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Dos de ellas, una, dominicana y la otra, de Bilbao, encontrarán la seguridad y el afecto que buscan. Bien rodada, con personajes bien dibujados y mejor interpretados por actores como José Sancho, Chete Lera o Luis Tosar, nominado al Goya por este trabajo, la película cuenta la muy diferente evolución de tres relaciones de pareja.

Punto de vista múltiple y femenino

El peor defecto del filme es un tiempo muerto muy largo donde la narración se estanca. La cinta cobra mayor vida en la segunda parte donde el punto de vista siempre es múltiple y femenino. Salta de la inmigrante dominicana a su amiga cubana y de esta a la mujer bilbaína. A través de diversas vicisitudes, los personajes van cobrando carne y sus relaciones se van entrelazando con acierto a medio camino entre la comedia y el drama.

La película ofrece una visión realista y esperanzada de las relaciones humanas y aborda asuntos como la amistad, el amor o el racismo. Los personajes masculinos son egoístas, violentos o tímidos, según el caso. Los femeninos son más valientes y sinceros. Pero Bollaín no cae nunca en el exceso ni la falta de rigor. La joven actriz y directora madrileña, que tanto éxito logró con su primer film, El Sur del maestro Erice, nos ofrece un retrato limpio y honesto de unos personajes con los que mañana podríamos toparnos en cualquier bar de pueblo. Quizá por ello, Flores de otro mundo obtuvo el premio de la crítica en el festival de Cannes de 1999. El guión estaba nominado al Goya.

Ingrediente del éxito: naturalidad

He ahí el mérito de la película de Iciar Bollain, en la naturalidad. Su concepción del cien toma elementos prestados del cine de Ken Loach. El inicio (la llegada del autobús de solteras), es perfecto. Luego el relato se salpica aquí y allá de pinceladas de autenticidad: por ejemplo, los comentarios de los viejos ante la exuberancia de una cubana.

Además, al buscado realismo, la directora añade una temática palpable en su primer film: la búsqueda del amor, la necesidad de querer y ser querido, con sus ilusiones y desengaños. Un objetivo intrínseco de la personalidad humana, el intento de encontrar a la persona adecuada con la que compartir el lago devenir de la existencia.

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Saludada por la crítica en el festival de San Sebastián de 1.999 como una obra maestra, habrá que empezar diciendo que no es para tanto. Y no es que Cuando vuelvas a mi lado carezca de interés; estamos ante un drama de alguna forma pasional, un drama sobre la memoria de las cosas, con los fantasmas del pasado que vuelven a la vida de tres hermanas y los hechos que marcaron su infancia.

La historia tiene visos de auténtico interés: un turbio asunto de amores incestuosos, presuntamente platónicos, un suceso oscuro no desvelado, unas relaciones tempestuosas entre las tres hermanas, una vieja tía plenamente implicada en el arcano familiar… todo ello es una materia argumental atractiva.

Pobre puesta en escena

Sin embargo, no puede decirse lo mismo de la puesta en escena de la directora, Gracia Querejeta, que, como ya le ocurriera en “Una estación de paso” y “El último viaje de Robert Rylands”, sus anteriores filmes, con frecuencia peca de cierto acartonamiento, de una teatralidad que perjudica la verosimilitud de la película.

No es un grave pecado, si tenemos en cuenta que la historia tiene de por sí suficiente fuerza como para hacer perdonar ese error, y que los intérpretes, en especial las actrices, están espléndidas, destacando una Marta Belaustegui que llevaba camino de convertirse en una de nuestras grandes trágicas: qué fuerza paranoica tiene su personaje, una mujer carcomida por el diablo de los celos, recelosa de la relación entre su marido y su hija adolescente.

Alma femenina

En definitiva Cuando vuelvas a mi lado es una película llena de sensibilidad. Su directora, Gracia Querejeta, sabe penetrar en el alma femenina, y dibuja varios e interesantes personajes femeninos. Las tres hermanas protagonistas son muy distintas, cada una ha seguido un rumbo distinto en la vida. Pero aunque se dicen verdades hirientes, el cariño perdura, como podrá comprobarse.

Una obra de interés, mejora en el último tramo, cuando las piezas del rompecabezas empiezan a encajar y la realización de la directora empieza a estar a la altura de la estupenda trama dramática montada a lo largo del metraje, consiguiendo con ello un atractivo filme que confirma la fuerte vertiente social y dramática del cine español durante la última década del siglo XX.

Foto de la web: maxcaratulas.net

Y digo sobre todo, porque hace no mucho recibió el premio Nacional de Cinematografía de manos de la actual ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde y hay volvió a demostrar que la película que ahora trataremos ha sido una de las más especiales de su carrera cinematográfica. De hecho, “la buena estrella” ha estado presente en toda la carrera de la actriz.

Estrella

Rafa (Antonio Resines) es un carnicero solitario y frustrado sexualmente, que aloja en su casa a una prostituta embarazada llamada Marina (Maribel Verdú) tras haberla auxiliado cuando estaba recibiendo una paliza de su novio, un delincuente llamado Daniel (Jordi Mollá).

Rafa y Marina pronto inician una relación sentimental, adoptando Rafa a la futura hija de Marina, a la que llaman Estrella. La feliz situación familiar que viven se turbará cuando Daniel, el padre de la niña, salga de la cárcel y, tras recibir una paliza, acabe viviendo con ellos en la misma casa. Con esta situación se inicia un drama social y romántico que es dirigido por Ricardo Franco, quien, basándose en hechos reales, construyó una película íntima y sosegada, de tono pesimista y triste, sobre la fortuna existencial, el destino trazado por un pasado infausto, de difícil o imposible superación, y la ligazón vital, que pervive tras la muerte.

Triángulo amoroso

Para enfocar estos temas centró la acción en tres personajes solitarios, encontrados en una situación extrema y desarrollados en un triángulo amoroso, que buscan, cada uno a su manera, la felicidad y la mejora de sus respectivas vidas, contrastándose tales caracteres en psicologías, actitudes y responsabilidades. El film, llevado con un buen tacto por el director y excelentemente interpretado por el terceto protagonista, con un Antonio Resines espléndido en su sobriedad de expresiones, intenta otorgar calado emocional a los asuntos tratados, pero para alcanzar mayores logros la historia resulta bastante insuficiente, previsible, e incluso moralizante.

El clima que acoge el triángulo tendría que resultar más penetrante y sobre todo, más enrarecido y enfermizo en la interacción triangular; el retrato psicológico más original en la vinculación entre pasado y presente y los personajes menos estereotipados y más singulares; el ritmo más intenso, que no acelerado, las emociones menos aparentes y el final menos gratuito en la consecución de las mismas.

Foto de la Web: cine.estamosrodando.com

Este verano se ha rodado en nuestro país el último proyecto de David Serrano, guionista de éxito españoles en taquilla como lo fueron en su momento los largometrajes de Emilio Martínez Lázaro: ‘Al otro lado de la cama’, y su secuela ‘Los dos lados de la cama’.

Sinopsis

La historia que nos quiere contar David Serrano en ‘Una hora menos en Canarias’ trata sobre el plan de Claudia, interpretada por la colombiana Angie Cepeda, una mujer que está casada y regenta un bar, pero que trata de recuperar a su amante Pablo (Quim Gutiérrez) que, a su vez, está completamente enamorado de otra persona, Miren Ibarguren, y se ha propuesto romper con Claudia.

Claudia, para tratar de recuperar a toda costa a su amante le pedirá ayuda a su hermana Mónica (Juana Acosta). En ese momento, se inicio una encarnizada lucha dentro del trío de mujeres para tratar de hacerse con el amor de Pablo, por lo que los enrredos están más que servidos.

Datos de la producción

En este largometraje español se cuenta con la participación de grandes actores de la talla del joven Quim Gutiérrez (‘AzulOscuroCasiNegro’), quién encabeza el cartel junto a Angie Cepeda, Juana Acosta y Miren Ibarguren, quién interpreta el papel de Soraya, hija mayor de Aída, en la serie de televisión de mismo nombre.

‘Una hora más en Canarias’ es una comedia en tono musical, con la que Serrano quiere repetir el éxito obtenido en taquilla como guionista en las dos películas dirigidas por Emilio Martínez Lázaro.

Es un largometraje que está rodado a medio camino entre Tenerife y Madrid. En él, se cuenta con un presupuesto de 4 millones de euros que las productoras Telespan 2000 y La Zona Films junto con la productora colombiana Dynamo, tendrán que gestionar de la mejor manera posible para obtener los resultados esperados.

El director

David Serrano, como director, cuenta bajo el brazo con varios cortometrajes y largometrajes. En 1993 se estrenó con el cortometraje ‘El Primerizo’, en 1995 dirigió ‘Piel Canela’, con el cual ganó gran cantidad de premios. Y en 2007 se estrenó ‘Mezclar es malísimo’.

En 2003 dio el salto a la dirección de largometrajes con ‘Días de fútbol’, en 2007 estrenó con menos suerte ‘Días de cine’ y este año 2009 tiene pendiente el estreno de ‘Una hora menos en Canarias’, de la cual también se barajaba el título de ‘Con amor o sin amor’.

Sea como fuera, el una película que tenemos ganas de ver y que esperamos que se estrene pronto con mucha suerte para todos los que han participado.

Foto web: elpais.com

Y es que un actor, para interpretar su siguiente papel necesita en primer lugar vaciarse del personaje anterior y, después, llenarse del nuevo. Algo muy confuso, pero necesario para que la interpretación sea lo más real posible.

‘Máscaras’, cine en el cine

Josep María Pou, un actor de sobra conocido en nuestro país, sobre todo en teatro, es un claro ejemplo con el que visualizar a la perfección el proceso de la máscara. El catalán está considerado como uno de los mejores actores europeos, y su amor incondicional hacia su profesión le hace esforzarse y trabajar duro para llegar a lo más alto en el mundo de la interpretación.

En el documental el actor habla sobre su profesión desde el momento en el que acaba la gira de ‘La cabra’, una obra teatral que finalizó en el donostiarra Teatro Victoria Eugenia hasta el día en el que se estrena por primera vez en Barcelona una obra en la que encarna a Orson Welles.

En la película podemos ver al actor durante sus ensayos, tratando de eliminar de su cabeza y cuerpo al antiguo personaje para dejar hueco al nuevo. Le podemos ver en su casa, repleta completamente de libros, DVDs y CDs (incluso en el baño), en el parque, paseando por las calles de Barcelona para memorizar el texto. En esos ensayos vemos a Pou charlar, mostrar su talento, su perfeccionismo, en ellos nos desvela sus trucos y podemos ver cómo memoriza el texto paseando por su barrio, donde todos le conocen.

‘Máscaras’ en San Sebastián

Como ya dijimos, la película vio la luz por primera vez cuando se proyectó en el Festival de San Sebastián, dentro de la sección Zabaltegui, en la que también se presentaron en competición estas dos películas: ‘Get low’, en la que participa el actor, Robert Dubai y ‘Hadewijch’, del director Bruno Dumont.

‘Máscaras’, es al fin y al cabo una película con la que comprender que no es tan sencillo, ni está al alcance de todo el mundo, la profesión de actor. Y que es necesario para hacerlo lo mejor posible echarle todas las horas y ganas del mundo. Y esto justamente es lo que hace Josep María Pou.

Os dejamos con un adelanto del trailer, que lo disfrutéis:

Foto de la web: picasaweb.google.com

“En cuestiones demoníacas, prefiero dejar de lado a los intermediarios para tratar directamente con el patrón.” Éstas eran las palabras del realizador, que contaba apenas 30 primaveras a la fecha del rodaje, se hicieron carne en Angel Berriartúa (Alex Angulo, su actor fetiche), un cura pequeñito y calvo que estaba convencido de que el Anticristo nacería en Madrid, durante la madrugada navideña de 1995.

Pocas horas antes

El crepúsculo de aquella tarde monopoliza las escasas luces diurnas de El día de la bestia, que se entrega luego a las penumbras de una noche estructural, omnipresente, que terminará imponiéndose como un personaje más. Berriartúa quiere eliminar al Diablo, pero ignora el lugar exacto del alumbramiento, por lo que decide emprender una serie de pérfidas acciones por los barrios más canallas de la capital, para así atraer naturalmente a Satanás.

El cura se emborracha, envía a moribundos al infierno y, mientras busca “uno de esos discos que emiten mensajes diabólicos si se los pasa para atrás”, encuentra a su primer aliado, José María (Santiago Segura), un gordo hipertatuado y fanático del heavy-metal.
Poco después se les sumará el profesor Cavan (Armando de Razza), un embaucador televisivo que se autotitula experto en magia negra.

Suma de Contradicciones

La suprema gracia de El día de la bestia surge de la suma de contradicciones aparentes de esta triple alianza que, a su vez, no deja de postularse como la mejor imagen del mundo al revés propuesto por De la Iglesia. Pero las inquietudes del artista también encuentran un resquicio en el espíritu documental que tiñe a los encuadres madrileños. De la Iglesia filmó durante la verdadera Nochebuena en las calles de la capital, pero buscando siempre las señales del Apocalipsis. Las criaturas más perversas que encontró provienen tanto de su imaginación como de las crónicas policiales: unos fascistas abocados a masacrar a los sin techo. Especie de cornetas sórdidas, anticipan sutilmente la aparición en carne y hueso del Demonio y demuestran que no todo es risa en este esplendoroso festival.

Exquisitas composiciones de cuadro, un timming alucinante y un montaje eximio se combinan en El día de la bestia con una portentosa galería de roles secundarios: Terele Pávez (“la Vincent Price española” según la definió el director), Nathalie Seseña (una especie de Rossy de Palma sexy en el papel de una virgen cuya sangre será codiciada para los rituales) y la versión más exquisitamente maquillada del Maléfico que se haya visto en mucho tiempo.

Captura de la web oficial: www.agoralapelicula.com

La película que fue exhibida hace unos días en el Festival cinematográfico de Toronto, lugar donde también presentó en sociedad algunas de sus anteriores creaciones como ‘Los Otros’, enmarca la acción en el siglo IV d. C, en un Egipto que se encuentra bajo el dominio del Imperio Romano. Reconstruye las revueltas religiosas en las calles de Alejandría a través del personaje de Hipatia, una astrónoma que se encuentra encerrada en la biblioteca de la ciudad y que lucha por salvar la sabiduría con la ayuda de sus discípulos. Discípulos entre los que destaca Davo, que se debate entre el amor que le profesa en secreto y la libertad que podría alcanzar uniéndose al imparable ascenso de los cristianos.

Pinceladas de rodaje

A pesar que ya ha visto la luz en algunas muestras como la de Cannes o la de Toronto y que en España se podrá ver a partir del próximo mes de octubre, el rodaje de Ágora esconde muchas horas de trabajo y de documentación.

El rodaje, que finalizó el pasado mes de julio, se ha llevado a cabo en la Isla de Malta, lugar donde el equipo de rodaje –actores, directores, productores…- permanecieron durante más de 15 semanas. Al igual que ‘Los Otros’, la película se ha rodado íntegramente en inglés y supone para el director su primera aproximación al cine histórico. Algo que le ha resultado algo ‘durillo’, debido a que durante la preparación del guión estuvieron más de tres años “perdidos entre los libros de la historia de Egipto”.

Junto a la ya mencionada Rachel Weisz, forman el reparto el joven actor británico Max Minghella, Oscar Isaac, Ashraf Barhom, Michael Lonsdale, Rupert Evans y Homayoun Ershadi.

Todo preparado

La cinta ultima ya los detalles para el desembarco definitivo en territorio español. Un desembarco que le pondrá en línea de salida en la carrera hacia los Óscar. Mientras esto llega, la web oficial de la película presenta las últimas novedades. De hecho, hace unos días colgó el trailer definitivo de la cinta y los carteles que serán colocados en las marquesinas de los cines. Ya queda poco para conocer ‘la plaza pública’ de Amenábar.

http://www.peliculas.info

Gordos es de esas películas en las que los actores se implican al 100%, al menos es lo que ha conseguido que hagan en su último proyecto el director Daniel Sánchez Arévalo.

Una idea que le rondaba desde hacía tiempo y que finalmente ha puesto en pie con el esfuerzo y la colaboración de los actores.

Y es que estos han tenido que engordar muchísimos kilos y volvérselos a quitar otra vez, algo que podía haber afectado a su salud, pero que finalmente ha quedado a pedir de boca, nunca mejor dicho.

Supervivencia en una sociedad selvática

Gordos es una comedia que habla en general sobre los excesos y las que sufrimos los seres humanos. En general la manera de sobrevivir a todo esto es el tema central de la película.

Un grupo de personas que se reúne en una terapia de grupo para intentar sobrellevar todos los problemas que nos presenta la vida.

Una película que seguramente es de las más esperadas de la temporada por ser el segundo largometraje, después del exitazo de AzulOscuroCasiNegro, que hizo que Daniel Sánchez Arévalo se convirtiese en uno de los directores más respetados del panorama cinematográfico español.

Cambios físicos completamente reales

El rodaje de “Gordos” no fue precisamente sencillo, fue dividido en cinco partes durante casi un año, algo más de lo habitual, que resultó necesario precisamente para que los cambios físicos de los actores se fuesen llevando a cabo.

Sánchez Arévalo decidió que a pesar de tener la posibilidad de realizar esos cambios de forma “irreal”, por medio de los efectos especiales, el resultado no sería el mismo y la capacidad de interpretación de los actores tampoco se llevaría a cabo de la misma manera, por lo que decidió que bajo un estricto control médico los actores se acostumbrasen a vivir con bastantes kilos de mas.

Por ejemplo, el protagonista, Antonio de la Torre, tuvo que subir su peso hasta en treinta kilos para después ir bajándolo progresivamente.

El resto del reparto esta integrado por Raúl Arévalo, Verónica Sánchez, Roberto Enríquez, Leticia Herrero, Pilar Castro y Adán Jeziersky.

Una comedia dramática como la define su director que llegará a nuestras pantallas en breve y que seguramente nos hará pensar mientras sonreímos en la cantidad de problemas que añadimos nosotros mismos a la vida, además de los que ella misma nos pone en el camino.

Una película con muy buena pinta que estamos deseando ver.

Foto de la web: tesela.com/noviembre

La frase insignia de la película es “El arte es un arma cargada de futuro”, un leitmotiv para Alfredo, un joven que empieza a estudiar para ser actor pero que pronto encuentra frenos a su forma de entender el arte en forma de profesores y que decide formar un grupo de teatro que se dedicará a trasladar sus espectáculos a la calle. Para ello, cuenta con la colaboración de otros compañeros de estudios que siguen a Alfredo en sus ideas sobre lo que tiene que ser el teatro.

Noviembre: En la calle, ¿realidad o ficción?

La mera pasión por actuar, por representar en vivo sus ideas, les llevará a enfrentarse a los poderes establecidos, como la policía y el orden público, algo que les traerá consecuencias no solo a nivel económico en forma de multas o de problemas con la ley, sino también dentro del propio grupo de actores, que comenzarán a dudar de que las ideas de Alfredo, como el no cobrar por actuar, tengan un sentido real en la sociedad actual.

Esa unión férrea entre realidad y ficción, entre vida y teatro será una de las claves para el desarrollo de la película y de las propias vidas de los personajes, atrapados entre el espíritu de libertad que conlleva pertenecer a “Noviembre”, desarrollando proyectos callejeros como actuar como mendigos o como diablos en pañales, y la vida real, la que está fuera de los escenarios y del propio grupo y que supone mayores responsabilidades.

Noviembre: Desde hoy cuentan lo de ayer

Achero Mañas utiliza el falso documental para contarnos la vida de Noviembre y de Alfredo. Los propios personajes son los que, años después, nos cuentan la historia, los entresijos, lo que pensaban. Los roles se recrean años después, y los mismos, ya adultos, observan desde la distancia que otorga el tiempo lo que vivieron durante su juventud.

Esto sirve para entender cómo cada personaje se desarrolla en la película: los que son críticos con Alfredo, los que entienden las ideas fundacionales del grupo y los que confían que el cambio es necesario.