado anteriormente, el más grave sea el de desconexión del argumento en varios momentos del filme. Sin embargo, tiene algo muy bueno, la elección de los intérpretes. Son el Ying y el Yang, la cruda sexualidad y el erotismo de Maribel Verdú es compensado por la dulzura y la ingenua candidez de Verónica Forqué.

Del mismo modo, ese histrionismo típico de Puigcorbe, se amolda a la perfección a la sobriedad interpretativa de Coronado. Desde luego es un gran reparto para un película que no es de las más recomendables del cine español, aunque eso sí, a su favor tiene que al menos, en ocasiones, facilita la risa.

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Para muchos analistas y críticos de cine, “Todos a la cárcel”, supone la continuación de una película que fue un éxito en su época, “la escopeta nacional”, aunque trasladando todos los chanchullos y recovecos de la vida política y empresarial de la época franquista, al período democrático. La diferencia, es que la cacería, en esta ocasión, es sustituida por una cárcel.

‘Saza’

El argumento, la fotografía y el encuadre se unen en un escenario común, la cárcel, concretamente la de Valencia. El enredo comienza, ya en época democrática y con el PSOE al frente del Gobierno, con la celebración del Día del Preso de Conciencia. Jornada en la que se mezclan los presos encerrados por motivos políticos y los presos comunes.

En esta situación se producen las situaciones más disparatadas, aunque sobre todos destaca el personaje de Artemio, (José Sazatornil) un pequeño empresario de la rama sanitaria, que se va a ver envuelto en la persecución de un subsecretario del gobierno, para cobrar una deuda que asciende a los ochenta millones de pesetas. Un gran actuación, del maestro ‘saza’, que le otorga gran comicidad al filme.

Un auténtico lío

Lo cierto es que la película refleja de manera brillante, los personajes y el espacio esperpéntico que Valle-Inclán definió en alguna de sus obras. Teniendo en cuenta esto, la cárcel donde se desarrolla la acción, se convierte en un espacio totalmente esperpéntico donde mezclan: la relación entre el director de la prisión y un travesti, una pareja de excombatientes, como no, uno rojo y otro nacional, que sorprendentemente se ponen de acuerdo, a través de sus largas experiencias como presos políticos ó las reivindicaciones de un actor gay.

En definitiva, un conglomerado de personajes que da como resultado una película divertida, donde sobresale Sazatornil y en la que sobran algunos chistes sexuales y escatológicos un tanto forzados. Aún así, una comedia muy recomendable

Foto de la web: casadrmargil.ideosferas.org

“Libertarias”, que fue estrenada en 1996, venía a cubrir ese vacío cinematográfico que había vivido la historia de la Guerra Civil. De esta forma, Vicente Aranda, lleva a la pantalla, la lucha de mujeres que estuvieron presentes en la guerra y que fueron, mucho más que mujeres florero que esperaban en casa a que llegase su marido de la contienda. Eran mujeres que tenían iniciativa propia y que luchaban por evitar que el fascismo se hiciese con el control de una España, hasta entonces, en libertad.

Resistencia

El filme de Aranda, que tenía en mente desde hacía bastante tiempo el proyecto, aunque por exigencias del guión (político) no se pudiese estrenar hasta la década de los 90, narra como las mujeres, en un período en el que se encontraban al borde de la guerra, deciden organizarse en guerrillas para poder combatir y defender lo intereses republicanos. Intereses, eso si, bajo la bandera de la anarquía.

La película se inicia, cuando la joven María, interpretada por Ariadna Gil, entra en un prostíbulo y es obligado por la milicianas a la causa, a la par que hacen aprenderse los textos anarquistas como si de la Biblia se tratase. Uno de los momentos que marcan la idiosincrasia del metraje se centra en el discurso que Pilar (Ana Belén) realiza hacia sus compañeras: “Somos anarquistas, somos libertarias, pero también somos mujeres y queremos hacer nuestra revolución. Queremos pegar tiros para poder exigir nuestra parte a la hora del reparto”. Más claro…

Todo un éxito

El filme resultó todo un éxito, sobre todo porque contó con un reparto espectacular. Además de las ya mencionadas, Ana Belén y Ariadna Gil, también formaron parte del proyecto de Aranda, Jorge Sanz, José Sancho, Miguel Bosé, Loles León o Blanca Apiláñez entre otros.

No obstante, lo fundamental es que es un retrato de la lucha por la libertad. Un intento de que todo lo vivido durante aquella época no se olvide y que sirva para aprender de nuestros errores y que no se vuelvan a repetir. Además, “libertarias” fue recibida de manera espectacular por la crítica. Riollo, escribió sobre ella “Nos es una película imparcial, es un filme a favor de los perdedores”.

Esta película española ha sido dirigida por el gallego Alfonso Zarauza, con guión propio, y ha contando con un buen reparto, encabezado por Luis Tosar (protagonista de Celda 211), Nora Tschirner, Mercedes Sampietro, Chete Lera, Miguel de Lira, Fede Celada, Cristina Solano, Macarena Gómez y Camila Bossa.

Foto de la Web: www.ecartelera.com

Argumento
Desde principio de la semana pasada esta disponible el trailer. La historia de la película se desarrolla en la ciudad de Santiago de Compostela donde hace tres meses que no deja de llover. Spleen, un dandy al que sólo le gustan tres cosas en la vida: Valle-inclán, Los Smiths y las chicas malas con flequillo; pasa las noches en compañía de sus amigos bohemios de La Taberna de los dramáticos.

La noche en que deja de llover, Spleen conoce a La Rusa, una chica mala con flequillo con la que iniciará un viaje mágicoal interior de la noche y de ellos mismos por una extraña ciudad de piedra que transformará sus vidas por completo. Después con la llegada del amanecer y el regreso de la lluvia finaliza el sueño.

Características

Según el director Alfonso Zarauza, la película es “Una Road Movie andante de una noche por el interior de una mágica ciudad de piedra”.
Como referente principal se ha tomado al cine europeo y el cine independiente americano, aportando un toque de humor gallego.
Con un espíritu de realismo mágico, cercano a filmes como “Eduardo Manostijeras”, el film fusiona el tipo de películas con un protagonista perdedor, un sentido del humor negro y la recreación de un mundo propio muy peculiar, con la historia de amor de dos desconocidos que se encuentran, en la línea de historias como “Lost in translation”.

En definitiva, La noche que dejó de llover cuenta una historia amena e intimista, un cuento plagado de personajes perdedores y de ambientes surrealistas. Los personajes poseen un tinte extravagante desde un enfoque y un punto de vista peculiar.

Foto de la web: cinepatas.com

La cierto de esta película es que encumbró todavía más a una de las mejores actrices de la época, Victoria Abril, que regresó con este papel al cine español, después de amargo tránsito por las pantallas norteamericanas con “Jimmy Hollywood” y sacó del anonimato a un excepcional guionista para ponerlo al frente de la dirección.

Toros y prostitución

“Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto” es una apuesta arriesgada en la el director narra la historia de la esposa de un banderillero, que sufre muchísimo con la profesión de su marido y que después de una grave cogida de éste, se arrojará a la bebida. Se instalará posteriormente en México , donde ejercerá la prostitución. Sin embargo, esto no será definitivo, puesto que por casualidad, preseciará el asesinato de dos policías a manos de narcotraficantes, lo que desatará una persecución que llegará a España.

Huyendo de sus perseguidores, llega a España, donde ser refugiará en la casa de su suegra, Pilar Bardem, quien es para ella como una madre. Lo más interesante de la película es que no se sabe en ningún momento que es lo que va a suceder. El director va presentado a los personajes y las trama de tal manera que se resuelven de la manera más inesperada. Efecto que provoca que el espectador no tenga ni un pequeño respiro.

7 Goyas

El primer metraje de Yanes igual de bien recibido por el público, como por la crítica. Algo que es muy extraño y que suele tener como consecuencia galardones. Este caso no fue una excepción. La cinta recibió siete premios Goya. Entre ellos, el de mejor actriz, que fue a recalar a manos de Victoria Abril y el de mejor actriz de reparto que recayó en manos de Pilar Bardem.

Además, fue reclamada por varios festivales internacionales para formar parte de las diferentes muestras. Entre ellas, Miami, Cartago o Bruselas.